2014-2020 Impacto y retos de la Ley japonesa 14/2013 para la implementación del Convenio de la Haya de 1980 sobre Aspectos Civiles de la Sustracción Internacional de Menores en Japón.

Han pasado 6 años desde la firma por parte de Japón del Convenio de la Haya de 1980 sobre Aspectos Civiles de la Sustracción Internacional de Menores. Desde la década de los 70, el número de matrimonios internacionales entre japoneses y extranjeros ha pasado de 5.000 a más de 40.000. Así mismo, el creciente número de divorcios ha derivado en múltiples ocasiones en graves casos de sustracción internacional de menores por parte de uno de los progenitores. El objetivo principal de esta investigación es analizar el impacto a nivel internacional de la esperada firma por parte Japón, así como identificar las dificultades de implementación del Convenio en relación con la patria potestad y el derecho de custodia japonés. Para ello, se analizará el punto de partida así como el estado actual de implementación de la ley. Metodología: La presentación del tema propuesto se lleva a cabo utilizando metodología interdisciplinaria que combina el estudio del derecho internacional, su regulación y aplicación, con su trayectoria histórica, así como el impacto que los medios de comunicación han tenido en la difusión de este tema. Resultados: Mediante el estudio de las solicitudes presentadas y los diferentes procesos que han seguido las mismas hasta la fecha, la comunicación presentará unos resultados basados en una investigación socio-jurídica.

2014-2020 Impacts and Challenges of the Act of Implementation of the 1980 Hague Convention on the Civil Aspects of International Child Abduction in Japan. Area: International Law

Six years have elapsed since Japan signed the 1980 Hague Convention on the Civil Aspects of International Child Abduction. Since the 1970s, the number of international marriages between Japanese and foreign individuals rose from 5,000 to 40,000. In numerous occasions, the rising number of divorces has derived in severe cases of international child abduction from one of the parents. The main goal of this research is to analyze the international impact of the long-awaited signature of the Convention by Japan, as well as to identify the difficulties that have aroused in connection with the implementation of the convention, specifically in relation to legal custody and Japanese laws on custody. For that, the paper will analyze the starting point and present state of the implementation of the law. The presentation of the proposed topic uses an interdisciplinary methodology that combines the study of international law, as well as its regulation and application, with its historical trajectory and the impact of media in the dissemination of public knowledge about the topic. Results: The paper will present results based on a socio-legal investigation that will take into account the study of the petitions presented to the central authorities, and the different processes that they have followed.

Esther Albalá Pelegrín (Universidad de Zaragoza)

Es profesora de lengua japonesa en el Máster de Estudios Japoneses y el Centro de Lenguas Modernas de la Universidad de Zaragoza. Licenciada en Derecho (UOC), actualmente es doctoranda en Derecho en la Universidad de Zaragoza y su investigación se centra en el análisis de la implementación en Japón del Convenio de la Haya de 1980 relativo a la sustracción internacional de menores. Es miembro del Grupo de Investigación “Japón” de la Universidad de Zaragoza y coautora de obras como “Los derechos individuales en el ordenamiento jurídico japonés” (coord. Carmen Tirado y Francisco Barberán.) Simultáneamente es gestora cultural de diversos proyectos relacionados con Japón y las artes escénicas: Entre 1999 y 2018 se encarga de la coordinación del evento: “Jornaícas de Manga y Cultura Japonesa de Zaragoza.” Es integrante del dúo de folk japonés “Kokeshi” (Ganador en 2013 del premio NHK Grand Prix). Tras completar sus estudios de arte dramático en la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza (2015-2018), produce “IchiGoIchi E”, obra teatral inspirada en textos de la literatura japonesa actual. Es miembro de la Asociación Aragón-Japón, la asociación de profesores de japonés en España y la asociación de estudios japoneses en España. Desde 2006 ha realizado diversos cursos de especialización en lengua japonesa en Fundación Japón Madrid, Tokyo y Sapporo (Japón).

Japón y el convenio de la haya de 1980 sobre sustracción internacional de menores. problemas prácticos sobre la aplicación de la excepción de grave riesgo del artículo 13.1(b).

Vivimos en una sociedad multicultural, con un constante incremento de familias internacionales, en la que los cónyuges o parejas con nacionalidades diferentes, tienen hábitos, costumbres, y concepciones sociales muy diferentes. Lo que genera en muchos casos, graves conflictos familiares transfronterizos, y en algunos de ellos, con graves problemas de violencia doméstica y/o de género, como trasfondo. Si a todo ello se añade la existencia de menores, nos encontramos con un notable incremento de supuestos de sustracción de menores por parte de la progenitora víctima de violencia de género, que ante una situación de violencia en muchos casos, constante, en la que se encuentra, decide abandonar el país con su hijo. El Convenio de la Haya de 1980 sobre sustracción internacional de menores, que fue firmado en fecha relativamente reciente por Japón y entró en vigor el 1 de abril de 2014, establece que la Autoridad Central o judicial del estado requerido no está obligada a la restitución del menor cuando exista un grave riesgo de que la restitución le ponga en grave peligro, incluyendo los supuestos de violencia de género contra el progenitor sustractor. No obstante como establece el propio Convenio, la naturaleza transnacional de los procedimientos de restitución con arreglo a lo dispuesto en el Convenio de 1980, unido a la importancia del factor tiempo, y la excepcionalidad de este “grave riesgo previsto en el artículo 13(1)(b)“ puede resultar una disposición de difícil aplicación para las autoridades competentes, es decir, los tribunales del Estado requerido ante los que se solicita la restitución del ninño.No existe un criterio jurisprudencial uniforme en su aplicación, es más ha sido tachada en su uso como “paraguas de la violencia doméstica”. El problema además se agrava cuando el menor puede ser víctima directa o indirecta de esta violencia de género alegada por la progenitora sustractora. Todo lo cual nos plantea una serie de incógnitas en su aplicación. A lo largo de esta comunicación nos vamos a centrar en los problemas prácticos que se pueden plantear en la aplicación de esta excepción del artículo 13.1 (B) del Convenio de la Haya de 1980, y su repercusión en estos conflictos internacionales en los que se pueda ver implicado tanto Japón como otro Estado nacional, así como las posibles soluciones que en la actualidad la jurisprudencia tanto internacional y nacional de los diferentes Estados, como el propio Convenio de la Haya y otros Instrumentos Internacionales y Europeos están dando. Para ello se examinará no sólo los principales instrumentos legales y las guías de buenas prácticas en su aplicación, sino también la jurisprudencia nacional e internacional existente en esta materia.

Japan and the 1980 hague convention on international abduction of minors. practical problems on the application of the serious risk exception of article 13.1 (b).

We live in a multicultural society, with a constant increase of international families, in which spouses or couples with different nationalities have very different habits, customs and social conceptions. What generates in many cases, serious cross-border family conflicts, and in some of them, with serious problems of domestic and / or gender violence, as a background. If the existence of minors is added to all this, we find a notable increase in cases of child abduction by the parent victim of gender violence, which in a situation of violence in many cases, constant, in which finds, decides to leave the country with his son. The 1980 Hague Convention on International Child Abduction, which was signed relatively recently by Japan and entered into force on April 1, 2014, states that the Central or Judicial Authority of the requested state is not obliged to return the minor when there is a serious risk that restitution puts him in serious danger, including cases of gender violence against the abducting parent. Notwithstanding, as the Convention itself establishes, the transnational nature of the restitution procedures in accordance with the provisions of the 1980 Convention, together with the importance of the time factor, and the exceptional nature of this “serious risk provided for in Article 13 (1 ) (b) “a provision may be difficult to apply to the competent authorities, that is, the courts of the requested State before which the return of the child is requested. There is no uniform jurisprudential criterion in its application, it has been more blacked out in its use as «umbrella of domestic violence». The problem is also aggravated when the minor can be a direct or indirect victim of this gender violence alleged by the abducting parent. All of which raises a series of unknowns in its application. Throughout this communication we will focus on the practical problems that may arise in applying this exception in Article 13.1 (B) of the 1980 Hague Convention, and its impact on these international conflicts in which it may to see both Japan and another national State involved, as well as the possible solutions that currently the international and national jurisprudence of the different States, such as the Hague Convention itself and other International and European Instruments are giving. To do so, it will examine not only the main legal instruments and guides to good practice in their application, but also the existing national and international jurisprudence on this matter.

Ivana Larrosa Ibáñez (Universidad San Jorge, Zaragoza)

Magistrada Suplente de la Audiencia Provincial de Zaragoza. Secciones Civiles y Penales. Profesora de Grado de Derecho de la Universidad San Jorge. Presidenta-Fundadora de la Asociación Centro Inmediación, Solución y Transformación de Conflictos. Miembro de la Sociedad Vasca de Victimología del Instituto de Criminología del País Vasco y Miembro del Observatorio Hispano- Marroquí de Criminología, Seguridad y Derechos Humanos. Voluntaria de la comisión de Análisis Socio Jurídico de Cáritas Aragón. Profesora del Grado de Derecho de la Universidad de San Jorge de Zaragoza. (2018-19; 2019-2020), Profesora Asociada de Derecho Internacional Privado de la Universidad de Zaragoza. Facultad de Derecho de la Universidad de Zaragoza entre 2013 y 2018. Profesora Asociada de Derecho de la Empresa de la Universidad de Zaragoza en la Facultad de Ciencias Sociales y del Trabajo de la Universidad de Zaragoza entre 2006 y 2011. Está en la fase final de su tesis doctoral: “Las Victimas de la Violencia de Género en los supuestos de Sustracción Internacional de Menores. Problemas Procesales, Falta de Armonización de las Legislaciones Nacionales e Internacionales Aplicables”. Directores: Mº José Bernúz Beneítez y Javier López Sánchez. Miembro del Grupo Consolidado de Investigación de Protección de Datos y firma electrónica reconocido por del Gobierno de Aragón y de la Universidad de Zaragoza 2015-2018. LEFIS (Legal Framework For The Information Society). Ha publicado entre otros, “Análisis de la legislación japonesa en materia de violencia de género y su especial aplicación a las víctimas españolas residentes en Japón, en el marco de las relaciones diplomáticas entre España y Japón”, en Derecho y relaciones Internacionales en Japón desde el Tratado de Amista, Comercio y Navegación de 1868 (Coords. C. Tirado y F. Barberán), Prensas de la Universidad de Zaragoza. 153-171.

Aspectos jurídicos en torno a las actividades espaciales: el Derecho del espacio en Japón

Naomi Kurahara CEO de Infostellar participaba en la tercera sesión bajo el título “Impulsando ecosistemas de emprendimiento e innovación” del pasado XXI Foro España Japón celebrado en Castellón (2019) mostrando uno de los nichos empresariales en torno al sector espacial en Japón, ejemplo de liderazgo y emprendimiento en sectores estratégicos de alto valor tecnológico. Tal como explica en su web «We aim to realise a world where space and satellites are used as widely as mobile internet.» Las estaciones de seguimiento de satélites o los lanzamientos de pequeños satélites es sólo un ejemplo. Más allá del sector de telecomunicaciones (superconexión por satélites wifi) y otras muchas funcionalidades satelitales (incluidas las cada vez más relevantes y estratégicas de naturaleza militar -o por mejor decir, autodefensa, al tratarse de Japón) la carrera espacial está ya asociada a otras áreas comerciales, empresariales y experimentales, sin olvidar las lúdicas. Explotación de recursos mineros, construcción, nuevos materiales, experimentos científicos en medicamentos y medicina, energía, vehículos autónomos, robótica e Inteligencia Artificial, medioambiente, además de los vuelos turísticos (SpaceX de Elon Musk habla del primer turista espacial: el multimillonario Yusaku Maezawa) son sólo unos ejemplos. Como otros países industrializados, Japón prioriza la industria aeroespacial. Desde JAXA (Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial) regulada en la Ley 161 de 13.12.2002 puede seguirse KIBO el Módulo de Experimentación Japonés (JEM) de la Estación Espacial Internacional (ISS). Japón cuenta desde 2008 con su Ley Básica del Espacio (-LBE- Ley 43 de 21.5.2008) cuyo principal objetivo es el desarrollo y utilización del espacio exterior (outer space) y fijar los principios básicos de las actividades espaciales, además de clarificar las responsabilidades del Estado en la materia y formular el Plan Espacial Básico. Sin perjuicio de la importancia que se da a promover el uso civil del espacio, se aspira a fortalecer la industria espacial japonesa y potenciar y afianzar su competitividad internacional, sin descuidar el aseguramiento de la seguridad espacial. La Constitución japonesa, y más concretamente su artículo 9 marca y condiciona el uso pacífico del Espacio de conformidad con los tratados internacionales suscritos por Japón. Así lo explica el art. 2 de LBE que indica que el desarrollo y utilización del espacio se hará de conformidad con los acuerdos y tratados internacionales en materia de desarrollo y uso del Espacio, en especial el Tratado sobre los principios que deben regir las actividades de los Estados en la exploración y utilización del espacio ultraterrestre, incluso la Luna y otros cuerpos celestes de 27.1 1967 del que Japón es signatario y de conformidad con “el pacifismo de la Constitución japonesa”.En 2016 se aprobó la Space Activities Act (Ley sobre Lanzamiento y control de Aeronaves espaciales) que fija las condiciones para el lanzamiento y seguimiento de satélites espaciales y aspira a promocionar el sector aeroespacial japonés. En la Visión de la Industria Espacial:2030 [宇宙産業ビジョン2030] Japón sienta las bases programáticas de sus estrategias en el sector espacial para los próximos años. Los objetivos serían identificar y presentar las principales fuentes normativas de la actividad espacial en Japón. La metodología no se circunscribirá a exponer la situación en Japón -de ámbito descriptivo- sino que se hará una comparativa con la situación actual de España, en todo caso identificando las interrogantes y retos jurídicos a los que se enfrenta el sector. Los resultados o aportaciones que se espera obtener serían ofrecer una visión general del derecho espacial en Japón y el lugar que en la “nueva carrera espacial” internacional (EE.UU, China, EU….) hemos de situar a Japón en el futuro próximo.

Legal aspects in relation to space activities: Space Law in Japan

Naomi Kurahara CEO of the satelites Company Infostellar took part recently in the third sesssion named “Boosting ecosystems of entrepreneurship and innovation” within the XXI Spain-Japan Forum hosted in Castellón (2019) showing one of the business niche related to space sector in Japan. It was an example of leadership and entrepreneurship in strategic areas with a high level of technological knowhow. As it is described in Infostellar’s website «We aim to realise a world where space and satellites are used as widely as mobile internet.» Satellites control stations or launching small size satellites to cite one simple example of space activities. Over and above telecommunications (wifi superconnections satellites) and much other satellite functionalities (including those of military nature -or to put it in other words, self-defense capabilities, talking about Japan- space race is already linked to many other commercial, entrepreneurial and experimental areas and sectors, including leisure industries. Exploiting natural resources (mining), new materials, construction, medical scientific research and experiments, drugs, energy, autonomous vehicles, robotics, artificial intelligence, environment, together with space turism (for instance, it seems that the first human turist into space with SpaceX -Elon Musk- would be a Japanese citizen Mr. Yusaku Maezawa) are only some examples. Japan is priorizing its space industry and strategies. JAXA (Japan Agency for Aerospace Exploration) regulated under Law 161 dated 13 December 2002 allows monitoring KIBO, the Experimental module (Japanese Experimental Module -JEM- attached to the International Space Station (ISS). Japan passed its national legislation on Space in 2008. The so called Basic Law of Space (-BSL- Law 43 dated 21 May 2008) included among its objectives the development and use of outer space and to settle basic principles of space activities. It also clarified state responsabilities and formulate the Basic Plan on Space. Without prejudice the importance given to the civil use of space, Japan aims to strengthen the Japanese national space industry and to boost and consolidate its international competitiveness, without neglecting assuring space security. The Japanese Constitution of 1946 (which came into force in 1947), and more precisely, its art. 9, predetermines the pacific use of space, in accordance with international treaties to which Japan is a signatory. In this sense, art. 2 of BSL stablishes that: “Space Development and Use shall be carried out in accordance with treaties and other international agreements with regard to Space Development and Use including the Treaty on Principles Governing the Activities of States in the Exploration and Use of Outer Space, including the Moon and other Celestial Bodies, in accordance with the pacifism of the Constitution of Japan.”Furthermore, in 2016 Japan passed its Space Activities Act which regulates launching and monitoring satellites and aims at fosterJapanese space sector and industry. In the Vision of the Space Industry: 2030 [宇宙産業ビジョン2030] Japan lays the foundations of its strategies within the space sector for the next coming years. Objectives of the presentation are to identify and to present different national laws and regulations on space in Japan, all of them connected to International treaties on Space. Methodology will not only cover presenting national laws and regulations, but also comparing Japanese Space Law with the current situation in Spain and, in any case, identifying challenges and new demands under the legal perspective, that the whole sector will face in the near future. Results or contributions that are expected to be achieved would be to provide a general overview of space Law in Japan and its position within the new international scenariovis á vis the new space race tendency among industrial powers such as USA, China and Europe.

Salvador Rodríguez Artacho (UNED).

Ha compaginado el ejercicio de la abogacía (Cremades & Sánchez-Pintado, Cuatrecasas, Ramón y Cajal) con su carrera docente y académica. Licenciado en Derecho, con especialidad Jurídico-Empresarial por CEU-San Pablo (Universidad Complutense), completó sus estudios de posgrado en la Universidad de Alcalá de Henares (Curso de Especialización en CC.EE.), en la Universidad de Salzburgo (Erasmus), en la Universidad de Regensburg (Alemania) y en las Universidades japonesas de Lenguas Extranjeras deōsaka y de Nanzan (Nagoya) como becario Mombushō del Gobierno japonés, hasta completar su Doctorado en Derecho por la UNED, con premio extraordinario. De 2004-2013 fue profesor de “Política contemporánea: Japón” en la licenciatura/Grado en Estudios de Asia Oriental del Centro de Estudios de Asia Oriental (Universidad Autónoma de Madrid -UAM-), de estudios de Doctorado (Univ de Huelva), Máster (CEU, Fundación Carolina/UNED) y de Derecho Alimentario en Facultad de Derecho UAM. Autor de “La Monarquía Japonesa” (2001) del Centro de Estudios Políticos y Constitucionales y de artículos sobre el sistema imperial, la sucesión al trono, los debates parlamentarios de la Dieta en torno a la figura del Tennō, la reforma de la constitución japonesa, derecho japonés y, más recientemente, sobre la abdicación del Emperador Akihito (Heisei) y ascensión al trono del nuevo Emperador Naruhito, en la era Reiwa. Actualmente es socio del despacho Hernández-Echevarría Abogados y Profesor asociado de Derecho Constitucional en la UNED. Es investigador del Grupo de Investigación Japón de la Universidad de Zaragoza, en cuyos congresos nacionales e internacionales ha presentado ponencias sobre derecho constitucional, monarquía japonesa o, más recientemente, sobre aspectos legales del uso de drones en Japón en el VII Congreso Internacional Grupo Japón (23, 24 y 25 octubre 2019), así como en el Congreso Internacional España-Europa-Japón celebrado en Castellón los días 21 y 22 de noviembre 2019 con la ponencia “Las profesiones jurídicas en Japón y las posibilidades del abogado extranjero en Japón”. También presentó la ponencia “Turismo y derecho: un estudio comparado entre Japón y España” en el III Congreso Internacional y XII Congreso Nacional de la Asociación de Estudios Japoneses en España (AEJE) 4-7 de octubre de 2016 dedicado a “El turismo como vía de conocimiento y desarrollo”. Es miembro del Space Law Committee de la International Bar Association y de Asociación Española de Derecho Aeronáutico y Aeroespacial (AEDAE).

Contribution of Japanese constitutionalism to the concept of human dignity

La Constitución japonesa (1947) en su Capítulo Tercero garantiza un catálogo de “derechos humanos fundamentales” (kihontekijinken) claramente influenciada por el renacimiento iusnaturalista de finales de la II Guerra Mundial y cuya máxima expresión puede encontrarse en la DUDH de 1948. Ya que la constitución permanece inalterada desde su proclamación, el contenido de dicha carta de derechos ha tenido que ser ampliado y actualizado por vía jurisprudencial. Sin embargo, aunque no es infrecuente encontrar menciones a tratados internacionales de derechos humanos en sentencias y resoluciones judiciales, los jueces japoneses en general, y los magistrados la Corte Suprema en particular, son reacios a fundamentar sus fallos en tratados de dicha naturaleza. En mi contribución realizaré un repaso a la jurisprudencia constitucional más representativa en el ámbito de derechos fundamentales analizando la tendencia de los tribunales de Japón a la hora de utilizar (o no) legislación internacional de DH.

Contribución del constitucionalismo japonés al concepto de dignidad humana)

The Japanese Constitution (1947) in its Third Chapter guarantees a catalog of “fundamental human rights” (kihontekijinken) clearly influenced by the jusnaturalist renaissance of the end of World War II and whose maximum expression can be found in the UDHR of 1948. Since the constitution remains unchanged since its proclamation, the content of said bill of rights has had to be expanded and updated through jurisprudence. However, although it is not uncommon to find references to international human rights treaties in judgments and judicial resolutions, Japanese judges in general, and Supreme Court justices in particular, are reluctant to base their decisions on treaties of this nature. In my contribution, I will review the most representative constitutional jurisprudence in the field of fundamental rights, analyzing the tendency of the courts in Japan to use (or not) international DH legislation.

Luis Pedriza Bermejillo (Dokkyo University).

Luis Mª Pedriza es Licenciado en Derecho por la Universidad Pontificia de Comillas en Madrid en el año 2001. Tras terminar sus estudios universitarios obtiene una beca del Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón que disfruta desde 2002 hasta 2008 en la Universidad de Kioto, culminando allí su tesis doctoral sobre la libertad de creencias en la Constitución japonesa, bajo la dirección del Catedrático de Derecho constitucional Makoto Oishi. Su actividad investigadora y docente en la Universidad de Kioto la compagina con la docencia también en Derecho constitucional en la Universidad de Kinki (Osaka) hasta que el año 2014 obtiene su puesto como profesor titular en la Universidad de Osaka. En abril de 2017 se incorpora como profesor titular del departamento de Derecho en la Universidad de Dokkyo (Saitama). Su dominio del idioma japonés le ha permitido publicar numerosos trabajos en ese idioma, sin olvidar su vinculación con varias Universidades españolas, como la Universidad de Navarra, donde ha impartido varios cursos de Derecho japonés, la Universidad Jaime I de Castellón, en la que disfrutó de una estancia de investigación de un año de duración en 2010, o la Universidad de Zaragoza, en la que colabora de manera regular y estrecha con el Grupo de investigación Japón (Gobierno de Aragón), tanto en sus publicaciones (Introducción al Derecho español moderno, en lengua japonesa, de la editorial Saganoshoin, 2010 y en la Introducción al Derecho japonés, Aranzadi Thomson Reuters, 2013) como en los Congresos de este Grupo y en sus proyectos de investigación.

Las flores en la poesía waka. Contrastes con Les fleurs du mal de Charles Baudelaire

El Man’yoshu, la antología de poesías Waka más antigua de Japón, compilada en el siglo VIII contiene más de 4500 poesías. Aproximadamente en 1500 de ellas, o sea una tercera parte del total, aparece el nombre de alguna especie vegetal. Puede decirse que el libro está literalmente plagado de plantas. Estos nombres se encuentran, por supuesto, en poesías sobre las estaciones, pero también en las que tratan temas del amor, de la muerte, de viajes y de celebraciones, entre muchas otras. También es notable su variedad. En el Man’yoshu aparecen unos 160 nombres de vegetales, de los cuales alrededor de 50 corresponden a flores. Seguramente no existe en el mundo otra antología poética que contenga tal cantidad de denominaciones vegetales. En Japón en cada estación florecen muchas plantas distintas. Con este trasfondo los japoneses siempre han disfrutado de las flores, ya sea a través del arreglo floral ikebana o vistiendo kimonos con motivos florales. En Japón existe desde tiempos antiguos un género de waka dedicado al tema de las estaciones. La gente solía reunirse en grupos para disfrutar componiendo, por ejemplo, poesías inspiradas en la primavera, si esa era la estación actual. Era común incluir en las obras el nombre de flores específicas, como, por ejemplo, las del ciruelo o el cerezo. Aparentemente, a partir de esta costumbre los japoneses adquirieron la capacidad de recordar los nombres de muchas plantas y flores. Por añadidura, al hacer un regalo a alguien, se solía entregar también flores y una poesía waka sobre el tipo de flor escogido. Es fácil imaginar que esto haya hecho proliferar las waka con temas florales y la variedad de flores que aparecen en ellas. Charles Baudelaire no fue ajeno a esta moda literaria en el París de 1857, moda introducida en Occidente por influencia del japonismo. Nuestra trabajo demostrará la influencia de los waka en el escritor maldito y poeta decadentista en su obra maestra, Les fleurs du mal, publicada en 1857, que ha marcado las bases de la literatura y la filosofía moderna más actual de nuestro siglo, conectando a Japón con la vanguardia literaria occidental del siglo XXI, a través del decadentismo y del simbolismo francés de Baudelaire que ha marcado e impregnado la literatura japonesa oriental y europea occidental más actual, a través del imaginario de la preservación del planeta mediante la reivindicación de la naturaleza en nuestra historia cotidiana.

The flowers in waka poetry. Contrasts with Les fleurs du mal by Charles Baudelaire

Man’yoshu, the oldest Waka poetry anthology in Japan, compiled in the 8th century contains more than 4500 poems. Approximately 1,500 of them, or one third of the total, appear the name of some plant species. It can be said that the book is literally plagued with plants. These names are, of course, in poems about the seasons, but also in those that deal with themes of love, death, travel and celebrations, among many others. Its variety is also notable. About 160 vegetable names appear in Man’yoshu, of which around 50 correspond to flowers. Surely there is no other poetic anthology in the world that contains such a number of plant names. In Japan in each season many different plants bloom. With this background the Japanese have always enjoyed the flowers, either through the ikebana floral arrangement or wearing kimonos with floral motifs. In Japan there has been a waka genre dedicated to the theme of the seasons since ancient times. People used to gather in groups to enjoy composing, for example, poems inspired by spring, if that was the current season. It was common to include in the works the name of specific flowers, such as those of plum or cherry. Apparently, from this custom the Japanese acquired the ability to remember the names of many plants and flowers. In addition, when giving a gift to someone, they also used to deliver flowers and a waka poetry about the type of flower chosen. It is easy to imagine that this has made waka proliferate with floral themes and the variety of flowers that appear in them. Charles Baudelaire was no stranger to this literary fashion in Paris in 1857, a fashion introduced in the West by the influence of Japanism. Our work will demonstrate the influence of the waka on the cursed writer and decadentist poet in his masterpiece, Les fleurs du mal, published in 1857, which has marked the foundations of the most current modern literature and philosophy of our century, connecting Japan with the western literary avant-garde of the 21st century, through the decadentism and the French symbolism of Baudelaire that has marked and impregnated the most current oriental and western European Japanese literature, through the imaginary of the preservation of the planet through the claim of nature in Our daily history.

Lourdes de los Ángeles Terrón Barbosa (Universidad de Valladolid)

Licenciada en Filologías clásica (griego) y francesa y doctora en Filología francesa por la Universidad de Extremadura y por la Université Catholique de Louvain, Louvain-la-Neuve, Belgique, fue Becaria FPU del MEC (Doctorado en1995). Es Profesora titular del Departamento de Filología Francesa y Alemana de la Universidad de Valladolid donde imparte docencia de grado, máster y doctorado en distintas asignaturas sobre Asia Oriental, Literatura francesa y Análisis intertextual en el Máster de Traducción Profesional e Institucional. Además forma parte del equipo internacional de profesores y expertos del DESE, Doctorado de Literaturas Comparadas “Les Littératures de l’Europe Unie”, de la Universidad de Bolonia, Italia, integrado por 10 Universidades del mundo. Investigadora principal de dos proyectos I+D del Ministerio de Ciencias, Universidades e Investigación relacionados con Estudios de Asia Oriental, (todos ellos llevados a cabo por el Grupo de Investigación La Recepción del Imaginario Japonés en la Literatura Inglesa y Francesa de Viajes. Siglo XIX-XXI. Reconocido por la Universidad de Valladolid): Relaciones sociales e institucionales .La imagen de Japón en la literatura de viajes y la obra de autores conocidos de las literaturas inglesa, francesa e hispánica. Siglo XIX (CSO2009-08530), 2009-2012; e Itinerarios, viajes y contactos Japón-Europa: Reino Unido, Francia y España (FFI-2011-12845-E). Ha participado como investigadora colaboradora en 7 proyectos internacionales de investigación financiados(financiados (Université Catholique de Louvain -Louvain-la-Neuve-; Université Libre de Bruxelles; Le Daily-Bul. Centre de littérature et art mondial d’avant garde-La Louvière, Belgique-; Université Clermont Ferrand, France; Libera Università degli Studi Internazionali di Roma UNINT-Roma, Italia. Ha obtenido diferentes becas para realizar estancias de investigación en Universidades de Europa y Asia- Todas ellas le han permitido desarrollar y profundizar sus investigaciones en Literatura Comparada, Literatura Francesa y Literaturas y Culturas de Asia Oriental, Japón, especialmente en l’Université Catholique de Louvain, en la Ionian U niversity, en Providence University of Taiwan y en Cardiff University. Sus líneas de investigación principales se enmarcan en las áreas de conocimiento de Filología Francesa y Estudios de Asia Oriental. Su línea de investigación personal se centra en el estudio del Imaginario japonés- mitos, símbolos, ritos- y su recepción en la literatura europea occidental, particularmente la literatura francesa. Es autora de numerosas publicaciones dentro de esta temática: libros, artículos, comunicaciones y ponencias en congresos y seminarios nacionales e internacionales de investigación. Entre sus obras, destacan artículos en revistas como Thélème, Francofonía, Études Marines, Anales de Filología Francesa, o Cuadernos de Filología Francesa, o capítulos de libros en Peter Lang, Tecnos o L´Harmattan. Igualmente señalamos su labor como coordinadora de una obra de más de mil páginas en Peter Lang, así como la publicación de 3 monografías, entre ellas una muy reciente (2018) en la misma editorial. Ha participado en la organización, dirección y codirección de diversos congresos y actividades de I+D+I relacionados con Asia Oriental y participa en comités científicos y editoriales de diversas revistas internacionales del ámbito de conocimiento de los estudios sobre Asia Oriental y de la filología francesa. Dirige en estas líneas, diferentes tesis doctorales con financiación pública; tanto nacionales como internacionales (Université Blaise Pascal y Universitá degli Studi di Bologna). Ha sido Vicedecana de Relaciones Internacionales de la Facultad de Traducción e Interpretación en tres ocasiones a lo largo de 12 años de gestión. Actualmente coordina más de 35 acuerdos bilaterales e internacionales con diferentes universidades del mundo. Es Coordinadora del Centro de Estudios de Asia en el Campus Universitario de la Universidad de Valladolid en Soria desde el año 2006.

El doble lenguaje político del suicidio en la literatura de Mishima: Ai no shokei y Yūkoku.

Mishima Yukio (1925-1970) ha sido el primer escritor japonés que origino un verdadero fenómeno literario de masas en países occidentales, entre ellos España. Bien conocido por su sangriento seppuku, el tema de la muerte y, sobre todo, el suicidio, ha sido recurrente a lo largo de su producción literaria y ha sido posiblemente lo que mayor interés ha suscitado en ulteriores investigaciones. En esta presentación también nos centraremos en el tema de la representación del suicidio y su significado a través de dos obras de sus últimos anos, a saber, Ai no shokei, publicada en 1960 en la revista de temática homosexual Adonis y atribuida a Mishima de forma póstuma; y Yūkoku, publicada en 1961 y que cuenta con adaptación cinematográfica del año 1966. Teniendo como punto de partida las teorías biopolíticas de Michel Foucault y Giorgio Agamben, así como el concepto de weaponization of life de Banu Bargu, analizaremos la doble perspectiva de la muerte que se presenta en ambas novelas con el fin de dilucidar la relación que existe en el pensamiento de Mishima entre la esfera de lo político-público y lo político-privado. El motivo de escoger ambas novelas como objeto de análisis es evidente: el tema que presentan es básicamente el mismo, el suicidio ritual de una parejade enamorados ante el descontento producido por la situación socio-política del momento. Sin embargo, los personajes que en las novelas intervienen son radicalmente diferentes y es a través de un análisis de los mismos que se puede acceder a una lectura más profunda del tema objeto de análisis de esta presentación.

The double political language of suicide in Mishima’s literature: Ai no shokei and Yūkoku.

Mishima Yukio (1925-1970) was the first Japanese writer to originate a true mass literary phenomenon in western countries, including Spain. Well known for his bloody seppuku, the subject of death and, above all, suicide, has been a recurring theme throughout his literary production and has arguably garnered the most interest in further research. In this presentation we will also focus on the subject of the representation of suicide and its meaning through two works from his last years, namely Ai no shokei, published in 1960 in the homosexual-themed magazine Adonis and attributed to Mishima posthumous and Yūkoku, published in 1961 and which has a film adaptation from 1966. Taking as a starting point the biopolitical theories of Michel Foucault and Giorgio Agamben, as well as Banu Bargu’s concept of weaponization of life, we will analyze the double perspective of death that is presented in both novels in order to elucidate the relationship that exists in Mishima’s thought between the sphere of the political-public and the political-private. The reason for choosing both novels as the object of analysis is obvious: the theme they present is basically the same, the ritual suicide of a loving couple in the face of the discontent caused by the socio-political situation of the moment. However, the characters that are involved in the novels are radically different and it is through an analysis of them that a deeper reading of the subject matter of this presentation can be accessed.

María Ferreiro (Universidad de Granada) y Dámaso Ferreiro (Universidad de Hiroshima)

María Ferreiro es Máster en Filosofía Contemporánea por la Universidad de Granada, beca de colaboración en el departamento de Filosofía de la Universidad de Granada y beca de Iniciación para la Investigación (2019-2020). En la actualidad trabaja en el ámbito de la Estética, en la relación entre discurso íntimo y significación política de la muerte.
Dámaso Ferreiro es Profesor Asistente en la Universidad de Hiroshima. Doctorado por la misma Universidad en literatura moderna japonesa, trabaja principalmente con Akutagawa Ryūnosuke y Mishima Yukio. En la actualidad imparte clases de japonés, cultura japonesa y literatura japonesa en la misma universidad.

Viajes singulares y circulares: travesía y compañía en la literatura de Mitsuse Ryū y Liu Cixin

Los trabajos de Mitsuse Ryū (1928-1999) y de Liu Cixin (1963) comparten una visión en sus narrativas que comprende magnitudes espaciales que se miden en unidades astronómicas y magnitudes temporales que abarcan siglos, cuando no toda la evolución de la humanidad, desde sus orígenes hasta futuros potenciales. Exploran con maestría tanto la psicología de personajes individuales como la historia de sociedades humanas y alienígenas. Mitsuse compartía varías inquietudes con su coetáneo Arthur C. Clarke (1917-2008), como la aproximación religiosa al noúmeno o la indagación de propuestas filosóficas enraizadas en el budismo. Liu Cixin escenifica, a través de la hibernación, el tedio del samsara y el horror potencial de un shinjū (心中) que efectivamente diera paso a un reencuentro con el/la amado/-a en una vida posterior. Con una propuesta metodológica que adapta los trabajos de Bruno Latour sobre teoría del actor-red, y de Tim Ingold sobre las líneas (sic), esta comunicación analiza la noción de movimiento en los trabajos de Mitsuse y Liu a partir de cuatro ejes de desplazamiento: distancias físicas y temporales, recorridos afectivos e ideológicos. ¿Qué rol asignan a ciudadanos de Asia Oriental en sus proyecciones de futuros y del destino de la humanidad? Sus respuestas difieren de las de otros géneros de la ciencia ficción, tales como la fijación cyberpunk en la atomización social y la mercantilización de todas las esferas de la experiencia humana. Al contrario, Mitsuse y Liu destacan el componente compartido e intersubjetivo que define a dicha experiencia humana. Ponen en primer plano la paradoja de la soledad del ser humano como un proceso incompletable y constante de «humanificar» (humanify, Ingold) a, literalmente, propios y extraños, desde el alumbramiento hasta la muerte.

In the end, we travel alone?: journey and solitude in the literature by Mitsuse Ryū and Liu Cixin.

The works of Mitsuse Ryū (1928-1999) and Liu Cixin (1963) share a vision for their narratives that measures distances in AUs and spans for centuries or even the whole breadth of human evolution, from its origins to potential futures. They are as adept in the psychological exploration of individual characters as they are in chronicling the history of human and alien societies. Mitsuse shared many concerns with his contemporary Arthur C. Clarke (1917-2008), including an interest in religious approaches to the noumenon and, more specifically, into Buddhist philosophical proposals. Liu Cixin uses hibernation as a literary device to stage the tedium of samsara and the potential horror of committing shinjū (心中) and then meeting a beloved in another life. Drawing from the works by Bruno Latour on actor-network-theory and Tim Ingold on lines, this paper analyzes the concept of movement in the works of Mitsuse and Liu from a four-pronged axis: physical and temporal distances, and affective and ideological changes. What role do they assign to East Asian citizens and their countries in the building of the futures depicted and the evolution of humanity? Their answer moves away from other sci-fi genres, such as the fixation in cyberpunk with ubiquitous commodification and social atomization. Instead, they strive to highlight the shared and intersubjective experience of being human. They foreground the paradox of the fundamental solitude of the human being as an unfinished process of constant ‘humanifying’ (Ingold) of themselves and others, from their birth to their death.

Artur Lozano Méndez (Universitat Autònoma de Barcelona).

Profesor lector del Grado de Estudios de Asia Oriental de la Universitat Autònoma de Barcelona. Licenciado en Traducción e Interpretación, así como en Estudios de Asia Oriental, y es doctor en Traducción y Estudios Interculturales con especialización de investigación sobre Asia Oriental contemporánea. Su docencia comprende: política de Japón, pensamiento japonés, estudios culturales y cultura popular nipona. Miembro del grupo de investigación InterAsia, ha realizado estancias de investigación en Japón (Universidad de Estudios Extranjeros de Kobe) y Reino Unido (Universidad de Manchester), y ha participado en diversas conferencias internacionales. Entre sus publicaciones, destaca el capítulo «Techno-Orientalism in East-Asian Contexts: Reiteration, Diversification, Adaptation» en Telmissany, M.; Tara Schwartz, S. (eds.): Counterpoints: Edward Said’s Legacy, Cambridge Scholars Publishing, 2010; el artículo «Mamoru Oshii’s Exploration of the Potentialities of Consciousness in a Globalised Capitalist Network», ejcjs – Electronic Journal of Contemporary Japanese Studies, 15 (3), 2015; la edición de El Japón Contemporáneo. Una aproximación desde los Estudios Culturales, Edicions Bellaterra, 2016; la coedición de Persistently Postwar. Media and the Politics of Memory in Japan, Berghahn Books, 2019, así como el capítulo «Depicting the Persistence of Being Postwar: Eden of the East» en el mismo volumen.

Hidehito Higashitani: presentador de la cultura española en la televisión japonesa

Esta comunicación tiene como principal objetivo destacar la singular aportación del profesor Hidehito Higashitani, en su faceta de presentador de televisión de programas de lengua y cultura española en la cadena pública NHK. Desde finales de los años setenta, estos programas fueron casi la única fuente de información audiovisual que hubo en Japón sobre España. Los programas de Hidehito Higashitani no fueron solo ejercicios para enseñar la lengua española, sino que también incorporaban secciones dedicadas a presentar a los japoneses cómo era España en una época de transición política, social y cultural. De este modo, entre sus trabajos hay piezas tan destacadas como una entrevista a Felipe González en el viaje oficial a Japón, en la primera visita de un presidente de gobierno español a Japón de toda la historia. Más interesantes todavía resultan sus reportajes sobre la España popular, la vida del campo, los últimos pastores, etc., temas en los que Hidehito Higashitani presenta una mirada desde la perspectiva antropológica japonesa, muy centrada en el valor de la artesanía y los viejos oficios, con comentarios muy alejados de los tópicos turísticos que predominaban en la época en las emisiones televisivas del resto del mundo. Hidehito Higsahitani, fue catedrático del departamento de español de la Universidad de Estudios Extranjeros de la Ciudad de Kobe, y rector de la misma durante. Además, es uno de los primeros doctores en Literatura española formado en España, y su labor como traductor durante su prestigiosa carrera incluye valiosos estudios sobre el teatro español del siglo XVIII y la narrativa hispánica, así como excelentes traducciones de textos tan complejos como El Criticón de Baltasar Gracián. También ha publicado en España y en español artículos de crítica literaria, opinión y tratados y estudios cobre la cultura japonesa, entre los que destaca el Fushikaden sobre teatro noh. Esta brillante trayectoria académica es conocida entre los especialistas españoles. Sin embargo, apenas se conoce en nuestro país su aportación en el campo de televisión, un medio de comunicación fundamental para comprender la imagen de España de Japón, siendo esta actividad justamente la que más popularidad e impacto le dio en la sociedad japonesa.

Hidehito Higashitani: an Introducer of Spanish Culture in Japanese Audiovisual Media

The main goal of this presentation is to show the activity of Japanese professor Hidehito Higashitani as a communicator and propagator of Spanish language and culture in the TV Japanese channels of the NHK. Since the end of the 70 and until the appearance of the Internet, these programs were almost the only source of audiovisual information in Japan about Spain. Higashitani’s programs were not only centered on language contents, but also dealt with presentations on contemporary political, cultural and social life. Amongst his works, we can find interviews to Felipe González in his official trip to Japan, the first one of a Spanish President in history. But his works also include documentaries on the rural life of Spain, popular handicraft, etc. Higashitani projected on these topics an antropological point of view very dear to Japanese culture, and far away from the tourism oriented approaches that audiovisual media practiced in the rest of the world. Hidehito Higashitani was a professor in the Spanish Department of the Kobe City University of Foreign Studies (Kobe Gaikokugo Daigaku), as well as President of this institution. He was one of the first Ph.D. on Spanish literature holders –having gotten his title in Spain—, and his prestigious career achievements include studies on XVIIIth century Spanish theater and Spanish narrative, as well as outstanding translations of complex texts as El Criticón of Baltasar Gracián. He has also published in Spain, and in Spanish, literary criticism, opinion articles, studies on Japanese culture and society, and works on Noh theater and Zeami. This last brilliant aspect of his academic career is well known by Spanish researchers. However, his work in the TV field is much lesser known between them, being a crucial resource to understand Spain’s country image in Japan, and the reason of Higashitani’s popularity in Japanese society.

José Pazó Espinosa (Universidad Autónoma de Madrid) y V. David Almazán Tomás (Universidad de Zaragoza).

José Pazó Espinosa es doctor en Filosofía y Letras. Es profesor del departamento de Filología Española de la Universidad Autonoma de Madrid, y Delegado del Rector para la Internacionalización. Ha sido profesor en la Ohio StateUniversity, Illinois WesleyanUniversity, la Université de Montréal, la New York University, y enseñó durante cinco años en la Universidad de Estudios Extranjeros de Kobe (Japón). Sus áreas de investigación se desarrollan en los estudios orientales, la lingüística y la traducción. Entre sus trabajos se encuentran traducciones de narrativa japonesa (Botchan, entre otros), y trabajos sobre Japón (Bushido. El alma de Japón o Cosas de Japón).
David Almazán Tomás es doctor en Historia del Arte y antropólogo. Trabaja como profesor de Arte de Asia Oriental en los estudios de Historia del Arte del grado y máster de la Universidad de Zaragoza, institución en la que también es profesor del Máster propio de en Estudios Japoneses. En esta universidad es investigador del Instituto Universitario de Investigación en Patrimonio y Humanidades (IPH). Es académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Investiga sobre las relaciones culturales hispano-japonesas y sobre el arte japonés. En Sans Soleil ha publicado Tsukioka Yoshitoshi: Cien Aspectos de la luna (2015, reeditado en 2919), Katsushika Hokusai: Cien vistas del monte Fuji (2016), Katsushika Hokusai: Manual de dibujo abreviado (2017) y la primera edición en español de La estampa japonesa de Frank Lloyd Wright (2018).

Federico Lanzaco Salafranca (Barcelona, 1929), y sus contribuciones al conocimiento de Japón en España

Federico Lanzaco Salafranca (Barcelona, 1929) pertenece a esa generación de jesuitas españoles que marcharon a Japón a finales de la década de los 50 del siglo XX y que, tras largos años de estudio en el archipiélago nipón, regresaron a su país de origen, iluminando con sus libros y enseñanzas el conocimiento de Japón en España. Tras su ingreso en la Compañía de Jesús, Federico Lanzaco fue a Japón en el año 1956. Realizó una estancia en Estados Unidos (1959-1963) y regresó a las islas donde, hasta el año 1969, estuvo dedicado al estudio de su cultura, lengua y escritura, a sus tareas docentes y a sus labores pastorales. Profesor Mercantil por la Escuela de Comercio de Barcelona, Licenciado en Filosofía por la Universidad de Comillas, Licenciado en Teología por la Universidad Loyola (Chicago) y Máster en Lingüística por la Universidad de Michigan (Ann Arbor), amplió sus estudios en diferentes Departamentos de Lingüística de Lengua japonesa o de Culturas Orientales en las Universidades de Columbia (Nueva York), de Georgetown (Washington D.C.), del Foreign Service Institute of State Department (Washington D.C.), y de Indiana (Bloomington). En 1969, una serie de circunstancias le llevaron a emprender un nuevo rumbo en su vida y, tras regresar a España, comenzó a trabajar con la empresa hispano-japonesa ACERINOX S.A., donde fue adjunto al Director General. Esta responsabilidad, sin embargo, no le apartó del mundo de la enseñanza y del estudio. Su extraordinario afecto por el País del Sol Naciente, su amplia formación humanística y sus extensos conocimientos sobre el archipiélago, le llevaron a dar a conocer los valores y los logros de la cultura japonesa por toda la geografía española. Desde su llegada a nuestro país, participó en diversos congresos e impartió diversos cursos y conferencias. Pero además, se dedicó a la redacción de numerosos estudios, libros y artículos, que actualmente son auténticas joyas bibliográficas en panorama de los estudios sobre pensamiento, religión, estética y lengua de Japón en España. Autor de reconocido prestigio, siempre ha destacado por su capacidad de generar y transmitir ideas, hipótesis, visiones singulares y reflexiones, sólidamente fundamentadas y argumentadas en fuentes originales, así como por su sistemática y su claridad expositiva. Excelente comunicador, brilla por su naturalidad, por la fuerza arrebatadora de su discurso ya que siempre habla desde la vivencia y el corazón y por ello logra tocar singularmente el alma de los que le leen o escuchan, contagiándoles su entusiasmo y su amor por la cultura nipona. El objetivo de esta comunicación, esbozar la trayectoria de este gran erudito y analizar sus contribuciones al conocimiento de Japón en nuestro país, basándonos en la lectura de sus libros y sus manuscritos inéditos, en las diversas entrevistas personales realizadas a este pionero de la japonología en nuestro país, y sobre todo en los documentos de su archivo personal que generosamente legó a la Universidad de Zaragoza. Todo ello con el fin de reivindicar el gran valor de esta figura, fundamental en el contexto de estudios de Japón en España en época contemporánea.

Federico Lanzaco Salafranca (Barcelona, 1929), and his contributions to the knowledge of Japan in Spain

Federico Lanzaco Salafranca (Barcelona, 1929) belongs to that generation of Spanish Jesuits who marched to Japan in the late 50s of the twentieth century and who, after long years of study in the Japanese archipelago, returned to their country of origin, illuminating with his books and teachings the knowledge of Japan in Spain. After joining the Society of Jesus, Federico Lanzaco went to Japan in 1956. He made a stay in the United States (1959-1963) and returned to the islands where, until 1969, he was dedicated to the study of his culture, language and writing, to their teaching tasks and their pastoral work. Commercial Professor from the Barcelona School of Commerce, Bachelor of Philosophy from the University of Comillas, Bachelor of Theology from Loyola University (Chicago) and Master in Linguistics from the University of Michigan (Ann Arbor), he expanded his studies in different Departments of Linguistics, Japanese Language or Oriental Cultures at the Universities of Columbia (New York), Georgetown (Washington DC), the Foreign Service Institute of State Department (Washington DC), and Indiana (Bloomington). In 1969, a series of circumstances led him to embark on a new direction in his life and, after returning to Spain, he began working with the Spanish-Japanese company ACERINOX S.A., where he was attached to the Director General. This responsibility, however, did not separate him from the world of teaching and study. His extraordinary affection for the Land of the Rising Sun, his extensive humanistic training and his extensive knowledge of the archipelago, led him to publicize the values and achievements of Japanese culture throughout the Spanish geography. Since his arrival in our country, he participated in various congresses and taught various courses and conferences. But in addition, he devoted himself to the writing of numerous studies, books and articles, which are currently authentic bibliographic jewels in panorama of the studies on thought, religion, aesthetics and language of Japan in Spain. Author of recognized prestige, he has always stood out for his ability to generate and transmit ideas, hypotheses, singular visions and reflections, solidly grounded and argued in original sources, as well as for his systematic and expository clarity. Excellent communicator, he shines for its naturalness, for the force of his speech; he always speaks from the experience and the heart and, for that reason, he manages to touch singularly the soul of those who read or listen to it, infecting them with its enthusiasm and its love for the culture Japan. The aim of this Communication, to outline the trajectory of this great scholar and to analyze his contributions to the knowledge of Japan in our country, based on the reading of his books and his unpublished manuscripts, in the diverse personal interviews made to this pioneer of Japanology in our country, and especially in the documents of your personal file that he, generously, bequeathed to the University of Zaragoza. All this in order to claim the great value of this figure, fundamental in the context of studies of Japan in Spain in contemporary times.

Elena Barlés Báguena (Universidad de Zaragoza)

Licenciada y doctora en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza (Premios Extraordinarios de Licenciatura -1985- y de Doctorado -1993-). Fue Becaria FPU y desde 1996 es Profesora Titular del Departamento de Historia del Arte de dicha Universidad. Investigadora principal de cinco proyectos I+D, todos ellos llevados a cabo por el grupo de investigación Japón y España: relaciones a través del Arte http://jye.unizar.es/ (Inventario y catalogación de Arte japonés en museos e instituciones públicos y museos privados en España -HUM2005-05188/ARTE-. Catalogación y estudio de las colecciones de Arte japonés tradicional y contemporáneo en España. museos públicos y privados -HUM2008-05784-, Coleccionismo y coleccionistas de Arte japonés en España -HAR2011-26140-, Protagonistas de la presencia e impacto del Arte japonés en España -HAR2014-55851-P-, y Arte y cultura de Japón en España: difusión e influencia -PGC2018-097694-B-I00). Su actual línea de investigación se centra en el estudio de las fuentes, historiografía, presencia, coleccionismo e influencia del arte japonés en España. Es autora de numerosas publicaciones dentro de esta temática: libros, artículos, comunicaciones y ponencias en congresos nacionales e internacionales. Ha dirigido y dirige en estas líneas, diferentes tesis doctorales con financiación pública. Fue invitada en 2003, por la Japan Foundation a realizar una estancia en Japón (Short-Term Visitor´s Program). En 2005, obtuvo la Beca de Century Cultural Foundation (Financial Assistance for the Study of Japanese Art) que le permitió desarrollar su investigación en Japón y Londres. En el año 2008 tuvo una estancia en Kyoto, invitada por la Universidad de Estudios Extranjeros de dicha ciudad y en 2009 en Norwich (Inglaterra), invitada por el Sainsbury Institute for the Study of Japanese Arts and Culture. En el 2010, recibió una ayuda de la Japan Foundation para hacer una estancia de investigación en Japón, junto con su grupo de investigación. Ha comisariado, junto con el Dr. Almazán, varias exposiciones: Estampas japonesas (2007), Cerezos, lirios, crisantemos y pinos: la belleza de las estaciones en el arte japonés (2008), La fascinación por el arte del País del Sol Naciente. El encuentro entre Japón y Occidente en la era Meiji (1868-1912) (2013), Noh-Kabuki. Escenas japonesas (2014), Hiroshige y su época (2015), La elegancia de la tradición. El legado del ceramista japonés Tanzan Kotoge (2018) y Ex Oriente. Los libros occidentales que iluminaron el conocimiento sobre Asia Oriental en la Edad Moderna (2018). Ha pronunciado diferentes conferencias en universidades españolas, inglesas y japonesas; impulsado y dirigido numerosos seminarios o jornadas de carácter científico y divulgativo como la Semana cultural japonesa de la Universidad de Zaragoza –18 ediciones- dedicadas al estudio del arte y la cultura de Japón. Es Académica correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla, y de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis en Zaragoza. Ha recibido el Premio Conde Aranda de investigación del Ayuntamiento de Zaragoza (2002) y el Premio del Ministerio de Asuntos Exteriores del Gobierno Japonés (2007) y, en 2015, le fue concedida la Condecoración de la Orden el Sol Naciente (Rayos dorados con cinta colgante) otorgada por Su Majestad del Emperador de Japón, por su labor en el estudio, la investigación y la difusión del arte y la cultura de Japón en España.

Los desafíos de una disciplina universal: La escritura de la Historia del Arte Japonés a varias manos (1964-2020)

Los años de la posguerra en Japón han sido testigos del crecimiento imparable de la disciplina científica de la Historia del Arte. Épocas que anteriormente no habían sido adecuadamente investigadas, como las artes prehistóricas, gracias a los avances científicos que facilitaron el estudio de los yacimientos arqueológicos, así como las nuevas condiciones políticas, lograron desarrollarse de un modo prodigioso y aportaron hallazgos espectaculares al canon artístico japonés. También la investigación, documentación, rastreo y localización de muchas obras consideradas perdidas durante los avatares tanto de desastres naturales como humanos, facilitó la incorporación al conocimiento colectivo de obras que habían permanecido al margen de los estudios histórico-artísticos. Sin embargo, no todo se limitaba al aspecto material del canon sino también al metodológico. Al modo de entender, racionalizar y transmitir las corrientes subyacentes de las manifestaciones artísticas japonesas aisladas de los fuertes componentes nacionales e identitarios que dominaron la disciplina durante su nacimiento e implantación en la sociedad japonesa desde los períodos Meiji a Shōwa temprano. Figuras como las de Chino Kaori (1952-2001), Tsuji Nobuo (n. 1932), Okudaira Shunroku (n.1953) Takagishi Akira (n.1971) o Yamashita Yūji (n.1958) han propuesto modos de entender las producciones artísticas japonesas dentro de los marcos habituales de referencia pero permitiendo espacio a interpretaciones transversales e interdisciplinares que han aportado un plano de interpretación mucho más complejo y rico de contemplado con anterioridad a sus propuestas. Asimismo, el grado de internacionalización de esta especialidad ha experimentado un auge que ha permitido un diálogo muy fructífero entre expertos y ayudado a moldear en ambos casos el modo de entender el arte japonés. Objetivos: Mostrar los momentos de desarrollo más destacados de la disciplina en los últimos sesenta años y comprobar si ha existido un diálogo internacional entre expertos que haya ayudado a cambiar ciertos estereotipos sobre la misma, tanto fuera como dentro de Japón. Metodología: Analizando los estudios de los diferentes autores destacados se pretende establecer un recorrido sobre los avances de la Historia del Arte Japonés en clave local e internacional. Resultados o aportaciones: Se espera poder elaborar un relato de la reciente escritura de la Historia del Arte Japonés que nos ayude a entender los momentos más relevantes en su producción, así como en los marcos de producción intelectual que la rodean.

The Challenges of a universal discipline: The Writing of Japanese Art History by several hands (1964-2020)

Second World War postwar years have witnessed an unstoppable growth of the scientific discipline of Japanese Art History. Periods that before where not adequately researched, such as the prehistorical ones, thanks to the scientific advances which facilitated the study of archeological sites as well as the new political environment, were able to develop in an unprecedented manner and contributed spectacular findings to the Japanese Art canon. Additional research, documentation, tracking and location of many art works considered to be lost during the avatars of both natural and human disasters, facilitated the entrance to the collective knowledge of artworks that had previously been outside the realm of historical-artistic studies. However, not everything was limited to the material aspect of the Japanese Art canon but we need to pay attention to the methodological aspect of the discipline. There is a new way of understanding, rationalize and transmit the underlaying currents of the Japanese artistic manifestations isolated from the strong nationalistic and identitarian elements that dominated the discipline from the Meiji to the early Shōwa periods. Figures such as Chino Kaori (1952-2001), Tsuji Nobuo (b. 1932), Okudaira Shunroku (b.1953) Takagishi Akira (b.1971) o Yamashita Yūji (b.1958) have put forward new ways of understanding the japanese artistic productions within the traditional frames of reference but allowing space to transversal and interdisciplinary interpretations which have added an interpretation plane much more complex and richer than before. Likewise, the degree of internationalization of this discipline has experimented a growth that has favored a productive dialogue among experts and helped to shape in both ends the way we understand currently Japanese Art. Objectives: To show the highlights in the development of the discipline of Japanese Art History in the last sixty years and check if there has been an international dialogue among experts which could have helped to change certain stereotypes on the nature of it, within and outside Japan. Methodology: A path with the recent advances of the Japanese Art History writing in a national and international level will be attempted by analyzing the studies written by several of the most authorized experts in the field. Results or contributions: It is expected to draft a narrative with the recent writing of Japanese Art History which might help us to understand the most relevant moments in its production, as well as the intellectual production frames around it.

Daniel Sastre de la Vega (Universidad Autónoma de Madrid – Instituto Universitario Centro de Estudios de Asia Oriental)

Es doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid (2017) y Máster en Arte Japonés por la Universidad de Sofia en Tokio (2008). Ha sido comisario de la exposición de grabado japonés Kunisada y la Escuela Utagawa. Fantasía en escena (2014, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid/Monasterio de Las Claras de Murcia) y de la exposición Yōkai. Iconografía de lo Fantástico. El “Desfile Nocturno de los Cien Demonios” como Génesis de la Iconografía Sobrenatural en Japón (2018, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando). En 2019 publicó la monografía titulada Arte y Nación. El Discurso de la Historia del Arte en el Japón Meiji en Edicions Bellaterra. En la actualidad es profesor ayudante doctor de Historia del Arte Japonés en el Grado de Estudios de Asia y África, y el Máster Universitario en Estudios de Asia Oriental de la Universidad Autónoma de Madrid. Ha realizado estancias de investigación en la School of Oriental and African Studies de Londres, la Universidad de Tokio, la Universidad de Sophia (Tokio) y en la Universidad de Ritsumeikan (Kioto). Sus líneas de investigación se centran en los círculos pictóricos de la ciudad de Kioto durante la primera mitad del siglo XX, así como en la escritura de la Historia del Arte japonés durante la época moderna japonesa.

El taller de la familia Chin, punto de encuentro entre Corea y Japón

La cerámica japonesa de Satsuma (satsuma-yaki) es una de las realizaciones artísticas niponas más reconocidas en Occidente. Su producción comenzó en la actual prefectura de Kagoshima en la isla de Kyūshū a principios de la era Keichō (1596-1615) por iniciativa del daimyō Shimazu Yoshihiro (1535-1619), señor de la provincia de Satsuma. A su vuelta a Japón, Yoshihiro, al igual que otros señores que habían participado en las desastrosas campañas en la península coreana de finales del siglo XVI, llevó consigo a prisioneros coreanos, expertos en la producción de cerámica, a los que asentó en su territorio. Los coreanos pronto comenzaron a investigar y experimentar con los recursos locales, dando inicio a una floreciente e interesante producción de piezas conocidas como cerámica de Satsuma, que se ha mantenido hasta la actualidad. Uno de esos prisioneros coreanos era Chin Tokichi, ceramista iniciador de una saga cuyos maestros serían conocidos con el nombre de Chin Jukan, que se mantuvo desde el periodo Edo (1615-1868), hasta el momento presente. La trayectoria del catorceavo maestro Chin Jukan, que tomó las riendas del taller en 1964, se superpone con el periodo que se ha denominado el milagro económico japonés, momento en que el archipiélago nipón supo mostrar al mundo unas elevadas cotas de desarrollo y progreso económico. El maestro ceramista desempeñó un papel destacado en el panorama internacional, ayudando en las relaciones siempre complicadas que Japón ha mantenido con sus vecinos de la península coreana, siendo el primer japonés que fue reconocido como cónsul honorario de Corea del Sur por el emperador Akihito en el año 1989. Simultáneamente sus logros también reconocidos en la tierra de sus ancestros, el presidente de la República de Corea, Kim Dae Jung le concedió la Corona de Plata de la Orden de la Cultura por sus contribuciones al panorama artístico en 1998. En el momento presente el taller de la familia Chin se encuentra dirigido por el decimo quinto maestro Jukan, que cuenta con una amplia formación y experiencia, cuyos logros y producción artística también ha sido reconocido por las autoridades imperiales niponas, siendo el taller visitado por diferentes miembros de la familia imperial, así como por el presidente surcoreano Noh Moo Hyun y la primera dama en el año 2004. Mediante la consulta de bibliografía contrastada, estudio de fuentes históricas y noticias recogidas en la prensa del momento, entrevistas, análisis y comentario de piezas de cerámica de diferentes maestros de la familia Chin, proponemos un recorrido por la interesante producción de esta saga de ceramistas de origen coreano en relación al momento histórico en que las diferentes obras de cerámica Satsuma fueron producidas, prestando especial atención a la relevancia que los dos últimos maestros han tenido en el panorama nipón durante el último tercio del siglo XX hasta el momento presente, atendiendo especialmente al contexto internacional, en el que la producción de su taller ubicado en la prefectura de Kagoshima ha servido de nexo de unión y punto de encuentro en las complicadas relaciones que el archipiélago mantiene con su vecino surcoreano.

The Chin family, encounter between Korea and Japan

Satsuma pottery (satsuma-yaki) is a type of Japanese pottery originally from Satsuma Province, southern Kyūshū, made around 1600 at the behest of daimyō Shimazu Yoshihiro (1535-1619), lord of Satsuma province. Korean potters were forcefully brought to Japan to kick-start Satsuma´s non-existent ceramic industry. The Koreans soon began to investigate with local clays, beginning a flourishing production of ceramics known as Satsuma pottery, which has remained right up to the present. One of those Korean prisoners was Chin Tokichi, a korean potter he first member of the Chin dynasty, which remained from the Edo period (1616-1868), until today. The 14th master Chin Jukan, who directed the kiln in 1964, overlaps with the period known as the Japanese economic miracle, Japan’s record period of economic growth between the post-World War II. The master potter played a leading role in the international scene, helping the deteriorated relations between Japan and Korea, and being the first Japanese that were recognized as honorary consul of South Korea by Emperor Akihito in 1989. At the same time his works has been rewarded in the land of their ancestors, the President of the Republic of Korea, Kim Dae Jung awarded him the Silver Crown of the Order of Culture for his contributions to the ceramic art in 1998. At the present the workshop of the Chin family is led by the 15th master, Jukan, who graduated from Waseda University, Italian national school of Art, and studied at Kim-Il man ceramic factory in South Korea. Jukan works has been awarded by the Japanese imperial authorities, and his kiln were visited by members of the imperial family as well as by South Korean president Noh Moo Hyun and the first lady in 2004.Through the study of specific bibliography, historical sources and historical newspapers, interviews, analysis and study of different works of the Chin family, we propose a study of this saga of japanese potters in historical context, paying special attention to the last two masters of the Chin family in the Japanese context during the last third of the 20th century to present, and special attention to international relations between Japan and South Korea.

David Lacasta Sevillano (Universidad de Zaragoza)

Diplomado en Turismo, Escuela Universitaria de Turismo de Zaragoza, adscrita a la Universidad de Zaragoza (septiembre de 2004 a junio de 2007). Licenciado en Historia del Arte, Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Zaragoza (septiembre de 2008 a junio de 2013). Máster Universitario en Estudios Avanzados en Historia del Arte, Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Zaragoza, (septiembre de 2013 a diciembre de 2014), realización del Trabajo de Fin de Máster titulado La Colección de Cerámica Satsuma del Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla. Fue defendido ante Tribunal el 16 de diciembre de 2014 obteniendo la calificación 10 y MH. Diploma de Estudios Japoneses, Historia, Sociedad y Cultura, realización del Trabajo de fin de Diploma de especialización, titulado “La colección de cerámica Satsuma del Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid (Satsuma ware at the National Museum of Decorative Arts of Madrid),” con calificación de 9.7 Programa de Doctorado en Historia del Arte, Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Zaragoza, (iniciado en febrero de 2015). Título de la tesis doctoral: Presencia de las cerámicas japonesas Satsuma y Kutani en España durante los periodos Meiji (1868-1912) y Taishō (1912-1926). Becario de investigación FPI gracias a una beca de investigación concedida por el Ministerio de Economía y Competitividad del proyecto HAR2014-55851-P: Protagonistas de la presencia e impacto del arte japonés en España, investigador Principal Elena Barlés Báguena, (iniciado en enero de 2016), y miembro efectivo del Grupo Japón (DGA-Universidad de Zaragoza), investigador Principal Carmen Tirado Robles. Ha realizado estancias de investigación en diferentes centros nacionales, como el Departamento de Historia del Arte III de la Universidad Complutense de Madrid, bajo la supervisión de la Dra. Pilar Cabañas Moreno (2017); e internacionales, en la School of Oriental and African Studies (SOAS) de la Universidad de Londres, bajo la supervisión del Dr. Timon Screech (2018 y 2019).

Impacto de Uemura Shōen en el arte femenino actual. El caso de Matsūra Shiori

En esta comunicación pretendo incidir en la influencia que ha ejercido Japón en el desarrollo artístico universal. En concreto, trabajaré con la figura de la famosa pintora de nihonga Uemura Shōen (1875–1949) y con el impacto que tanto su vida como su obra tuvieron en numerosas artistas posteriores. A pesar de que previamente existieron mujeres niponas dedicadas con empeño a la pintura, estas artistas fueron silenciadas en la mayoría de los casos y no fue hasta la aparición de Shōen que se allana el camino a las mujeres artistas que la suceden. Con motivo de este congreso que abarca la influencia contemporánea de Japón, aquí presentaré a una joven artista japonesa que, gracias a Shōen, puede desempeñarse con libertad dentro del arte y la pintura. Se trata de la pintora, diseñadora e ilustradora Matsūra Shiori (1993). He decidido incluir en esta intervención a estas dos artistas ya que pretendo con ello demostrar la importancia que tiene Uemura Shōen en el desarrollo del arte de mujeres y la representación femenina en el Japón actual. Asimismo, me gustaría recalcar la vigencia que Shōen sigue teniendo en el mundo artístico nipón, pues en este año 2020, cuando acaban de cumplirse setenta años de su fallecimiento, su figura continúa siendo recordada como uno de los ejes principales de la pintura bijinga (representación de mujeres bellas). De esta manera, desde enero hay dos exposiciones en Japón (una en el Museo Yamatane de Tokio; la otra, en el Museo Fukuda de Kioto) que tienen a Shōen como protagonista. Con el fin de demostrar este impacto de Uemura Shōen en artistas como Shiori, elaboraré un breve contexto sobre las mujeres artistas en Japón y su desarrollo. Mi objetivo aquí no es hablar únicamente de la vida de Shōen y Shiori, sino también mencionar el establecimiento de asociaciones y colectivos de arte feminista que han favorecido, junto con la existencia de pioneras como Shōen, a mejorar la situación de la mujer artista japonesa. Por otro lado, y atendiendo al área en la que se adscribe esta intervención, considero necesario recurrir como fuente primaria a las pinturas de ambas. De esta manera, mediante el análisis y comparación de tres pinturas de Shōen y tres de Shiori, demostraré la influencia de Shōen en la obra de Shiori, observable en las similitudes existentes en cuanto a estructura, técnica, estilo o temática. La relevancia de Shōen en Japón y también en diversos países europeos es innegable, pues muchos de sus trabajos fueron expuestos en Exposiciones Universales. Sin embargo, a pesar de la existencia de numerosas artistas admirables, el arte femenino nipón es todavía desconocido en nuestro país. Considero que para que se produzca un intercambio cultural pleno entre ambos países resulta esencial tener en cuenta la importante labor de las mujeres tanto japonesas como españolas. En este caso concreto, pretendo mejorar este entendimiento mutuo manifestando la relevancia de las mujeres artistas y su visión acerca de lo femenino y del hecho de ser mujer.

Impact of Uemura Shōen on current female art. the case of Matsūra Shiori

In this communication I intend to stress thatJapan influence has exerted on universal artistic development. Specifically, I will work with the figure of the famous nihonga painter Uemura Shōen (1875–1949) and with the impact that both her life and her work had on numerous later artists. Despite the fact that previously there were Japanese women dedicated to painting, these artists were silenced in most cases and it was not until the appearance of Shōen that the way was paved for female artists to succeed her. On the occasion of this congress that covers the contemporary influence of Japan, here I will present a young Japanese artist who, thanks to Shōen, can perform freely within art and painting. This is the painter, designer and illustrator Matsūra Shiori (1993). I have decided to include these two artists in this intervention, since I intend to demonstrate the importance of Uemura Shōen in the development of women’s art and female representation in Japan today. Likewise, I would like to emphasize the validity that Shōen continues to have in the Japanese artistic world, because in this year 2020, when seventy years of his death have just been completed, his figure continues to be remembered as one of the main axes of painting in Beijing (representation of beautiful women). In this way, since January there are two exhibitions in Japan (one at the Yamatane Museum in Tokyo; the other, at the Fukuda Museum in Kyoto) that have Shōen as the protagonist. In order to demonstrate this impact of Uemura Shōen on artists like Shiori, I will elaborate a brief context on women artists in Japan and their development. My goal here is not just to talk about the lives of Shōen and Shiori, but also to mention the establishment of feminist art associations and collectives that have favored, together with the existence of pioneers like Shōen, to improve the situation of the Japanese female artist. On the other hand, and considering the area in which this intervention is assigned, I consider it necessary to resort to the paintings of both as a primary source. In this way, through the analysis and comparison of three paintings by Shōen and three by Shiori, I will demonstrate Shōen’s influence on Shiori’s work, observable in the existing similarities in terms of structure, technique, style, or theme. The relevance of Shōen in Japan and also in various European countries is undeniable, since many of her works were exhibited at Universal Exhibitions. However, despite the existence of numerous admirable artists, Japanese female art is still unknown in our country. I believe that for a full cultural exchange to take place between the two countries it is essential to take into account the important work of both Japanese and Spanish women. In this specific case, I intend to improve this mutual understanding by manifesting the relevance of women artists and their vision of the feminine and the fact of being a woman.

Ana Galán Sanz (Universidad Autónoma de Madrid)

Graduada en el Grado en Estudios de Asia y África en el itinerario de Japón por la Universidad Autónoma de Madrid en el año 2015. En su trabajo de Fin de Grado elaboró un análisis artístico de la obra de la pintora japonesa Uemura Shōen y en los valores progresistas que incluye en sus pinturas. A fin de ampliar sus conocimientos sobre arte feminista, en el año 2016 se matriculó en el Máster en Estudios Interdisciplinares de Género donde realizó prácticas en la asociación Mujeres en las Artes Visuales. Todo esto le permitió centrar su Trabajo de Fin de Máster en una lectura feminista de la vida personal y profesional de Shōen. Desde junio de 2018 es doctoranda en el Programa de Estudios de Género en su itinerario Género, Historia y Cultura Visual y actualmente se encuentro en su segundo año de doctorado.

De la antigua madera a la actual pantalla: La divulgación del grabado japonés ukiyo-e en la era digital contemporánea

El mundo de la xilografía japonesa llamó especialmente la atención a todos aquellos amantes del país nipón desde un primer momento. Era ya común que todos aquellos artistas y viajeros occidentales que descubrieron Japón (cuando el país abrió sus fronteras al exterior a partir del último tercio del siglo XIX) mostrarán interés por esta tipología artística y que fuera admirada, copiada y sobre todo coleccionada. Casi un siglo y medio después, el conocimiento del ukiyo-e se muestra y explica de una manera muy diferente. A día de hoy es común que las instituciones museísticas se unan al proceso de “digitalización del arte” para mostrar sus obras y los fondos que poseen, fundamentalmente para darse a conocer ante un tipo de público que convive con internet y las redes sociales. Esta digitalización se utiliza en algunos aspectos cómo la catalogación, las exposiciones virtuales y sobre todo para el archivo digital de dichas obras. En este sentido, lo que nos importaría dentro de esta investigación es el cómo se divulga el grabado ukiyo-e en la actualidad, tanto en los grandes museos que poseen colecciones de grabado japonés, cómo también en el caso de las colecciones particulares y/o privadas, las cuales suelen poner más inconvenientes a la hora de exponer estas obras al mundo, existiendo con suerte muy buenas excepciones. Por lo tanto, el objetivo principal de esta propuesta es la de examinar, a modo de Estado de la Cuestión, cómo se representa y se muestra este tipo de grabado japonés actualmente, efectuando un estudio exhaustivo de su conocimiento en la era digital, dando unas pinceladas a nivel internacional. Para ello, se seguirá una metodología basada en varios aspectos: Realización de un estudio previo para averiguar cuál es el “Estado de la Cuestión” en relación al tema propuesto; Análisis de los resultados adquiridos; Estudio de las ventajas e inconvenientes y por último la disposición de unas ideas/conclusiones concisas a partir de lo expuesto anteriormente. Los resultados de esta investigación se encuentran en una primera fase, por lo que la aportación se mostrará al final del estudio en esta comunicación.

From the old wood to the current screen: The spread of japanese ukiyo-e engraving in the contemporary digital age

The world of Japanese woodcutting attracted the attention of all those who love the country from the first moment. It was already common that all those Western artists and travellers who discovered Japan (when the country opened its borders to the outside from the last third of the 19th century) would show interest in this artistic typology and that it would be admired, copied and above all collected. Almost a century and a half later, the knowledge of ukiyo-e is shown and explained in a very different way. Today it is common for museum institutions to join the process of «art digitalization» to show their works and collections, mainly to make themselves known to a type of public that coexists with the Internet and social networks. This digitalization is used in some aspects such as cataloguing, virtual exhibitions and above all for the digital archive of these works. In this sense, what is important for us in this research is how ukiyo-e prints are disseminated today, both in the large museums that have collections of Japanese prints, and also in the case of private collections, which tend to make it more difficult to exhibit these works to the world, with some very good exceptions. Therefore, the main objective of this proposal is to examine, as a state of the question, how this type of Japanese engraving is currently represented and shown, carrying out an exhaustive study of its knowledge in the digital era, giving some brushstrokes at international level. To this end, a methodology based on several aspects will be followed: Carrying out a previous study to find out what the «State of the Question» is in relation to the proposed topic; Analysis of the results acquired; Study of the advantages and disadvantages and finally the provision of some concise ideas/conclusions based on the above. The results of this research are in a first phase, so the final contribution will be shown at the end of the study in this communication.

David Diez Galindo (Universidad de Zaragoza)

Graduado en Historia del Arte y Máster en Europa y el Mundo Atlántico. Poder, Cultura y Sociedad por la Universidad de Valladolid. Actualmente en el programa de Doctorado de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza, realizando una tesis doctoral dedicada a la obra de los grabadores ukiyo-e Toyohara Kunichika y Yōshû Chikanobu en la colección del Museo Oriental de Valladolid. Miembro del Centro de Estudios de Asia de la Universidad de Valladolid, así como del Grupo de Investigación Reconocido “Humanismo Eurasia” de la Universidad de Salamanca. Miembro de la Asociación de Estudios Japoneses en España y redactor/miembro del comité científico de la revista Ecos de Asia. Ha participado también ponencias en numerosos congresos a nivel nacional.

El grabado japonés fuera de sus fronteras: artistas occidentales actuales y el legado del mokuhanga

El grabado xilográfico japonés o mokuhanga es tal vez una de las manifestaciones artísticas más idiosincráticas y características de Japón. Esta técnica fue dada a conocer especialmente a través del género del ukiyo-e, desarrollado durante el periodo Edo (1603-1868) y en el cual participaron una larga lista artistas que popularizaron esta técnica como Kitagawa Utamaro (c. 1753-1806), Katsushika Hokusai (1760-1849) o Utagawa Hiroshige (1797-1858). Pero tras el periodo Meiji (1868-1912) y como consecuencia de la occidentalización del país, el grabado japonés se vio en una posición comprometida: continuar la larga tradición del ukiyo-e y todo lo que ello implicaba, desde mantener la estética característica de este género hasta preservar el sistema de trabajo que involucraba a varios artistas y artesanos para la producción final de las estampas, que fue la postura mantenida por el movimiento Shin-hanga (“Nuevas impresiones”); o renovar la visión sobre el arte gráfico hacia una producción más libre en la que el artista se ocupara de todo el proceso de producción, desde el diseño al tallado de la plancha y la impresión final, idea defendida por los artistas adscritos al movimiento Sosaku-hanga (“Grabado creativo”). Pero a pesar de estos dos postulados, y de la llegada de técnicas occidentales de arte gráfico (aguafuertes, aguatintas, litografías, etc.), la mayoría de los grabadores japoneses, sea cual fuere su posición respecto a la evolución que debía seguir llevando el grabado nipón, siguieron trabajando con la técnica de la xilografía japonesa o mokuhanga. A día de hoy, esta perpetuidad y legado ha propiciado que el mokuhanga se haya convertido en un aspecto idiosincrático dentro del arte japonés. Además, esta técnica traspasó las fronteras del archipiélago y fue adoptada, ya desde comienzos del siglo XX, por artistas occidentales que encontraron en el mokuhanga su medio de expresión principal como Helen Hyde (1868-1919), Marguerite Gifford (1877-1969), Noel Nouet (1885-1969) o Charles William Bartlett (1860-1940), entre otros. Muchos de estos artistas estudiaron las técnicas con grandes maestros nipones y llegaron a publicar sus obras con importantes editores del movimiento Shin-hanga o fueron participes del movimiento Sosaku-hanga.
El objetivo de esta investigación es analizar el panorama de artistas occidentales que actualmente siguen produciendo sus estampas a través del mokuhanga, centrándonos en algunos nombres que consideramos relevantes por su implicación con esta técnica como Carol Jessen, Laura Boswell, Elettra Gorni o Fabiola Gil. Para ello nos centraremos principalmente en su proceso de aprendizaje, pero también analizaremos su producción artística, su público, y otros aspectos en relación. Para ello, y dada la falta de bibliografía rigurosa sobre el tema, nos parece interesante tanto adentrarnos en su obra gráfica, como conocer su obra teórica y, fundamentalmente, realizar una serie de entrevistas a las artistas para adentrarnos mejor en su relación con el mokuhanga.

Japanese woodblock beyond its borders: western artists and the legacy of mokuhanga today

Japanese woodblock print or mokuhanga is perhaps one of the most idiosyncratic and characteristic artistic manifestations of Japan. This technique was made known especially through the ukiyo-e genre, developed during the Edo period (1603-1868) and in which a long list of artists popularized this technique as Kitagawa Utamaro (c. 1753-1806), Katsushika Hokusai (1760-1849) or Utagawa Hiroshige (1797-1858). But after the Meiji period (1868-1912) and as a consequence of the Japanese westernization, Japanese woodblock found itself in a compromised position: to continue the long tradition of ukiyo-e and all that this implied, from maintaining the characteristic aesthetics of this genre until preserving the work system that involved various artists and artisans for the final production of the prints, which was the position maintained by the Shin-hanga movement («New Impressions»); or renew the vision of graphic art towards a freer production in which the artist deals with the entire production process, from design to carving the plate and final printing, an idea defended by the artists of the Sosaku-hanga movement («Creative Engraving»). But despite these two postulates, and the arrival of western graphic art techniques (etchings, aquatints, lithographs, etc.), most of the Japanese artist, whatever their position regarding the evolution that should continue to lead the Japanese woodblock, they continued to work with the technique of Japanese woodcut or mokuhanga. Today, this perpetuity and legacy has led to the mokuhanga becoming an idiosyncratic aspect within Japanese art. In addition, this technique crossed the borders of the archipelago and was adopted, as early as the beginning of the 20th century, by western artists who found their main means of expression in the mokuhanga as Helen Hyde (1868-1919), Marguerite Gifford (1877-1969), Noel Nouet (1885-1969) or Charles William Bartlett (1860-1940), among others. Many of these artists studied the techniques with great Japanese masters and went on to publish their works with leading publishers of the Shin-hanga movement or were participants in the Sosaku-hanga movement.
The objective of this research is to analyze the panorama of western artists who currently continue to produce their prints through mokuhanga, focusing on some names that we consider relevant for their involvement with this technique such as Carol Jessen, Laura Boswell, Elettra Gorni or Fabiola Gil. For this we will focus mainly on their learning process, but we will also analyze their artistic production, their audience, and other related aspects. For this, and because of the lack of a rigorous bibliography on the subject, we find it interesting analyze their graphic work, as well as to get to know their theoretical work and, fundamentally, to carry out a series of interviews with the artists to better delve into their relationship with the mokuhanga.

Alejandro Sanz Guillen (Universidad de Zaragoza)

Graduado en Historia del Arte (Trabajo de Fin de Grado con Matrícula de honor) Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte (Trabajo de Fin de Máster con Matrícula de Honor) y Diploma de Especialización en Estudios japoneses: Derecho, Sociedad y Cultura por la Universidad de Zaragoza, curso 2016-2017 (Calificación global: Sobresaliente). Desde febrero de 2018 se encuentra desarrollando su Tesis Doctoral sobre la construcción de la imagen de Japón a través de los libros ilustrados publicados en Europa durante los siglos XVII y XVIII, , bajo la dirección de los Dres. Elena Barlés y Juan Carlos Lozano (Programa de Doctorado en Historia del Arte, Universidad de Zaragoza). Actualmente disfruta de un Contrato Predoctoral de Personal Investigador en Formación (Diputación General de Aragón), adscrito al Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza. Pertenece al equipo interdisciplinar Grupo Japón y al Grupo de investigación Japón y España: relaciones a través del arte, ambos liderados por miembros de la Universidad de Zaragoza. Ha participado en diversos congresos, seminarios y jornadas internacionales en torno a su tema de investigación, y publicado varios artículos en revistas científicas y capítulos de libros. Ha sido documentalista en la exposición Ex Oriente. Los libros occidentales que iluminaron el conocimiento sobre Asia Oriental en la Edad Moderna (Vicerrectorado Cultura y Proyección Social, Universidad de Zaragoza, Paraninfo Universitario, 2018). Ha realizado una estancia de investigación en la School of Oriental and African Studies (SOAS) en la Universidad de Londres (Japan Research Center (JRC) / History of Art and Archeology Department), bajo la tutela de Timon Screech (Director del Dpto. de Arte y Arqueología de SOAS) durante los meses de noviembre-diciembre de 2019 (Financiación: Programa de convenio Erasmus+ Educación Superior).

Tatuaje y Arte Urbano, Reinterpretación y Fusión del Uliyo-e

Las imágenes del “mundo flotante” recogidas en los grabados; kimonos de seda, geishas, samuráis, abanicos, sombrillas o luchadores de sumo, junto con escenográficos paisajes, flores y pájaros, se convirtieron en el amplio y novedoso muestrario que proporcionó a los artistas, posibilidades de reinterpretar un repertorio pictórico, alumbrando iconografías nuevas, bajo la tópica mirada, mantenida en el subconsciente occidental de “lo japonés”. Son pues riquísimas las lecturas que los ukiyo-e ofrecieron, convirtiéndose en metáfora de una verdad construida a través de la percepción de los artistas occidentales que detectaron de manera temprana el poder de inspiración que destilaban las formas de vida ilustradas en los grabados japoneses. Una apropiación cultural, manifiesta en un arte de fusión que puede rastrearse a través del impacto que supuso la mítica Gran Ola de Kanagawa de Hokusai, que en este artículo va a ser tomada como vehículo para ilustrar la colisión estética y técnica que produjo, y sigue produciendo, el ukiyo-e en el arte y el diseño de Occidente. La apropiación cultural que representa La gran ola de Kanagawa es el paradigma de un arte de reinterpretación de las características, modelos y técnicas tradicionales del ukiyo-e, para constituir novedosas propuestas contemporáneas. Apropiación, reinterpretación y fusión que en esta ocasión analizaremos a través de manifestaciones culturales como el tatuaje y el arte urbano que alcanzaron Europa y América durante la segunda mitad del siglo XX.

Tattoo and Urban Art, Reinterpretation and Fusion of Ukiyo-e

The images of the «floating world» collected in the engravings; Silk kimonos, geishas, samurai, fans, umbrellas or sumo wrestlers, along with scenographic landscapes, flowers and birds, became the wide and novel showcase that provided artists, possibilities to reinterpret a pictorial repertoire, lighting new iconographies, under the topical look, held in the western subconscious of «the Japanese.»The readings offered by the ukiyo-e are therefore very rich, becoming a metaphor for a truth built through the perception of Western artists who early detected the power of inspiration that the life forms illustrated in Japanese engravings distilled. A cultural appropriation, manifested in a fusion art that can be traced through the impact of the mythical Great Wave of Kanagawa of Hokusai, which in this article will be taken as a vehicle to illustrate the aesthetic and technical collision that it produced, and continues producing, ukiyo-e in the art and design of the West. The cultural appropriation that represents the great wave of Kanagawa is the paradigm of an art of reinterpretation of the characteristics, models and traditional techniques of ukiyo-e, to constitute novel contemporary proposals. Appropriation, reinterpretation and fusion that this time we will analyse through cultural manifestations such as tattoo and urban art that reached Europe and America during the second half of the twentieth century.

Matilde Rosa Arias Estévez (Universidad Complutense de Madrid).

Doctora en historia por la UCM, con una tesis titulada “La estética cotidiana de los Chanoyu no Dōgu y su persistencia abstracta en los yakimonos occidentales contemporáneos”. Sus líneas de investigación se han centrado en las colecciones asiáticas en museos e instituciones españolas, la influencia asiática en el arte contemporáneo y la difusión de la cultura asiática a través de la gestión de proyectos culturales. Becada por el Ministerio de Cultura y el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid y posteriormente por la Fundación Alvargonzález y el Museo Naval de Madrid, para la realización de proyectos de investigación relacionados con las colecciones asiáticas de dichos museos. Así mismo, ha realizado proyectos I+D para la catalogación de colecciones asiáticas financiados por el Ministerio de Ciencia y Tecnología y el Ministerio de Cultura. Durante 15 años ha sido personal del Ministerio de Defensa con destino en el Museo del Ejército, donde ha ocupado el cargo de Jefa de Colecciones del Departamento de BBAA y Etnografía. También ha dirigido diversos equipos de trabajo y ha participado en varios proyectos culturales de promoción del patrimonio, tanto a nivel nacional como internacional. Ha publicado artículos científicos y ha sido comisaria y asesora científica en distintas exposiciones, siendo su proyecto más reciente el comisariado de la muestra “El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957 -2017)” celebrado en la Fundación Juan March en 2018.

La década perdida. Arte y política en los inicios de la Era Heisei

Esta comunicación plantea analizar las artes visuales realizadas por creadores japoneses durante la década de 1990, poniendo el foco sobre las relaciones entre arte y política. El año 1989 representa un momento crucial para el Japón contemporáneo, ya que en esa fecha falleció el emperador Hirohito (1901-1989), o Emperador Shōwa. Hirohito había sido el soberano de Japón durante los años de escalada militarista e imperialista japonesa durante la primera parte de la llamada Era Shōwa (1926-1989). Con su muerte se ponía fin a un período muy complejo de la historia japonesa en la que el país libró y sufrió acontecimientos de gran relevancia para la configuración de su identidad nacional contemporánea. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Hirohito se mantuvo en el poder, reinventándose como soberano de una nueva nación democrática y pacifista, y no tuvo que rendir cuentas sobre su responsabilidad en los hechos bélicos en los que había participado Japón durante la primera parte de su reinado. Esto ha llevado a los especialistas a hablar del período posterior a 1945 y hasta la muerte de Hirohito como un período de amnesia colectiva. Sin embargo, tras la muerte de Hirohito, y con el inicio de la era Heisei (1989-2019), aparentemente se puso fin a esta amnesia colectiva de la nación japonesa. La muerte del emperador inauguró la llamada “década perdida”, que supuso un momento de crisis para el Japón contemporáneo, marcado por la implosión de la burbuja económica, el terremoto de Kobe o el ataque con gas sarín en el metro de Tokio. En el campo de las artes, según Alexandra Munroe, tras el resquebrajamiento de esta amnesia colectiva, numerosos artistas japoneses comenzaron a dejar de lado un cierto conformismo y a criticar el sistema, comenzando a realizar obra con contenido político, reflexionando sobre aspectos del pasado más reciente de Japón.Para esta comunicación se plantea analizar obra de artistas como Murakami Takashi (1962), Morimura Yasumasa (1951), Sugimoto Hiroshi (1948), Yukinori Yanagi (1959), Shitamichi Motoyuki (1978) o Nobuyuki Ōura (1949), entre otros. Se realizará un trabajo de investigación centrado en la producción artística japonesa de, principalmente, los años 90, escrutando la obra de estos y otros creadores durante esos años, poniendo especial atención en su actividad expositiva, así como analizando la recepción crítica de sus creaciones. Se analizarán los distintos modos con los que estos creadores abordaron y cuestionaron el entramado político, económico y social que había sustentado la configuración de la identidad nacional, cuestionando distintos mitos perfectamente asimilados por la población japonesa y tratando temas que hasta entonces habían sido tabú, como la propia figura de Hirohito. Se pretende desentrañar los mensajes y las reflexiones que estos artistas buscaban trasladar al público, poniendo énfasis en cuestiones de identidad. Ya que algunos de estos artistas analizados han obtenido un enorme reconocimiento internacional, que precisamente comenzó a consolidarse a partir de aquellos años, se pretende determinar cómo estas obras, que hacían referencia directa al imperialismo japonés, fueron recibidas en el contexto internacional, en un momento en el que el milagro japonés de la posguerra parecía estar llegando a su fin.

The Lost Decade. Art and Politics in the early Heisei Era

This paper aims to analyse the visual arts created by Japanese artists in the 1990s, focusing on the relations between art and politics. The year 1989 represents a crucial moment for contemporary Japan, with the passing away of emperor Hirohito (1901-1989), or Emperor Shōwa. Hirohito had been the sovereign of Japan during the militaristic and imperialistic escalation in the first part of the Shōwa Era (1926-1989). His death brought about the end of a very complex period in Japanese contemporary history, that had been decisive in the configuration of the nation’s identity. After Second World War, Hirohito remained as sovereign, being reinvented as the emperor of a new democratic and pacifist nation, and he was not held responsible for the country’s militarist actions during the first period of his reign. This has led specialists to talk about the period post-1945 as one of collective amnesia, in which the Japanese nation ignored the historical truth. After Hirohito’s death, and with the beginning of the Heisei era (1989-2019), this national collective amnesia somehow came to an end. This event, however, inaugurated a period of crisis in contemporary Japan, that has been referred to as “the lost decade”, which was also marked by the implosion of the bubble economy, the Kobe earthquake and the Tokyo subway sarin terrorist attack.In the field of the visual arts, according to Alexandra Munroe, after the crumbling of this collective amnesia, many Japanese artists began to leave behind a certain conformism, creating works with a political message, reflecting on and criticizing different aspects of Japan’s recent past, such as Japan’s imperialism. For this paper, the work of artists such as Murakami Takashi (1962), Morimura Yasumasa (1951), Sugimoto Hiroshi (1948), Yukinori Yanagi (1959), Shitamichi Motoyuki (1978) or Nobuyuki Ōura (1949), among others, will be analyzed. The research will focus on artistic production during the 1990s, looking into the work of these and other artists during these years, paying special attention to their exhibitions as well as the critical reception of their proposals. This research aims to analyze the ways in which these creators addressed and questioned the political, economic and social context that had served as a foundation for the nation’s identity, questioning different well-established myths, and dealing with subject matter that had before been taboo, such as the figure of Emperor Hirohito. This research aims to unravel the messages that these artists aimed to present to their audiences, paying special attention to identity issues. As some of these artists have become very recognized in the international context, a recognition that precisely began during those years, this research also aims to address how some of these works that dealt with matters such as Japan’s imperialistic past, were received and interpreted in the international context, at a moment when Japan’s postwar miracle seemed to be coming to an end.

Ana Trujillo (Universidad de Comillas de Madrid).

Licenciada y Doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, así como Máster en Estudios Japoneses por SOAS (School of Oriental and African Studies, University of London). En la actualidad es docente del Departamento de Relaciones Internacionales (Facultad de Ciencias Humanas y Sociales) de la Universidad Pontificia Comillas, donde ha trabajado desde el año 2012, primero en la categoría de Profesora Colaboradora Asociada Licenciada, y a partir del año 2015 y hasta la actualidad como Profesora Colaboradora Asociada Doctora. En dicho departamento imparte diversas asignaturas de historia e historia del arte, además de una asignatura centrada en la Historia, cultura y políticas del continente asiático. Sus principales líneas de investigación son el arte y la cultura japonesa de los siglos XIX y XX, y su relación con Occidente, indagando principalmente en cuestiones sobre la configuración de la identidad. Ha recibido becas de instituciones japonesas, como la Fundación Japón (2009) y DNP Foundationfor Cultural Promotion, Japón (2017-18), por medio de las cuales ha podido ampliar sus conocimientos de japonés y profundizar en sus investigaciones sobre la historia del arte japonés. Es miembro del Grupo de Investigación Asia desde el año 2004, uno de cuyos objetivos principales es desarrollar el conocimiento sobre arte asiático en España, grupo con el que ha participado en diversos cursos, seminarios y proyectos de innovación docente, en los que ha participado como especialista en arte japonés. Desde enero de 2016 y hasta junio de 2018, ha formado parte del equipo de trabajo del proyecto I+D Protagonistas de la presencia e impacto del arte japonés en España (Convocatoria de Excelencia, HAR HAR2014-55851-P, 2015-junio 2018). Además es miembro de la Asociación Española de Estudios Japoneses de España (AEJE), habiendo sido miembro del Comité Científico de los dos últimos congresos organizados por dicha asociación (XII Congreso Nacional y III Internacional (2016) y XIII Congreso Nacional y IV Internacional (2018) de AEJE). Sus investigaciones han sido divulgadas por medio de su participación en numerosos congresos y publicaciones.

Reflexiones sobre el 3.11 en el contexto del arte contemporáneo japonés

Objetivos: El 11 de marzo de 2011 tuvo lugar uno de los terremotos más potentes de la historia de Japón. Inmediatamente, en el ámbito intelectual nacional surgieron obras como Nihon 2.0 (2012) en donde el filósofo Azuma Hiroki reunió a renombrados académicos, críticos y artistas con el fin de reflexionar sobre cómo el incidente afectaría a la mentalidad de los nipones en los años venideros. La importancia del incidente rápidamente trascendió las fronteras siendo numerosos los investigadores que, como F. Rodao en La soledad del país vulnerable, se sumaron a las reflexiones de lo que hoy se conoce como el “Triple Desastre”: una conjunción del terremoto, el tsunami que lo acompañó y el accidente nuclear de la central de Fukushima. En este contexto del debate académico ha tenido un importante papel el arte contemporáneo japonés, en donde han destacado artistas como el grupo Chim↑Pom y 281 Anti-Nuke, cuyas obras ayudan a nutrir y ampliar la reflexión sobre el Japón post 3.11 y su repercusión en el mundo. Así, desde 2011 el rechazo de una parte importante de la población respecto a la energía nuclear ha sido aprehendido por estos artistas que, enmarcados en una región en la que las fronteras entre el arte y activismo social son difusas, han llevado a cabo sus propias reflexiones, reivindicaciones y críticas en torno al desastre de Fukushima. El interés de Occidente por estos artistas ha sido manifiesto cómo han demostrado los múltiples documentales, investigaciones y exposiciones realizadas en América y Europa en torno a estos artistas. Metodología: Las obras en torno al desastre de Fukushima del grupo de jóvenes artistas Chim↑Pom y las de 281 Anti-Nuke, apodado el Banksy japonés, serán analizadas insertándolas dentro de un arte de corte activista, en un marco que a veces ha llegado a rozar la ilegalidad. En el caso del grupo Chim↑Pom se analizará en concreto la intervención que llevaron a cabo en 2011 en el mural de Okamoto de temática antinuclear titulado El mito del mañana. La obra de Okamoto, pintada en 1968 tuvo como tema la explosión de la bomba atómica, por lo que resulta significativo el intento de Chim↑Pom de relacionar y reivindicar su propia obra con la deOkamoto, una de los artistas de la vanguardia japonesa más conocidos en Occidente. En el caso de 281 Anti-Nuke se revisarán algunos de sus diseños más icónicos enmarcados en un arte urbano. Se analizará el paso del uso del grafiti clásico al del uso de pegatinas y elementos similares con un fuerte contenido político, enmarcado siempre en la ironía y la crítica tras el 3.11, así como el impacto que su obra está teniendo en Japón y el interés que está suscitando entre el público occidental, más acostumbrado a este tipo de prácticas artísticas reivindicativas gracias a figuras como Banksy. Resultados: Se pretende incorporar a la reflexión teórica sobre el desastre de Fukushima las prácticas de estos artistas que, a pesar de estar cosechando gran interés por parte de la crítica tanto nipona como extranjera, aún resultan ampliamente desconocidos para el público español y latinoamericano. Los planteamientos derivados de su activismo-artístico ofrecen nuevas perspectivas sobre los problemas que acarreó Fukushima y al amplio debate internacional sobre la energía nuclear de los que quiere dejarse constancia en este congreso.

Reflections on 3.11 in the context of Japanese contemporary art

Objectives: On the 11th of March of 2011, Japan suffered one of the most powerful earthquakes in its history. Immediately afterwards, the Japanese intellectual sphere gave birth to works such as Nihon 2.0 (2012), wherein philosopher Azuma Hiroki gathered renown academicians, critics and artists to reflect on how the incident would affect the mentality of the Japanese people in the years to come. The importance of said incident rapidly transcended the frontiers and numerous were the researchers who, as F. Rodao did in La soledad del país vulnerable, joined the outburst of reflections on what is today known as the triple disaster, the conjunction of the earthquake, the tsunami that came along with it and the nuclear accident at the Fukushima central. It is in this context of the academic debate where Japanese contemporary art has played an important role, with the works of artists such as the Chim↑Pom group and 281 Anti-Nuke contributing to the nourishment and spreading of the reflections on post 3.11 Japan and its global repercussion. Thus, the disapproval shown since 2011 by a large part of the population towards nuclear energy has been captured by these artists, who, enclosed in a region where the borders between art and social activism are not clear, have carried out reflections, claims and critiques surrounding the Fukushima disaster. The interest arisen in the Western world from their work has manifested itself in the multiple documentary films, expositions and abundant research on the topic produced in America and Europe. Methodology: I will analyse the works of the young artists group Chim↑Pom and of 281 Anti-Nuke, tagged as the Japanese Banksy, surrounding the Fukushima disaster. This analysis will be conducted by presenting them in an artistic context of remarkable activist activity which has at times conflicted with legality. In the case of the Chim↑Pom group, I will specifically study their intervention in 2011 on the anti-nuclear mural by Okamoto titled The myth of tomorrow. Okamoto’s work, painted in 1968, was inspired by the atomic bombings, and as a result Chim↑Pom’s attempt at relating and vindicating their own work with that of Okamoto is a meaningful one, him being one of the most known artists of the Japanese avant-garde to the West. In 281 Anti-Nuke’s case, I will review some of his most iconic urban designs, first analysing the transition from the use of classical graffiti to that of stickers and similar elements of strong political content, always framed in an ironic and critical way after the 3.11. After that, I should analyse the impact his work currently has in Japan and the interest it has arisen among the Western audience, more accustomed to this type of vindicating artistic practices owing to figures like that of Bansky. Results: It is my intention to incorporate these artists’ practices into the theoretical discussion on the Fukushima disaster. Though regarded with great interest by Japanese and foreign critics alike, they remain widely unknown to the Spanish and Latin American public. The approaches derived from their artistic activism offer new perspectives into the problems resulting from the Fukushima incident and into the broad international debate on nuclear energy, both of which are to be noted at this congress.

Jaime Romero Leo (Universidad de Salamanca).

Graduado en Filosofía por la Universidad de Salamanca y máster en Estudios Avanzados en Filosofía con especialidad en Estética y Teoría de las Artes por la misma Universidad. En la actualidad realiza su tesis doctoral sobre la estética del neojaponismo en la Universidad de Salamanca, donde forma parte del Grupo de Investigación Reconocido en Estética y Teoría de las Artes. Ha realizado dos estancias predoctorales: en la universidad de Nanzan (Nagoya) y en el Centro de Fundación Japón-Kansai (Osaka).

Josep Maria Joan i Rosa y el Museu del Joguet: un ejemplo de interés por el juguete nipón

El fin de la comunicación que presentamos es acercarnos a la colección de muñecas tradicionales japonesas (ningyō) y otros juguetes en el Museu del Joguet de Cataluña (Figueras), estudiando sus características y tipologías, así como la figura de su coleccionista, Josep Maria Joan i Rosa. Consideramos que esta es una propuesta que pertenece a la temática del presente congreso puesto que, mediante la misma, pondremos de relieve un ejemplo de la presencia de estas piezas de origen nipón en nuestro país (uno entre otros tantos casos que nos encontramos investigando en el marco de nuestra tesis doctoral y que igualmente mencionaremos en nuestra comunicación), así como la relación que determinadas figuras, coleccionistas en este caso, han establecido a lo largo del tiempo con Japón. Para llevar a cabo esta comunicación, partimos de un estudio previo de las fuentes bibliográficas existentes, así como fuentes de hemeroteca (donde debemos destacar reportajes y entrevistas en torno al tema que nos ocupa); sin dejar de lado, por supuesto, el trabajo de campo, que ha consistido en una visita a las instalaciones del museo y sus archivos, además de una entrevista a Josep Maria Joan i Rosa en la que pudimos profundizar acerca de su vínculo y el de su familia con Japón, y su interés personal y profesional por el mundo del juguete. Como resultados y aportaciones queremos establecer un marco histórico que nos hable de la llegada de estas muñecas a nuestro país y el interés suscitado por las mismas, que ha dado lugar a diversas colecciones como puede ser el caso del Museu del Joguet. A este respecto, queremos incluir un análisis de la presente colección, deteniéndonos en los distintos objetos japoneses pertenecientes a la definición de ningyō y otros juguetes que la conforman. De esta manera, como resultados, pretendemos elaborar un estudio de la misma y así ponerla de relieve en el contexto de las colecciones de muñecas y juguetes japoneses en España, siempre teniendo en cuenta un marco mucho más general que nos habla del coleccionismo de piezas de arte japonés en nuestro país.

Josep Maria Joan i Rosa and the Museu del Joguet: an example of interest in the Japanese toys

The purpose of this presentation is to approach to the traditional Japanese dolls (ningyō) and other toys collection at the Museu del Joguet de Cataluña (Figueras), studying their characteristics and typologies as well as the figure of their collector, Josep Maria Joan i Rosa. We believe that this is a proposal that belongs to the theme of this congress since, through it, we will highlight an example of the presence of these Japanes pieces in our country (one among many other cases that we are investigating in our doctoral thesis and that we will also mention in our presentation), as well as the relationship that certain figures, collectors in this case, have established over time with Japan.To aproach this presentation, we have started with the study of the existing bibliographic sources, as well as newspaper archives (where we must highlight reports and interviews about our topic); without neglecting, of course, the field work, which has consisted of a visit to the facilities and archivesof the museum, in addition to an interview with Josep Maria Joan i Rosa in which we were able to deepen his relationship with Japan and the relation of his family too, and his personal and professional interest in the toy world. As results we want to establish a historical background that tells us about the arrival of these dolls in our country and the interest aroused by them, which has given result to various collections such as the Museu del Joguet. In this regard, we want to include an analysis of this collection, stopping at the various Japanese objects belonging to the definition of ningyō and other toys that we can find. In this way, as results, we intend to elaborate a study of this collection and highlight it in the context of the collections of Japanese dolls and toys in Spain, always taking into account a much more general frame that tells us about the collection of pieces of Japanese art in our country.

María Gutiérrez Montañés (Universidad de Zaragoza).

María Gutiérrez Montañés es graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte (Premio Extraordinario por la Universidad de Zaragoza), Máster en Formación de Profesorado en Educación Secundaria y Diplomada en Estudios Japoneses por la misma Universidad. Actualmente, se encuentra llevando a cabo su tesis doctoral acerca las colecciones de muñecas tradicionales japonesas en museos e instituciones públicas españolas. Ha participado en diversos congresos entre los que podemos destacar el Simposio Internacional El tiempo y el Arte (2017) o el XIII Congreso Nacional y IV Internacional de la AEJE (2018) y las dos ediciones del Congreso Internacional de Estudios Interdisciplinares sobre cómic (2017 y 2019). Algunas de esas comunicaciones, así como su propia investigación han dado lugar a publicaciones presentes en diversos medios como la revista digital Ecos de Asia (donde forma parte del Comité de Redacción), Mirai. Estudios Japoneses y tomos recopilatorios a modo de actas de congreso (Nuevas visiones sobre el cómic).

Club 49, una ventana al descubrimiento de la cultura japonesa en la década de 1950-1960

La asociación Club 49 surgió en la Barcelona de finales de la década de 1940 aconteciendo el elemento clave de reconstrucción y promoción del panorama artístico y cultural de la ciudad, intentando establecer puentes con el legado de ADLAN y la vanguardia los 30. Club 49 es un claro ejemplo del circuito de la cultura catalana de la época, una cultura de resistencia más que de apertura. Pese a ello, el principal objetivo de esta ponencia será mostrar cómo, -incluso en el contexto histórico en el cual se encontraban, en plena postguerra- Club 49 fue como una pequeña ventana al exterior, ya que gracias a la figura de Eudald Serra (miembro fundador de Club 49) en la Barcelona de la década de los 50 y 60 se organizaron algunas exposiciones y conferencias sobre arte japonés. Actividades que podemos considerar como un claro precedente de las posteriores relaciones artísticas y culturales entre Japón y España, y en concreto entre Japón y Barcelona. Pondremos en valor la figura de Eudald Serra (1911-2001) como un verdadero mediador cultural, conectando culturas, creando y organizando espacios de confluencia, tanto con Club 49 como con el Museu Etnològic de Barcelona. Serra como catalizador, como enlace, como introductor en la ciudad de Barcelona a partir de 1950, y hasta su muerte, de la cultura y el arte japonés. Para llevar a cabo esta investigación hemos trabajado con material inédito de archivos personales de diversos miembros de Club 49 (Gomis, Illescas, Vidal de Llobatera, Serra). Un trabajo de archivo que nos ha permitido documentar la génesis de dichas actividades, así como la recepción que tuvieron. Poniéndose así de relieve la importancia de los documentos y del material efímero (invitaciones, folletos, etc.) en la valoración y reconstrucción de la práctica y los procesos artísticos. Dicha investigación se enmarca en los proyectos I+D “Regionalismes a Catalunya sota el règim franquista: discursos i practiques” (Regiocat – HAR2017-8795-P) y “Arte y cultura de Japón en España: Difusión e influencia” (ACJEDI – PGC2018-097694-B-I00).

Club 49, a window to Japanese culture in 1950s-1960s

The association called Club 49 emerged in Barcelona at the end of the 1940s, as the key element of reconstruction and promotion of the artistic and cultural panorama of the city. Club 49 tried to established bridges with the legacy of ADLAN and the 30s Avant-garde. Club 49 is a clear example of the circuit of the Catalan culture of the time, a culture of resistance rather than openness. Despite this, the main objective of this paper will be to focus on how Club 49 was a little window to the outside (even in the historical context of post-war period). Thanks to the figure of Eudald Serra (founding member of Club 49) in the 50s and 60s some Japanese art’s exhibitions and conferences were organized in Barcelona. We can consider these activities as a clear precedent for successive artistic and cultural relations between Japan and Spain, and specifically between Japan and Barcelona.We will highlight the figure of Eudald Serra (1911-2001) as true cultural mediator, connecting cultures, creating and organizing spaces of confluence, both with Club 49 and with the Ethnological Museum of Barcelona. Since 1950 and until his death, Serra was a real bridge between Japanese Culture and Art in Barcelona. To carry out this investigation I’ve worked with unpublished material from personal archives of various members of Club 49 (Gomis, Illescas, Vidal de Llobatera, Serra). These manuscripts allow us to establish the genesis of Club 49’s activities, as well as the reception they had in Barcelona. Thus, highlighting the importance of documents and ephemeral material (invitations, brochures, etc.) in the assessment and reconstruction of artistic practice and processes. This research is supported by R&D projects “Regionalism in Catalonia under Franco Regime: Discourses and Practices” (Regiocat- HAR2017-87957-P) and “Art and culture of Japan in Spain: Diffusion and influence” (ACJSDI – I+D PGC2018-097694-B-I00).

Muriel Gómez Pradas (Universitat Oberta de Catalunya).

Profesora del Departamento de Artes y Humanidades de la UniversitatOberta de Catalunya. Licenciada en Geografía e Historia, especialidad en Historia del Arte, por la Universidad de Barcelona y postgrado en Museografía, por la Universidad Politécnica de Cataluña, es doctora en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza (2011). Fue conservadora de las colecciones asiáticas en el Museo Etnológico de Barcelona, y actualmente es profesora agregada en la UniversitatOberta de Catalunya, en el departamento de Artes y Humanidades, donde imparte docencia de Grado, Máster y Postgrado. Sus campos de investigación se centran en los procesos de creación e institucionalización de las colecciones de museos, la recepción del arte (especialmente el de otras culturas, tomando como caso de estudio el arte japonés), el arte popular y tradicional japonés (el MingeiUndo), los juguetes tradicionales japoneses, la figura del escultor Eudald Serra y los movimientos de vanguardia de la primera mitad del siglo XX.La mayor parte de su trayectoria, tanto investigadora como profesional, ha transcurrido en el ámbito del estudio de las colecciones japonesas en España. Dicha trayectoria científica la inició como conservadora en el Museu Etnològic de Barcelona (1992-2001), con una puesta en valor de las colecciones japonesas de dicho museo, a través del estudio riguroso de sus colecciones, que tuvo su continuidad con la tesis doctoral “El movimiento Mingei en las colecciones del Museu Etnològic de Barcelona. El caso de los kyōdo-gangu o juguetes populares y tradicionales japoneses” (2011) así como en las publicaciones derivadas de este trabajo doctoral, presentadas en congresos (nacionales e internacionales). Forma parte del grupo de investigación interuniversitario “Japón y España: relaciones a través del Arte” dedicado al estudio de las colecciones de arte japonés en nuestro país, así como al análisis de las mutuas relaciones e influencias artísticas a lo largo de la historia. A este grupo de investigación le han otorgado cinco proyectos I+D relacionados todos ellos con las colecciones de arte japonés que se conservan en museos y colecciones del Estado. También es miembro del grupo de investigación IdentiCat (Lengua, cultura e identidad en la era global) adscrito a los Estudios de Artes y Humanidades de la UOC y reconocido como Grupo de Investigación Consolidado (RCMP) en mayo de 2014 (2014 SGR 1516).

La poesía japonesa contemporánea en confluencia con la obra visual de Felicia Fuster: 1985-1991.

La propuesta que presento, una síntesis del trabajo de investigación que llevo desarrollando sobre una de las áreas de mi tesis doctoral, que trata la producción visual de la artista y poeta catalana Felícia Fuster, se concreta en el análisis de Poesia japonesa contemporània y el desarrollo de este ejercicio de traducción, del que Fuster fuera copartícipe junto con Sawada Naoyuki (沢田直之).Si en una primera parte, la cual expuse en este mismo congreso, en Madrid, en noviembre de 2018, traté la obra plástica de Felícia Fuster orientada en la serie Plurivisiones, partiendo de este mismo ejercicio de traducción, y de su relación con el estudio de la lengua, la poesía y el arte tradicional nipón, labor que emprende alrededor de mil novecientos ochenta y cuatro, actualmente me centro en estudiar e interpretar dicha antología, desde aquel primer sustrato o las conclusiones de aquel primer examen, pero partiendo, ahora, del vínculo directo con Sawada y otros colaboradores, a los cuales hay que atribuirles más un trabajo de asesoría. El objetivo, no obstante, sigue siendo fundamentar la transformación en su lenguaje artístico, a través de uno de los ejes centrales de mi estudio que sitúa la «interculturalidad» como concepto interpretativo de referencia para entender el lenguaje visual de Fuster de acuerdo con un conjunto de confluencias poéticas y visuales que integran elementos «foráneos» de sistemas culturales diversos. La exposición se centrará en repasar resumidamente los puntos que atravesaron esta empresa ocasional de traducción en la pasada edición, en concreto, señalar algunos de los referentes intelectuales y culturales que la artista fue asimilando a través de las lecturas de autores como Tanizaki Junichirō (谷崎潤一郎), Kato Suichi (加藤周一) y Mishima Yukio (三島由紀夫), escritores que suscitaron un importante interés en Francia en las décadas de los años setenta y ochenta, abriendo el conocimiento de la cultura y la literatura nipona a un público más amplio. Pero, sobre todo, se concretará en evidenciar el proceso de colaboración entre Felícia Fuster y Sawada Naoyuki -quien se encontraba estudiando la Maîtrise de Philosophie en la Universidad de París-, y significará la estancia de 49 días en Japón, en el año 1986, con el objeto de buscar poesía japonesa coetánea, inédita en Europa, así como especialistas autorizados en la materia. En la parte final de la presentación, dicho análisis se pondrá en relación con el trabajo visual que desarrolla la artista desde 1987 hasta 1995, enfatizando las ligazones entre los diferentes ámbitos de creación. Sin embargo, cabe insistir en que el propósito de esta comunicación es profundizar, particularmente, en el proceso de traducción e interpretación de la selección de 49 poetas japoneses que recoge la compilación, aprovechando el testimonio de Sawada, que ha sido central en la investigación y fruto del trabajo de campo que ha permitido el avance, así como la claridad de la misma.

49 Japanese poets in confluence with the plastic work of Felícia Fuster

The proposal that I am presenting to you is the synthesis of the continuance of an investigation work that I have been developing about one of the areas from my doctoral thesis, the one that is related to the visual production of Felícia Fuster (1921-2012), a Catalan artist and poet, settled in Paris since 1951.This investigation work was presented to this same congress in Madrid, in November of 2018.On that occasion the communication was about the plastic art work of Fuster, focused on the Plurivisones series, in correspondence to her experience and study of the language, poetry and the traditional Japanese art, work that she takes on around 1984, currently I am focused in analyze and interpret – starting from the first substratum or conclusions from the first assay- the explicit relations and repercussions of Poesía Japonesa Contemporània, a compilation piece co-translated with Sawada Naoyuki (沢田直之) that was published in 1988.A personal company circumscribed into the Catalan language field which I consider the basis of an important transformation in her artistic language, this comes in part because of a central position in my assay that place the «interculturality» as an interpretive concept of reference just to understand Felícia’s Fuster art work as a poetry and visual confluence set, that integrates «foreign» elements from diverse cultural systems.The exhibition has been centered this time in review briefly the axes that went through the translation exercise in the past edition, specifically, pointing some of the intellectual and cultural references that Fuster was assuming through the readings of authors such as Tanizaki Junichirō (谷崎潤一郎), Kato Suichi (加藤周一) y Mishima Yukio (三島由紀夫), writers that raised an important interest in France in the 60’s and 80’s decades, opening this way, the knowledge of the Japanese literature and culture to a wider audience. Proving the close collaboration, by then, with the young Sawada Naoyuki -whom was studying the Maîtrise de Philosophie in the University of París I-, and giving a meaning to the trip that Fuster did to Japan in 1986, looking for original authors, and also, to her dialogue and intercourse of impressions with specialized professors in Japanese literature and poetry, those who gave to her a wider perspective regarding to the contemporary poetry published up to date in Europe. However, it should be noted that the focus of this presentation aims to dig deeply, over all, in the process of translation and interpretation of the 49 Japanese poets, that collect the compilation, taking advantage of Sawada’s testimony, essential for this investigation, that allowed the progress and the clarity of it. At the end of this essay, this analysis will be analyzed in relation to the visual artwork that the artist develops from 1987 until 1995, emphasizing in the links between the different fields of creation.

Esther Rodríguez Biosca (Universidad de Barcelona)

Esther Rodríguez Biosca es graduada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Barcelona en el 2014. En el 2016 finaliza el máster “Estudios Avanzados en Historia del Arte” en la Universidad de Barcelona, enlazando estos estudios seguidamente con el programa de doctorado “Sociedad y Cultura” en el ámbito de las artes ofrecido en la misma universidad. Centra su investigación doctoral en el estudio de la producción plástica de la artista y poeta catalana Felícia Fuster (1921-2012) en correspondencia a su experiencia y estudio de la lengua, la poesía y el arte tradicional nipón, empresa que inicia a principios de la década de los años ochenta. No obstante, otros ámbitos de interés son la historiografía y la historia del diseño en relación, también, a los procesos y los sistemas de archivos actuales y sus posibles usos. Dentro de esta área colabora con la Fundación Historia del Diseño (Barcelona) desde el 2016: Proyecto: Investigación sobre la Historia de la empresa Roca desde la perspectiva del diseño. Dentro del equipo he desarrollado ésta sobre la especialidad de comunicación y gráfica. Producto: Libro Conmemorativo Corporación Roca (en fase de producción). Dirección del proyecto: Isabel Campi y Beppe Benenti. Dirección científica: Anna Calvera. En 2015/2016 Proyecto: Guía de fondos y centros de archivos para el estudio del diseño en Catalunya desde la segunda mitad del siglo XX. Entre los últimos Congresos en los que ha participado: en 2019 IV Congreso Internacional Mujeres, Cultura y Sociedad: “Repensando el mundo desde una perspectiva feminista” organizado por los grupos de Investigación “Mujeres, Literatura y Sociedad”; “Cuerpos en tránsito”; i el Centro de Investigación “Comunicación y Sociedad” (27, 28 y 29 de marzo 2019). Universidad de Almería. En 2018 XIII Congreso Nacional y IV Internacional “Perspectivas de las relaciones bilaterales entre España y Japón” de la Asociación de Estudios Japoneses en España (21, 22 y 23 de noviembre 2018). Universidad Complutense de Madrid. Congreso Internacional “Los vértigos del infinto. Babel en la era de lo global” de Art, Globalization, Interculturality (AGI). (25 y 26 de octubre 2018). Universitat de Barcelona. I Congreso Internacional “Creando nuevas sinergias: Más allá de nuestras fronteras” de la Asociación Española de Estudios de Asia Oriental (AEEAO) (20, 21 y 22 de junio 2018). Universidad de Málaga. Dirección del proyecto: Isabel Campi.

De Tange a Ban: sentido de la arquitectura en el Japón contemporáneo

El objetivo es estudiar la evolución de la finalidad arquitectónica en la sociedad japonesa en el periodo 1964–2020. El punto de partida es los Juegos Olímpicos de Tokyo de 1964 y la contribución del arquitecto Kenzo Tange (1913-2005) con su Estadio Olímpico para lanzar la arquitectura japonesa contemporánea en la escena internacional, asunto ya ampliamente conocido y apreciado. Nuestro interés se centra en la figura del arquitecto de Shigeru Ban (Tokyo 1957), no precisamente por ser uno de los siete premiados japoneses del premio Pritzker (2014), sino por su estudio del papel como elemento estructural y la adecuación de su construcción en los momentos o situaciones críticas, o extremadamente críticas, bajo catástrofes naturales como los terremotos. Se analiza especialmente, a través de las obras y las crónicas en la prensa y otros medios como fuentes, la iglesia de Takatori (Kobe). Es un centro tiene gran tradición de acoger a los inmigrantes y refugiados extranjeros cristianos y necesitados. Tras la destrucción completa por el terremoto del 17 de enero de 1995, se reconstruyó por la iniciativa de Shigeru Ban siendo sus constructores-obreros única y exclusivamente los voluntarios. Se trata de una pequeña iglesia levantada con 59 columnas de papel y un ligero techo de textil, como una tienda. Sirvió de centro de comunicación vecinal de gran importancia durante el periodo post-terremoto, fortaleciendo la cohesión social de la zona, a pesar de su reducidísimo espacio. El edificio, conocido como la «iglesia de papel» se finalizó en septiembre de 1995 y se convirtió en el punto de apoyo para muchos parroquianos y vecinos en medio de un desolado paisaje de Kobe. Trascurridos diez años, la comunidad ya era capaz de construir una nueva iglesia y se comenzó el proyecto para otra iglesia con un carácter más duradera. Sin embargo, el templo anterior tuvo la segunda vida. En 2005 fue enviado a Puli, Taiwan para servir de centro de coordinación de recuperación territorial de Puli, que sufrió un gran terremoto en 1999.El estudio sobre la iglesia de papel de Takatori nos lleva a analizar y reflexionar sobre el material, sobre el proceso constructivo y sobre la finalidad social de la arquitectura. A la vez, el caso nos enseña hasta dónde el carácter efímero de la arquitectura, una constante en la historia de Japón, sigue siendo un valor totalmente válido en nuestro tiempo y que cada vez el valor de la arquitectura tiene que estar implicado en el valor social, que entendemos que es un resultado que sacamos del estudio y de la observación del cambio habido entre 1964 y 2020 en la sociedad japonesa. La finalidad arquitectónica de la década de 1960, época de gran desarrollismo en Japón, representada de alguna manera por el Estadio Olímpico de Kenzo Tange, que crece hacia el cielo desafiando la gravedad, contrasta drásticamente con la finalidad que esta iglesia de Takatori de Shigeru Ban cumple. Toda una lección de historia del Japón contemporáneo.

From tange to ban: sense of architecture in contemporary japan

The objective is to study the evolution of architectural purpose in Japanese society in the period 1964–2020. The starting point is the 1964 Tokyo Olympics and the contribution of the architect Kenzo Tange (1913-2005) with his Olympic Stadium to launch contemporary Japanese architecture on the international scene, a matter already widely known and appreciated. Our interest is focused on the figure of the architect of Shigeru Ban (Tokyo 1957), not precisely for being one of the seven Japanese winners of the Pritzker Prize (2014), but for his study of paper as a structural element and the adequacy of its construction in critical or extremely critical moments or situations under natural disasters such as earthquakes. The church of Takatori (Kobe) is especially analyzed, through works and chronicles in the press and other media such as sources. It is a center with a long tradition of welcoming Christian and needy foreign immigrants and refugees. After the complete destruction by the earthquake of January 17, 1995, it was rebuilt at the initiative of Shigeru Ban, its builder-workers being solely and exclusively volunteers. It is a small raised church with 59 paper columns and a light textile roof, like a store. It served as a neighborhood communication center of great importance during the post-earthquake period, strengthening the social cohesion of the area, despite its very limited space. The building, known as the «paper church» was completed in September 1995 and became the fulcrum for many parishioners and neighbors amidst a desolate Kobe landscape. After ten years, the community was already able to build a new church and the project for another church with a more lasting character began. However, the previous temple had the second life. In 2005, he was sent to Puli, Taiwan to serve as the territorial recovery coordination center for Puli, which suffered a major earthquake in 1999. The study on the Takatori paper church leads us to analyze and reflect on the material, on the process constructive and on the social purpose of architecture. At the same time, the case teaches us how far the ephemeral nature of architecture, a constant in the history of Japan, remains a totally valid value in our time and that each time the value of architecture has to be implied in the value social, which we understand to be a result that we draw from the study and observation of the change between 1964 and 2020 in Japanese society. The architectural purpose of the 1960s, a time of great developmentalism in Japan, represented in some way by the Kenzo Tange Olympic Stadium, which grows towards the sky defying gravity, contrasts sharply with the purpose that this Takatori church of Shigeru Ban complies. A whole lesson in the history of contemporary Japan.

Yayoi Kawamura (Universidad de Oviedo).

Doctora en Historia del Arte y Profesora Titular en la Universidad de Oviedo. Las principales líneas de investigación son la presencia del arte japonés en España y su influencia, y la arquitectura y artes decorativas en la Edad Moderna en España. Una de sus principales aportaciones es el estudio de la laca japonesa de estilo Namban que llegó a España en la época de Felipe II y Felipe III y su trasfondo histórico. Asimismo, tiene gran interés en la arquitectura contemporánea de los arquitectos japoneses. Ha pertenecido y pertenece a varios proyectos nacionales I+D: «Catalogación del arte japonés en los museos españoles», “Protagonistas de la presencia e impacto del arte japonés en España”, «Culturas Urbanas en la España Moderna: Policía, Gobernanza e Imaginarios (siglos XVI-XIX)», » El Real Sitio de Covadonga. Historia del santuario, catálogo de su patrimonio histórico- artístico y proyecto museístico» o «Arte y cultura de Japón: difusión e influencia». Ha sido comisaria de la exposición Lacas Namban. Huellas de Japón en España. IV Centenario de la Embajada Keichō, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y Fundación Japón, celebrada en el Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid) en 2013 y de la exposición Laca Namban. Brillo de Japón en Navarra, organizada por el Gobierno de Navarra y celebrada en el Museo de Navarra (Pamplona) entre 2015 y 2016. Ha impartido e imparte varias asignaturas relacionadas con sus líneas de investigación: Historia del Arte de Asia, Renacimiento, Barroco, El Escorial y el herrerianismo, etc. en el grado y en el máster. Ha dirigido siete tesis doctorales. Miembro correspondiente de la Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Es Secretaria de la Asociación de Estudios Japoneses en España.

De las propuestas metabolistas de los años 60 a la esencialización de los lenguajes contemporáneos. Una visión panorámica de la arquitectura japonesa a través de sus premios Pritzker

El premio Pritzker, otorgado por la fundación Hyatt y la familia Pritzker, es considerado uno de los galardones más prestigiosos en el ámbito de la arquitectura, llegando a ser conocido de manera informal como el “Nobel” de la arquitectura. Desde su fundación en 1979, son ocho los arquitectos japoneses que han sido distinguidos con este premio, lo que convierte a Japón, junto con Estados Unidos, lugar de origen del premio, en el país con más autores galardonados, y da muestra del importante papel que desempeña la arquitectura japonesa en el ámbito internacional. Kenzo Tange en 1987, Fumihiko Maki en 1993, Tadao Ando en 1995, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa en 2010, Toyo Ito en 2013, Shigeru Ban en 2014 y Arata Isozaki en la última edición hasta la fecha de 2019 se han alzado con este galardón, y a través del conocimiento, análisis y puesta en común de las aportaciones de cada uno de ellos, tanto a nivel práctico como teórico, se puede trazar una visión panorámica de la evolución de la arquitectura japonesa moderna y contemporánea y de sus planteamientos que la han situado en la posición de prestigio en que actualmente se ubica. Comenzando nuestro periplo en los años 60, momento en el que se produce el reconocimiento internacional de Tange y la creación del Metabolismo, una de las más destacadas vanguardias arquitectónicas del siglo XX y que supuso además el arranque de las carreras de Maki o Isozaki; pasando por las radicales propuestas de Ando o Ito entre los años 70 y el final de siglo; y la continuidad de la experimentación que vemos en Ban y en Sejima y Nishazawa, podemos llevar a cabo un recorrido por algunos de los principales nombres de la arquitectura japonesa e internacional. Esta es una historia de maestros y discípulos, y de logros basados en el desarrollo de ideas y visiones compartidas, pero también de disensiones y figuras singulares. Sin embargo, y frente a la individualidad de cada una de las prácticas, es posible plantear ciertos rasgos comunes cuyo reconocimiento nos ayudará a centrar nuestro discurso. Estos se materializarán en propuestas de gran interés, algunas de las cuales tratan temas o ámbitos situados en polos opuestos, como son las propuestas utópicas de ciudad del metabolismo y la casa como campo de investigación espacial; el entendimiento de las necesidades de la sociedad del momento e incluso el planteamiento de modos de vida futuros y la mirada a los lenguajes y ejemplos del pasado; o la incorporación de los últimos avances tecnológicos y el uso reinterpretado de los materiales y formas de la tradición. Estas ideas nos ayudan a plantear una suerte de conclusión a la presente investigación, el reconocimiento de la arquitectura como campo inagotable de experimentación, idea que sentará las bases, y de hecho ya lo hace, de la arquitectura de las siguientes generaciones de arquitectos japoneses y no japoneses.

From the metabolist proposals of the 60s to the essentialization of contemporary languages. A panoramic view of japanese architecture through its Pritzker prize winners

The Pritzker Prize, granted by the Hyatt Foundation and the Pritzker family, is considered one of the most prestigious awards in the field of architecture, becoming informally known as the «Nobel» of architecture. Since its establishment in 1979, there are eight Japanese architects who have been distinguished with this award, which makes Japan along with the United States, place of origin of the award, the country with more winning authors, and shows the important role Japanese architecture played internationally. Kenzo Tange in 1987, Fumihiko Maki in 1993, Tadao Ando in 1995, Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa in 2010, Toyo Ito in 2013, Shigeru Ban in 2014 and Arata Isozaki in the last edition to date of 2019 have won this award and through knowledge, analysis and sharing of the contributions of each, both practically and theoretically can draw an overview of the evolution of modern and contemporary Japanese architecture and its approaches that have located in the prestigious position in which it is currently located. Beginning our journey in the 60s, the time of the international recognition of Tange and the creation of Metabolism, one of the most outstanding architectural avant-garde of the twentieth century and which also led to the start of the races of Maki or Isozaki; going through the radical proposals of Ando or Ito between the 70s and the end of the century; and the continuity of the experimentation that we see in Ban and in Sejima and Nishazawa, we can take a tour of some of the main names of Japanese and international architecture. This is a story of masters and disciples, and of achievements based on the development of ideas and shared visions, but also of dissensions and singular figures. However, and opposite to the individuality of each of the practices, it is possible to raise certain common features whose recognition will help us focus our discourse. These will materialize in interesting proposals, some of which deal with issues or areas located at opposite poles, such as the utopian designs of the Metabolist city and the house as a field of space investigation; the understanding of the needs of the society of the moment and even the approach of future ways of life and the look at the languages and examples of the past; or the incorporation of the newest technological advances and the reinterpreted use of the materials and forms of tradition. These ideas help us to present a kind of conclusion to the current investigation, the recognition of architecture as an endless field of experimentation, an idea that will lay the foundations, and in fact already does, of the architecture of the following generations of Japanese and non-Japanese architects.

Alberto López Del Río (Universidad de Valladolid)

Arquitecto (2008), y Máster de Investigación en Arquitectura (2013) por la ETS de Arquitectura de la Universidad de Valladolid. Premio extraordinario Máster de Investigación en Arquitectura. Profesor asociado del Área de Composición Arquitectónica del Departamento de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos de la ETS de Arquitectura de la Universidad de Valladolid desde 2015, con docencia centrada en asignaturas de Historia de la Arquitectura y Composición Arquitectónica. Investigación (https://orcid.org/0000-0003-2164-2451) Su investigación comprende fundamentalmente la arquitectura moderna y contemporánea, centrada principalmente en el ámbito de la Arquitectura Japonesa. Estancia de Investigación en The University of Shiga Prefecture (Japón) en 2016 financiada con una Beca de la Universidad de Valladolid. Finalista en la categoría de Artículos de Investigación de la XIV Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (2018) por el artículo “El espíritu de aquel hombre bajo el árbol. La Guardería Fuji de Tezuka Architects”. Ganador del 2º Premio de Investigación en Cultura Japonesa de la revista especializada Kokoro (2014) por el artículo “La naturaleza interior. El árbol como referente simbólico en la arquitectura contemporánea japonesa”. Participación en congresos nacionales e internacionales, algunos de ellos relacionados con la cultura, el arte y la arquitectura japoneses, entre otros: Japón y Occidente: Estudios Comparados. Universidad de Zaragoza (2014), Espacios Simbólicos de la Modernidad. Universidad de Valladolid (2014), España – Japón. Arte Hoy. ACYLCA-AICA/SPAIN y Centro de Estudios de Asia de la Universidad de Valladolid (2015), I Congreso Internacional de Doctorados en Arquitectura. Universidad de Sevilla (2017). Sus principales publicaciones: “La presencia del árbol en la arquitectura japonesa actual. Contexto y referentes”. En el libro Japón y Occidente: estudios comparados, publicado por la Universidad de Zaragoza (2014). “El árbol como referente simbólico en la arquitectura contemporánea japonesa. La abstracción del modela en la definición del espacio arbóreo”. En el libro Arquitectura, Símbolo y Modernidad, publicado por Embajada de Noruega en España y Universidad de Valladolid (2014). “La naturaleza interior. El árbol como referente simbólico en la arquitectura contemporánea japonesa”. Revista Kokoro nº17 (2015). “De bosques y árboles. Mediadores entre lo natural y lo humano en el arte y la arquitectura contemporáneos japoneses”. En el libro Interacciones España-Japón en el arte y arquitectura contemporáneos, editorial Tirant humanidades (2018). “La esencia de aquél hombre bajo el árbol. La Guardería Fuji de Tezuka Architects”. En Revista Proyecto, Progreso, Arquitectura nº 17 (2017). “Visiones de un universo líquido. El jardín de Ryoan-ji vs Ghost in the Shell (1995)”. Revista CA Magazine nº8 (2017). “JunyaIshigami. El proyecto arquitectónico como ejercicio de taxonomía”. En Cuaderno de Proyectos Arquitectónicos” nº8 (2018). Otras charlas y ponencias: Charla “Shigeru Ban: de lo Efímero”. En el Taller CARDBOARD PROJECT, Programación de artistas del LAVA, Valladolid (2016). Charla “Arquitectura y cine como visiones del universo en la cultura japonesa”. Interferencias: Jornadas sobre Arquitectura y Cine. II Edición. Universidad de Burgos (2017).

Arquitectos japoneses en España, arquitectos españoles en Japón, 1990-2020

Tanto en Japón como en España sigue existiendo una mirada hacia «el otro» teñida de cierto barniz exótico, seguramente favorecido por la distancia que separa a los dos países. Para un artista español trabajar en Japón resulta igual de estimulante que para un japonés hacerlo en España. Para ambos es una experiencia enriquecedora por lo alejados que se encuentran sus respectivos entornos sociales y culturales, y, en el caso de la arquitectura, también por las diferencias tecnológicas y estéticas. En los años sesenta del pasado siglo, en ambos países se construyeron algunos edificios que emulaban formas clásicas «del otro». A partir de esos ejemplos, esta comunicación intentará descubrir si ese tipo de mirada o interpretación a modo de homenaje se ha mantenido o no en los últimos treinta años, cuando unos pocos arquitectos japoneses y españoles han empezado a construir obras en España y Japón respectivamente. En el XI Congreso de la AEJE celebrado en Sevilla en 2014, presenté una comunicación que mostraba las correlaciones entre la arquitectura de Japón y España desde los años treinta de la pasada centuria, cuando Sert y Sakakura trabajaron en el despacho de Le Corbusier, hasta la década de los ochenta. Hasta esa fecha, ningún arquitecto español o japonés construyó obra alguna en el país «del otro». Este artículo, que puede verse como una continuación de aquel relato, compara las obras construidas en España por arquitectos japoneses con las de arquitectos españoles ejecutadas en Japón entre 1990 y 2020. Esta comunicación mostrará no solo los proyectos realizados por los más renombrados arquitectos en el país «del otro», sino también las propuestas ganadoras de concursos que finalmente no se han llevado a cabo. De cada una de esas obras, se indicará el año de construcción, o el del fallo del concurso, su situación, su promotor y las incidencias más relevantes durante su ejecución. Con esos datos se comparará la huella que arquitectos japoneses y españoles han dejado en los últimos treinta años en España y Japón, respectivamente.

Japanese Architects in Spain, Spanish Architects in Japan, 1990-2020

In Japan as in Spain there is still a look towards “the other” stained with a certain exotic varnish, probably favored by the distance that separates the two countries. For a Spanish artist is as stimulating to work in Japan as for a Japanese artist to do it in Spain. For both it is an enriching experience because of how far their respective social and cultural environments are, and, in the case of architecture, also because of technological and aesthetic differences. In the 1960s, in both countries, some buildings were constructed that emulated classic forms «of the other.» Based on these examples, this communication will try to discover if this type of look or interpretation as a tribute has been maintained or not in the last thirty years, when a few Japanese and Spanish architects began to build works in Spain and Japan respectively.At the XI AEJE Congress held in Seville in 2014, I presented a communication that showed some correlations between the architecture of Japan and Spain since the 1930s, when Sert and Sakakura worked in Le Corbusier’s office, until the 1980s. Until that date, no Spanish or Japanese architect built any building in “the other’s” country. This paper, which is a continuation of that story, compares the works built in Spain by Japanese architects with those of Spanish architects executed in Japan between 1990 and 2020.This communication will show not only the projects carried out by the most renowned architects in the country of “the other», but also the winning proposals of competitions that have not been executed. For each of these works, it will be indicated the year of construction, or the date of the contest’s result, its location, its developer and the most relevant incidents during its execution. These data will be used to compare the footprint that Japanese and Spanish architects have left in the last thirty years in Spain and Japan, respectively.

Javier Vives Rego (Asociación de Estudios Japoneses en España).

Barcelona, 1948, arquitecto, ha publicado los siguientes libros: Arquitectura moderna japonesa. Gijón: Satori Ediciones, 2019; Arquitectura tradicional japonesa. Gijón: Satori Ediciones, 2019; Historia y arte del jardín japonés. Gijón: Satori Ediciones, 2014; El teatro japonés y las artes plásticas. Gijón: Satori Ediciones, 2010.También ha publicado en formato electrónico: Japón y su arte, 3 volúmenes, Amazon, 2018, (1.ª ed. 2013). Historia y arte de la cerámica japonesa, Amazon, 2017, (1.ª ed. 2013).

Arte digital, colaborativo e interdisciplinar. El caso japonés de teamLab

El objetivo de esta comunicación es analizar el caso del grupo artístico japonés conocido como teamLab. Formado por artistas, diseñadores, ingenieros informáticos, técnicos, etc., trabajan piezas de arte digital de suma complejidad, que nadie de un modo independiente, no colaborativo podría lograr realizar. Una de las hipótesis de trabajo es que reproducen en miniescala un modo de comportamiento social enraizado en la cultura japonesa, y que nada tiene que ver con el artista que realiza todos y cada uno de los pasos de sus obras, o aquel otro que delega en técnicos determinadas fases de sus creaciones, pero él es el responsable de la firma final. Como consecuencia del trabajo interdisciplinar y colaborativo, se consiguen realizaciones de una calidad superior en el ámbito del arte digital, para nada alcanzable por un único artista que sepa el manejo de determinados programas. La metodología en este caso será de tipo fenomenológico, recogiendo información sobre el grupo, todavía dispersa en prensa y páginas web, centrándonos especialmente en el caso de Borderless, que ha tenido un inmenso carácter mediático. Borderless, fue montada en 2018 en el Mori Building Digital Art Museum, en Tokio, y ha sido considerado el primer museo de arte virtual. 10.000m2 y más de 50 piezas de arte digital. Pero su carácter nos lleva a hacernos una serie de preguntas, entre ellas, si estamos ante un museo de arte digital, o ante un parque temático artístico.

Digital, collaborative and interdisciplinary art. the japanese case of teamlab

The objective of this communication is to analyze the case of the Japanese artistic group known as teamLab. Made up of artists, designers, computer engineers, technicians, etc., they work highly complex pieces of digital art, which no one independently, non-collaboratively could achieve. One of the working hypotheses is that they reproduce in miniscale a mode of social behavior rooted in Japanese culture, and that it has nothing to do with the artist who performs each and every step of his works, or that one who delegates to technicians certain phases of his creations, but he is responsible for the final signature. As a consequence of interdisciplinary and collaborative work, achievements of a higher quality are achieved in the field of digital art, not at all achievable by a single artist who knows how to use certain programs. The methodology in this case will be phenomenological, collecting information about the group, still dispersed in the press and on web pages, focusing especially on the case of Borderless, which has had an immense media character. Borderless, was assembled in 2018 at the Mori Building Digital Art Museum, in Tokyo, and has been considered the first virtual art museum. 10,000m2 and more than 50 pieces of digital art. But its character leads us to ask ourselves a series of questions, including whether we are in front of a digital art museum, or in front of an artistic theme park.

Pilar Cabañas Moreno (Universidad Complutense de Madrid).

Profesora titular del Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Doctora en Historia del Arte por la misma universidad. Es miembro fundador y presidenta de la Asociación de Estudios Japoneses en España, presidenta del Grupo de Investigación Asia, constituido en 1994 para cubrir el vacío existente en España en lo referente a estudios de arte y civilización de India y Asia Oriental, y co-directora de la revista Mirai. Estudios Japoneses.Su tesis Marfil japonés en las colecciones españolas, constituyó el punto de partida de futuros trabajos, al analizar el fenómeno de la difusión de lo japonés en Occidente. Abrió con ella una de sus principales líneas de investigación como es el coleccionismo y catalogación del arte japonés en España. Su doble formación en la historia del arte japonés y del arte español contemporáneo ha permitido que su labor investigadora se centre en otra línea de trabajo en las relaciones interculturales entre ambos.Con ambas líneas de investigación forma parte desde sus inicios del Grupo de Investigación Japón y España: Relaciones a través del arte .La investigación realizada a lo largo de su trayectoria ha alcanzado una gran visibilidad a través de publicaciones, exposiciones, docencia, así como en el ámbito general de la difusión. Como ejemplo de un estudio pormenorizado de nuestras colecciones ha publicado, Héroes de la Gran Pacificación. Grabados de Utagawa Yoshiiku (2013). Extraordinario trabajo, pionero en nuestro país, en el que se aborda el grabado japonés no de un modo generalista, sino desde el género específico de musha-e, ofreciendo una completísima visión de la personalidad del samurái.En la otra línea de investigación de relaciones y confluencias hay que reseñar La fuerza de Oriente en la obra de Joan Miró (2000), una obra pionera en la investigación española, dedicada al tema de la influencia de Asia Oriental en nuestro arte contemporáneo más allá de la frontera del japonismo. El estudio particularizado de muchos otros artistas como Fernando Zóbel Luis Feito, Anglada Camarasa o Antoni Clavé, marcó sus investigaciones que adquirieron visibilidad en congresos y artículos, y especialmente en la exposición El Principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo español (1957-2017), celebrada en la Fundación Juan March (Madrid, 2018).En 2018 recibió el Premio del Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón por la promoción de la investigación sobre Japón en España. Más información en: https://www.ucm.es/historiadelarte/pilar-cabanas-moreno

El cine documental de Hiroshi Teshigahara, un análisis de Antonio Gaudí (1984)

La presente investigación tiene como objetivo el análisis de la obra cinematográfica de Hiroshi Teshigahara (1927-2001). En particular, el trabajo aborda la producción audiovisual de género documental del artista, en la medida en que resume de una forma fehaciente el proyecto creativo del autor en el que convergen lo político, la vanguardia y la tradición en un complejo universo artístico multidisciplinar. Su actividad artística abarca campos que se extienden desde la pintura, la cerámica, la poesía, la caligrafía y especialmente el Ikebana, justificando de ese modo el interés académico que suscita su trayectoria como objeto de estudio. No obstante, la notable amplitud de este campo de investigación, el cuerpo analítico se centra específicamente en una de sus películas documentales: Antonio Gaudí (1984). Desde este filme se articulan los objetivos principales de la investigación: Comprender las características principales de la filmografía de Teshigahara focalizando la investigación en el género documental; analizar las razones subyacentes de la elección de Antonio Gaudí (1852- 1926) como protagonista del documental; observar los elementos formales y estéticos claves del mismo. La metodología que sustenta esta investigación toma el análisis narrativo y expresivo de los productos audiovisuales atendiendo al contexto histórico, cultural, social y político, así como a las particularidades del análisis de un producto documental y sus parámetros contextuales. Asimismo, resulta destacable como parte fundamental del desarrollo metodológico la labor de búsqueda, recopilación, lectura y análisis de las fuentes bibliográficas, así como la filmografía y videografía relacionada con el autor objeto de estudio. Del mismo modo, se presenta una revisión de hemerotecas y fuentes digitales que tiene como resultado recoger el impacto y reconocimiento de este documental en España. En este sentido, se realizaron búsquedas en distintas hemerotecas virtuales revisando un total de 7 periódicos, 4 de ellos de alcance a nivel nacional y 4 periódicos regionales del ámbito español. Finalmente, la presentación pormenorizada de las características estéticas, expresivas y técnicas de este filme supone uno de los resultados principales que ofrece este trabajo.

Hiroshi Teshigahara’s documentary cinema, an analysis of “Antonio Gaudí” (1984)

This research aims to analyze the cinematographic work of Hiroshi Teshigahara (1927-2001), particulary focusing on the documentary production of this artist. This film summarizes the complex multidisciplinary artistic universe of the author and his political, artistic and avantgarde ideas. His artistic activity includes painting, ceramics, poetry, calligraphy and especially Ikebana, justifying the academic interest in his career as an object of study.The approach focuses particularly on his documentary film: Antonio Gaudí (1984) around three basic objectives: 1. Develop the main characteristics of Teshigahara’s filmography, focusing on the documentary genre; 2. Analyse the reasons for the choice of Antonio Gaudí (1852-1926) as the protagonist of the documentary; 3. Discover the formal and aesthetic elements of the documentary film.Central to the methodology of this research, is the approach of narrative analysis taking into account the historical, cultural, social and political context and considering the specificities of a documentary product. Likewise, another feature of this methodological approach are the following scopes: search, compilation, reading and analysis of bibliographic sources, as well as the filmography and videography related to the author and his film. In the same way, the research collects the impact and recognition of this documentary in Spain through a deep review of newspaper archives and digital sources, reviewing 7 newspapers in Spain, 4 of them national coverage and 4 regional newspapers. Finally, one of the key results offered by this work is the detailed presentation of the aesthetic, expressive and technical characteristics of this film.

Griselda Vilar Sastre (Universidad de Zaragoza / Universitat Jaume I)

Licenciada en Comunicación Audiovisual (Universitat Jaume I) y Máster en Música como Arte Interdisciplinar (Universitat de Barcelona). Doctoranda en «Historia y Estudios contemporáneos» de la Universitat Jaume I. Personal Docente e Investigador (PDI) en el Departamento de Ciencias de la Comunicación de la Universitat Jaume I a través del programa FPU «Formación de Profesorado Universitario» del Ministerio de Educación. Miembro del grupo de investigación Desarrollo Social y Paz de la Universitat Jaume I. Participa en el Instituto Interuniversitario de Desarrollo Social y Paz (IUDESP de la Universitat Jaume I) y en el Grupo de Investigación Multidisciplinar en Estudios Culturales (GIMEC). Diploma en Estudios Japoneses por la Universidad de Zaragoza y estudiante del Máster en Estudios Japoneses de la Universidad de Zaragoza.

Impacto del cine japonés: La creación del mito

Objetivo: Mostrar el cine como espacio de difusión del discurso nacional tanto a nivel nacional como internacional. Metodología: Comparar tres fuentes: Textos literarios, cine y documentos académicos mostrarán el cambio y los contrastes de la imagen de Japón. Esa imagen será en un principio para la nación japonesa, posteriormente serán proyecciones tanto para los japoneses como para los extranjeros y, finalmente, serán textos dirigidos para los extranjeros. Aportaciones: El discurso nacional y su evolución muestran cambios en Japón y cambios en su relación con el extranjero. Japón parte de una situación de aislamiento, pasa por una fase de transición, donde reflexiona y se deja ver, y llega a un punto en que crean su rostro para el consumo internacional. Resultado: Japón es el país asiático con uno de los marketing sobre su propio país más exitosos de la historia moderna.

Japanese cinema impact: The origin of the myth

Objective: To show the cinema as a broadcasting area for national discourse, both nationally and internationally.Methodology: Comparing three sources, literary texts, cinema and academic documents, will show the change and contrasts of the image of Japan. That image will be initially for the Japanese nation, later they will be projections for both the Japanese and foreigners and, finally, they will be oriented for foreigners.Contributions: The national discourse and its evolution can show changes in Japan and changes in its relationship abroad. Japan starts from a situation of isolation, goes through a transition phase and reaches a point where they will create their face for international consumption.Result: Japan is the Asian country with one of the most successful marketing of its own country in modern history.

Nieves Villaseca Blanco (Academia de Cine de Pekín y UNED).

Licenciatura en Estudios de Asia Oriental (especialidad: Japón), promoción de 2003-06. Antropología social y cultural, promoción 2007-09. Postgrado en Antropología: Sobre el cine japonés. Investigación dirigida por el profesor Enrique Luque Baena. Formación profesional: Grado superior en Realización de audiovisuales y espectáculos. En el Instituto de Formación Superior Jose Luis Garci, Alcobendas. Prácticas realizadas en la UNED, 2012. Formación en idioma chino y teoría-práctica de realización de cine en la Academia de cine de Beijing (2013-2019), gracias a una beca del CSC. Actualmente desarrolla su doctorado en Sociología en la UNED. Tema de la tesis: El cine chino y el cambio social. Beca de Investigación de doctorado en la Academia de Cine de Beijing. Tema de la investigación: Cine chino (comunicación no verbal).

Representación de imágenes femeninas de la Era Shōwa en la literatura y el cine japonés contemporáneo: Análisis de la obra Chiisaiouchi, de Kyoko Nakajima.

En esta presentación nuestro objetivo es estudiar la representación de la identidad femenina y el análisis elementos culturales representativos de la japoneidad en el contexto de los años 30 y 40 del siglo XX, y la circulación de estas imágenes a través dos estudios de caso de la literatura y el cine del siglo XXI. En la cultura japonesa hay un elemento cultural denominado “haji” que se puede traducir por “vergüenza”. Sin embargo, es uno de esos términos que como decía Nitobe en su célebre obra Bushidō. El alma de Japón (2001) son difíciles de traducir por la inherente carga cultural específica que conllevan. Reflexionaremos sobre la identidad y el deseo femenino, adulterio y el concepto de “haji”, desde la perspectiva de los estudios de género, traductológicos e interculturales a través del análisis de la novela Chiisai ouchi (2010), y que en inglés se titula “The Little house” y traducida por Ginny Takemori en 2019, que retrata magistralmente a una mujer de clase media alta, de Tokyo través de los ojos de su criada. Esta novela, escrita por una mujer contemporánea (Nakajima), y narrada por otra mujer (la criada de la protagonista), tiene lugar en un contexto socio-político muy convulso; en la época de la invasión de Manchuria por Japón, la Guerra Chino-japonesa de 1937 y, durante la Segunda Guerra Mundial). Analizaremos también la recepción de esta imagen y estos conceptos culturales en España a través de la película homónima, y cuyo título en español es “La casa del tejado rojo”, dirigida por Yoji Yamada (2015), reconocido cineasta japonés, que intenta reflejar en sus obras la esencia y la crisis de los valores tradicionales de la cultura japonesa. Mediante el análisis de elementos tanto textuales como paratextuales de estas obras, reflexionaremos sobre Identidad, género, deseo, lealtad y familia; y sobre el reflejo (o no), de la cultura del Bushidō en el Japón moderno. Y mediante el análisis de la versión española de esta película, queremos investigar sobre cómo se transmite y se percibe esta imagen de la mujer japonesa de la burguesía y este conflicto de valores en el contexto cultural español contemporáneo.

Female images of Showa period in Japanese Contemporary Literature and Cinema: Chiisaiouchi (2010) by Kyoko Nakajima.

This presentation analyses the creation and reception of cultural images and representation of female identity through comtemporary literature and cinema. Specially, we will analyse intercultural processes of identity construction. In Japanese language, there is a cultural element called “haji” that could be rendered as “shame”. However, the term “haji”, is one of these words that are quite difficult to translate, as Nitobe states in his “Bushido. The Soul of Japan” Then, some words have a national timbre so expressive of race characteristics that the best of translations can do them but scant justice, not to say positive injustice and grievance. (Nitobe, 2001.p. 5). In this presentation, we will show our analysis regarding how a case study of circulation of images of Japan particularly, cultural concepts described in the Japanese novel “Chiisai ouchi”, (2010) written by Kyoko Nakajima and translated into English by Ginny Tekemori inn 2019, and also the Spanish version its homonymous film directed by Yoji Yamada (2014), entitled “La casa del tejado rojo”. Our aim in this presentation is to raise a reflection on female identity, desire, adultery, honour, and loyalty, and the “concept of “haji”. In our analysis we will take three perspectives; Genre, translation and Intercultural Studies. We will focuse particularly on the image of the main character of the book, wich is described by another woman, the servant in a socio-political context, extremely chaotic, of crisis of traditional values, and observe how these cultural elements are transmitted in the English translation of the book entitled “The little house” and in the Spanish speaking countries through the film entitled “La casa del tejado rojo”, by Yoji Yamada , a prestigious film director whose works intend to reflect the essence and crisis of Japanese identity, values and tradition. Through the analysis of textual and paratextual elements of these two works, we would raise a discussion on identity, genre, desire, and Bushidō Culture in Showa period; therefore, analyzing female representation in the story, may show a new perspective about Japanese women of the time. Besides, through of the Spanish version of the film, we will investigate on how these cultural concepts and images are transmitted and perceived in the Spanish Speaking context of XXIth Century.

María Teresa Rodríguez Navarro, (Universidad de Granada).

Licenciada en Derecho y Doctora en Lingüística General (Sobresaliente Cum Laude por unanimidad). Durante los últimos años ha impartido en la Universidad Autónoma de Barcelona clases de grado, licenciatura y postgrado. Desde el curso 2014-2015 hasta la actualidad imparte clases en el Máster Oficial de Lenguas y Culturas asiáticas de la Universidad de Granada (15h cada curso). Los trabajos que ha dirigido (TFM/TFG) se centran en torno a la lengua, la literatura, el pensamiento y la cultura japonesa. Concretamente, son trabajos relacionados con el orientalismo y el auto-orientalismo. Otros tratan sobre problemas de traducción, equivalencias culturales y traducción de documentos jurídicos chino-español, japonés-español y traducción y didáctica de la lengua japonesa. En la actualidad, forma parte del equipo de trabajo del Proyecto del Grupo de Investigación InterAsia de la UAB (MCINN), con mi incorporación al Proyecto I + D + I (ref.: FFI2015-70513-P, Investigador principal: Joaquín Beltrán Antolín). Igualmente, es colaboradora externa del SGR 2019-2021 del Grupo de investigación GREGAL, UAB. Su investigación se desarrolla en el área de la influencia de Japón en Occidente, en especial en el contexto español, y viceversa a través de la traducción, el pensamiento y el arte. Está interesada especialmente en los autores/traductores japoneses de la Era Meiji y del S. XX que fueron pioneros en la divulgación de la Cultura y los valores japoneses en Occidente y representativos del discurso sobre la japoneidad (nihonjinron). Por otra parte, su curriculum profesional refleja que ha trabajado como mediadora intercultural entre Japón y España por más de 30 años en diferentes áreas (i.e. Arte, Derecho y negocios). En su tesis doctoral trabajó sobre la figura de Nitobe Inazo, como puente entre Oriente y Occidente, centrándose en el análisis de su obra: “Bushidō. The Soul of Japan” y 5 traducciones de la misma. Este trabajo tuvo muy buena acogida en la comunidad científica y dió lugar a nuevas líneas de investigación (imagen de Japón en España, autorientalismo y Nihonjinron, diplomacia cultural recepción de traducciones japonesas en contexto español: ideología y traducción Japón, España, y Bushidō y Derecho japonés. Como reconocimiento a su labor investigadora, ha sido designada como referee de revistas científicas internacionales y nacionales de prestigio como: John Benjamins, Eds. UK; Humanismo y Empresa, Universidad de Navarra, 2017, Boletín Mexicano de Derecho Comparado, UNAM, 2017, “Multicultural Discourses”, Routledge, UK. Miembro de diferentes comités científicos y de centros de investigación: CERAO (UAB), Nichibunken (Japón); Minakata Kumagusu Kenshoukan, entre otros. Relevantes publicaciones tanto en revistas nacionales como internacionales de Estudios japoneses y estudios traductológicos e interculturales.

Subjetividad y autonegación en Kōshikei (1968), de Ōshima Nagisa

1968 es el año más emblemático de las revueltas estudiantiles protagonizadas por una Nueva Izquierda global que revalorizaba la idea de revolución y reivindicaba un modelo de izquierdas alternativo al del “socialismo real”. En el contexto nacional japonés, las revueltas del ’68 se canalizaron principalmente a través de las protestas en las calles contra la Guerra de Vietnam (en la que Japón tuvo un papel clave de apoyo logístico de Estados Unidos) y las ocupaciones de los campus cuestionando el sentido mismo de la universidad y del capitalismo. La Nueva Izquierda japonesa desarrolló una conciencia reactiva a la izquierda tradicional y el progresismo de posguerra, y centrada en la autotransformación del sujeto y su máxima responsabilización subjetiva frente a las circunstancias objetivas. La película Kōshikei (Muerte por ahorcamiento), dirigida por Ōshima Nagisa y estrenada en ese 1968, es un valioso testimonio cultural de esa época y esa conciencia colectiva. Además, fue la película con la que se internacionalizó el cine de Ōshima, gracias a su presentación en el Festival de Cannes. A través del análisis ideológico de esta obra cinematográfica, es posible adquirir una mejor comprensión de la ideología de la Nueva Izquierda protagonista del ’68 japonés. Me centraré en el concepto de autonegación (jiko hitei) como elemento clave de la subjetividad de la Nueva Izquierda japonesa, y decodificaré las líneas de continuidad que conectan ese concepto a las características cinematográficas de Kōshikei.

Subjectivity and Self-negation in Ōshima Nagisa’s Kōshikei (1968)

1968 is the most emblematic year of the student revolts led by a global New Left reviving the idea of revolution and vindicating a leftist model alternative to that of “real socialism”. Within the Japanese national context, the ’68 revolts were mainly channeled through street protests against the Vietnam War (in which Japan had a key role by giving logistical support to the United States) and the campuses occupations questioning the logic of the university system and capitalism. The Japanese New Left developed a collective consciousness reactive to the traditional left and postwar progressivism, and focused on the subject’s self-transformation and its maximum subjective responsibility in the face of objective circumstances. The film Kōshikei (Death by Hanging), directed by Ōshima Nagisa and released in that 1968, is a valuable cultural testimony of that time and that collective consciousness. Besides, it was the film through which Ōshima’s cinema became international, thanks to its participation in the Cannes Film Festival. Through an ideological analysis of this cinematographic work, it is possible to acquire a better understanding of the ideology of the New Left which was protagonist of the Japanese ’68. I will focus on the concept of self-negation (jiko hitei) as a key element of the Japanese New Left subjectivity, and I will decode the continuity lines that link this concept to the cinematographic features of Kōshikei.

Ferran de Vargas (Universidad Autónoma de Barcelona).

Licenciado en Ciencias Políticas (Universitat de Barcelona), Máster en Estudios de China y Japón (Universitat Oberta de Catalunya) y doctorando en Traducción y Estudios Interculturales (Universitat Autònoma de Barcelona) con beca FI (Generalitat de Catalunya). Estancias de investigación en la Kobe University (Japón) y la University of Edinburgh (Reino Unido). Autor de artículos en revistas académicas como Arts, L’Atalante o Estudios de Asia y África, y de capítulos de libro en editoriales como Berghahn Books o Ediciones UC. Clases impartidas en la asignatura de Temas Avanzados de Arte y Cultura Popular de Asia Oriental, en el grado de Estudios de Asia Oriental de la Universitat Autònoma de Barcelona.

De la soledad a las ruinas. Tokio como imagen de la desintegración social en el cine de Kiyoshi Kurosawa

Se propone un ejercicio de análisis textual de tres películas del cineasta japonés Kiyoshi Kurosawa —Cure (1997), Pulse (Kairo, 2001) y Retribution (Sakebi, 2006)— bajo una perspectiva común: su tratamiento del espacio urbano que transmite un sentido de desintegración o fin de la sociedad. Para ello, Kurosawa recurre a narrativas de personajes que caen progresivamente en el aislamiento, la misantropía y, con ello, en la lejanía con las convenciones sociales. Asimismo, sus imágenes de Tokio reinventan la ciudad y la convierten en una prolongación del estado mental de dichos personajes. Bien mediante representaciones en clave apocalíptica, o bien mediante las localizaciones de ruinas que evocan reminiscencias fantasmales de la historia borrada de la ciudad. Así, por ejemplo, en las tres películas se emplean escenarios industriales abandonados que parecen dar la réplica a la imagen arquetípica de Tokio de finales del siglo XX. Esto es, una ciudad tecnologizada, hipermoderna y en permanente cambio. Esta estrategia expresiva se relaciona con la crisis de identidad nacional que muchos estudiosos detectaron en Japón a raíz de la crisis financiera de finales de los noventa. Ante el estancamiento del avance social y económico nipón, Kurosawa da cuerpo a una representación de una crisis cultural en la que los mecanismos de género -thriller, terror, policiaco- filtran la incertidumbre, el extravío identitario y la memoria histórica soterrada. Aunque esta concepción de fondo es compartida por muchos directores independientes de los noventa, el caso de Kurosawa resulta especialmente llamativo por su combinarla con diversas ramificaciones del cine fantástico, y lo convierte en uno de los cineastas actuales con un universo autoral más reconocible.

From loneliness to ruins. Tokyo as an image of social disintegration in Kiyoshi Kurosawa’s cinema

This paper proposes a textual analysis of three films by Japanese filmmaker Kiyoshi Kurosawa -Cure (1997), Pulse (Kairo, 2001) and Retribution (Sakebi, 2006)- from a common perspective: their approach to urban space that conveys a sense of social disintegration, or the end of society. To this end, Kurosawa draws on narratives of characters who progressively fall into isolation, misanthropy and, consequently, distance from social conventions. Likewise, his images of Tokyo reinvent the city and make it an extension of the mental state of these characters. Either through representations in an apocalyptic tone, or through the locations of ruins that evoke ghostly reminiscences of the city’s erased history. For example, all three films depict abandoned industrial settings that seem to refute the archetypal image of Tokyo at the end of the 20th century. That is, a technological, hypermodern and constantly changing city. This expressive strategy is tied to the crisis of national identity that many scholars in Japan detected in the wake of the financial crisis in the late 1990s. Facing the stagnation of Japanese social and economic progress, Kurosawa shapes a representation of a cultural crisis in which the elements of genre – thriller, terror, crime – filter the uncertainty, the misplaced identity and the submerged historical memory. Although this concept is shared by many independent directors of the 1990s, Kurosawa’s case is particularly interesting because it combines this with various branches of fantastic cinema. That makes his authoral universe one of the most recognisable between today’s filmmakers.

Miguel Muñoz-Garnica (Universidad de Navarra).

Es profesor asociado en la Universidad de Navarra. Es docente en las asignaturas de Crítica y Fundamentos de Narración. Ha completado una tesis doctoral sobre la imagen de la familia en el cine japonés y su relación con las películas del cineasta contemporáneo Hirokazu Koreeda. Ha publicado numerosos artículos académicos relacionados con el cine japonés y asiático. Asimismo, trabaja como crítico de cine en la revista online El Antepenúltimo Mohicano, de la que es subdirector. Publicaciones académicas y capítulos de libro:«La imagen de la familia en el cine de Hirokazu Koreeda. Un diálogo con la historia del cine japonés» (2019). Tesis doctoral.«Intertextuality and Miseen Abyme in Nobuhiro Suwa’s H Story and A Perfect Couple. Between European Modernity and Japan» (2018). Arts, 7(4).«Infancia y desestructuración familiar en el cine de Hirokazu Koreeda: Nadie sabe, Milagro y De tal padre, tal hijo» (2017). Fotocinema, revista científica de cine y fotografía,14, pp. 313-339.«Génesis de la memoria / Inception of Memory» (2020). En H. Sawa (ed.), Figment, pp. 111-117. Museo Universidad de Navarra.«Europa ante su ocaso: mito frente a barbarie en Oliveira, Angelopoulos y Godard» (2019). En R. Gutiérrez Delgado (ed.), Héroe y mitologización en las narrativas, pp. 205-228. Comunicación Social. Congresos y otras ponencias:«Hausu. Espacios domésticos en el cine japonés» (noviembre de 2019). Museo Universidad de Navarra, Pamplona. Charla de presentación del ciclo homónimo, de programación propia. «Narrative de tours in the cinematic representation of Europe in crisis: Ulysses’ Gaze, A Talking Picture and Our Music» (septiembre de 2019). 12th Screenwriting Research Network (SRN) International Conference, Universidade Católica Portuguesa (Oporto).«Madrid en los Crack de Garci o el espacio como tiempo» (julio de 2019). Congreso Internacional Hispanismo y Cine (VI Encuentro académico TECMERIN), Universidad Carlos III de Madrid.«Valores estéticos del ukiyo-e en el cine japonés» (septiembre de 2018). Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella. Charla inaugural de la exposición «Estampa japonesa: Imágenes del mundo flotante».«La imagen de la madre japonesa como proyección de expectativas ajenas en Maborosi y M/Other» (noviembre de 2017). VIII Congreso Internacional sobre la Imagen, Universidad Internacional de Venecia.«El cine como evocación de los ausentes: memoria y presente fílmico en ‘Después de la tormenta’, de Hirokazu Koreeda» (octubre de 2017). IX Congreso Internacional de Análisis Textual: Qué es el cine, Universidad de Valladolid. «Acercamientos a la transición política en clave detectivesca: estudio comparativo de La isla mínima y Memories of Murder» (junio de 2017). IV Congreso Internacional Historia, Arte y Literatura en el Cine en español y en portugués. Universidad de Salamanca.«Connotative dimensions of Japanese folklore in a family story: HirokazuKoreeda’s Going My Home» (febrero de 2017). CICOM XXXII: The Art of the Television Series, Universidad de Navarra.«Realismo baziniano en el tratamiento de un escenario histórico: el caso de The Assassin, de Hou Hsiao-Hsien» (septiembre de 2016). V Congreso Internacional de Historia y Cine, Universidad Carlos III de Madrid.

De Japón al Mundo Hispano. Transnacionalidad en la teoría y práctica cinematográfica de Susumu Hani

El acercamiento a la obra de Susumu Hani es esencial para entender las discusiones teóricas e innovaciones cinematográficas que tuvieron lugar en Japón desde la segunda mitad del siglo XX. Hani se convirtió en una figura líder de la Nueva Ola Japonesa en los años sesenta y setenta. Sin embargo, la dimensión transnacional de sus escritos teóricos, así como sus films realizados fuera de Japón no ha recibido la atención que merece hasta la fecha. Hani participó en los debates surgidos en los círculos de cultura de posguerra, representó las posturas de la nueva izquierda en el cine documental, desafiando viejas formas de realismo y proponiendo nuevos acercamientos subjetivos a la realidad. De esta manera elaboró un singular método de filmación documental basado en el trabajo con “protagonistas que no actúan” y la captura de universos interiores existentes en la realidad exterior. Hani comenzaría a implementar este método en sus documentales de los años cincuenta, pero curiosamente lo extendería a su cine de ficción a partir de la década siguiente. El objetivo de este paper es arrojar luz sobre la dimensión transnacional de su aportación teórico y práctica, centrándonos en la vinculación de Susumu Hani con el mundo hispano. En primer lugar, nunca antes se ha investigado el acercamiento de los documentalistas japoneses a la forma de retratar la realidad desarrolladas durante la Guerra Civil Española. El estudio de los textos teóricos de Hani, no traducidos hasta la fecha, revela la repercusión que tuvo la Guerra Civil tuvo entre los intelectuales de la nueva izquierda japonesa. Hani busca un humanismo e implicación personal en la representación de la realidad que encuentra en la fotografía de Robert Capa, así como la literatura de Ernest Hemingway y André Malraux. Para Hani, estos autores anticipan un acercamiento emocional a la realidad, que no se limita al retrato social, sino que además captura los miedos ansiedades y deseos de sus protagonistas. Estos autores, condicionados por la inmediatez e implicación personal con la que retrataron el conflicto en España, crean en un ámbito difuso entre arte y periodismo, que será clave para la vanguardia documental japonesa de posguerra. En segundo lugar, esta comunicación trata de explicar por qué Hani se embarca en una serie de producciones transnacionales que le acaban llevando a Perú para filmar La novia de los Andres (Andesu no hanayome, 1966), convirtiéndose probablemente en el primer cineasta japonés en rodar en el país andino. Esta investigación propone un método de análisis fílmico apoyado por los propios ensayos teóricos de Hani que permite esclarecer el interés por filmar en lugares remotos. La presentación tratará de responder a las siguientes preguntas:¿Encuentra Hani en Latinoamérica los anhelados “protagonistas no actúan” ante la cámara? ¿Qué papel juegan los personajes de la diáspora japonesa (nikkei) en Perú en el retrato de Japón fuera de Japón? ¿Cómo invierte Hani la noción de otredad en el encuentro entre japoneses e indígenas de habla española y quechua?

From Japan to the Hispanic World. Transnationality in Susumu Hani’s theory and cinematographic practice

The approach to the work of Susumu Hani is essential to understand the theoretical discussions and film innovations that took place in Japan since the second half of the twentieth century. Hani became a leading figure of the Japanese New Wave in the sixties and seventies. However, the transnational dimension of his theoretical writings as well as his films made outside of Japan has not received the attention it deserves to date. Hani participated in the debates that emerged in the post-war culture circles, represented the positions of the New Left in documentary cinema, challenging old forms of realism and proposing new subjective approaches to reality. In this way, Hani developed a unique method of documentary filming based on “protagonists who do not act” and the capture of existing inner universes in external reality. Hani began to implement this method in his documentaries of the fifties but interestingly he extends it to his feature films made from the following decade. The aim of this paper is to shed light on the transnational dimension of this theoretical and practical contribution, focusing on Susumu Hani’s link to the Hispanic World. Firstly, the impact of the ways portraying reality developed during the Spanish Civil War on the Japanese documentary makers has never been studied. The study of Hani’s theoretical texts, which are not translated to date, reveals the impact of the Civil War had among the intellectuals of the Japanese New Left. Hani seeks a humanism and personal involvement in the representation of the reality that he finds in Robert Capa’s photography as well as the literature of Ernest Hemingway and André Malraux. For Hani, these authors anticipated an emotional approach to reality, which is not limited to a social portrait but also capture the fears, anxieties and desires of their protagonists. These authors, conditioned by the immediacy and personal involvement with which they portrayed the conflict in Spain, create a blurred field between art and journalism, which will be key to the post-war Japanese documentary avant-garde. Secondly, this presentation tries to explain why Hani embarks on a series of transnational productions that ended up taking taking him to Peru where he films Bride of the Andes (Andesu no Hanayome, 1966), thus, becoming probably the first Japanese filmmaker to shot in the Andean country. This research proposes a method of film analysis supported by Hani’s own theoretical essays which enables to clarify Hani’s interest for filming in remote locations. This paper will try to answer the following questions: Does Hani find in Latin America the desired “protagonists do not act” before the camera? What role do the characters of the Japanese Diaspora (Nikkei) play in Peru in this portrait of Japan outside of Japan? How does Hani invert the notion of otherness in the encounter between Japanese and indigenous speakers of Spanish and Quechua?

Marcos Centeno (Birkbeck, Universidad de Londres).

Lector y coordinador del programa de Estudios Japoneses en Birkbeck, University of London. Anteriormente, trabajó en la SOAS, donde impartió cursos sobre cine japonés y coordinó el Máster en Global Cinemas and the Transcultural. También ha sido investigador asociado en Waseda University y becario de investigación en la Universitat de València. Sus principales intereses de investigación se centran en el cine documental japonés, transculturalidad, vanguardia de posguerra y representación de minorías.

Una novia de ida y vuelta. Continuidades, trasnacionalismos y retrotopía y en La novia de Cuba (Kyuba No Kohibito, Kazuo Kuroki, 1969) y La novia de Akira (Marian García Alán, 2011)

Tras el triunfo de la Revolución Cubana y el vertiginoso nacimiento del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficas (ambos en 1959), la década del 60 atrajo a cineastas e intelectuales de diferentes partes del mundo. Motivados por la nueva Cuba y la efervescencia de sus cambios sociopolíticos, intentaron reflexionar y crear bajo la urgencia de apostar por un cine nuevo que impusiera un antes y un después en la historia de la cinematografía cubana. Entre las personalidades internacionales destaca el director japonés Kasuo Kuroki. Este se suma a los nuevos discursos fílmicos que reflexionan sobre la realidad imperante. Su película La novia de Cuba (1969) se define, en apariencia, como un clásico drama romántico con un típico triángulo amoroso. Pero esta vez es la Revolución Cubana el adversario principal de la pareja. La condición de disparidad cultural no es el impedimento de su amor, sino el momento histórico que exige el máximo sacrificio de los sujetos que construyen el socialismo. El filme japonés ha sido uno de los títulos más omitidos dentro de la historia del cine cubano. Jamás fue exhibido en Cuba, aunque sí en Japón en el mismo año de su elaboración. Incluso muchos historiadores, investigadores y directores de cine cubano desconocieron durante décadas su existencia. Es la primera coproducción entre Cuba y Japón, con actores y equipo técnico de ambas naciones, y casi la única hasta la llegada del filme nipón Los lobos del Este (Carlos Quintela, 2017), cuarenta y dos años después. Quien aflora la existencia de dicho material es el documental cubano La novia de Akira (Marian García Alán, 2011), que sirve de pretexto para volver sobre los pasos de la filmación del 69, sus vericuetos, bondades y escollos. Como sucedía con el metraje de ficción, aquel ahonda en el contexto cultural y socioeconómico en el que se encontraba inmersa la isla. Con una mirada actual, este documental reflexiona, a través de la memoria, sobre el encuentro entre ambos países, sus culturas y credos, y qué fue de la Cuba de antaño. Proponemos analizar la mirada del Otro hacia un paisaje cultural, fílmico e ideológico. Mediante el análisis crítico-textual pretendemos analizar cómo construye Kasuo Kuroki un mapa de la naciente Cuba revolucionaria en el orden histórico, económico y psicológico. Para ello se auxilia no del documental, género por excelencia que dio cabida a los cambios sociales, sino de la ficción. Su obra es archivo audiovisual y documento histórico de conceptos como historia, cultura, religión, raza, hombre nuevo. Y con ello la visión de la mujer como sujeto activo revolucionario. Trazamos un arco temporal entre ambas décadas donde la retrotopía funciona como elemento activador de una búsqueda, y donde el contexto, la memoria y la nostalgia contribuyen a discernir las relaciones de intercambio y conversión que se genera entre ambos filmes, conformando un nuevo mapa de la Historia de Cuba, en el que la cultura nipona tuvo participación.

A round trip girlfriend. Continuities, transnationalisms and retrotopia in La novia de Cuba (Kyuba No Kohibito, Kazuo Kuroki, 1969) and La novia de Akira (Marian García Alán, 2011)

After the triumph of the Cuban Revolution and the vertiginous birth of the Cuban Institute of Cinematographic Art and Industry (both in 1959), the 1960s attracted filmmakers and intellectuals from different parts of the world. Motivated by the new Cuba, and the effervescence of its socio-political changes, they tried to think about and create under the urgency of betting on a new cinema that imposed a before and after in the history of Cuban cinematography. Among the international personalities, the Japanese director Kasuo Kuroki stands out. This adds to the new film discourses that reflect on the prevailing reality. His film La novia de Cuba (1969) is defined, in appearance, as a classic romantic drama with a typical love triangle. But this time the Cuban Revolution is the main adversary of the couple. The condition of cultural disparity is not the impediment of their love, but the historical moment that demands the maximum sacrifice of the subjects that build socialism. The Japanese film has been one of the most omitted titles in the history of Cuban cinema. It was never exhibited in Cuba although it as seen in Japan in the same year of its production. Even many historians, researchers and directors of Cuban cinema ignored its existence for decades. It is the first co-production between Cuba and Japan, with actors and technical team from both nations, and almost the only one until the arrival of the Japanese film Los lobos del Este (Carlos Quintela, 2017), forty-two years later.Who emerges the existence of such material is the Cuban documentary, La novia de Akira (Marian García Alán, 2011), which serves as a pretext to return to the steps of the filming of 69, its twists and turns, kindnesses and pitfalls. As with fiction footage, he delves into the cultural and socio-economic context in which the island was immersed. With a current look, this documentary reflects, through memory, on the encounter between both countries, their cultures and creeds, and what happened to the Cuba of yesteryear. We propose to analyze the gaze of the Other towards a cultural, filmic and ideological landscape. Through the critical-textual analysis we intend to analyze how Kasuo Kuroki builds a map of the nascent revolutionary Cuba in the historical, economic and psychological order. This is helped not by the documentary, genre par excellence that accommodated social changes, but fiction. His work is an audiovisual archive and historical document of concepts such as history, culture, religion, race, new man. And with it the vision of women as a revolutionary active subject. We draw a time arc between the two decades where retrotopia functions as a trigger for a search, and where context, memory and nostalgia contribute to discern the exchange and conversion relationships generated between both films, forming a new map of the History of Cuba, in which the Japanese culture had participation.

Jacqueline Venet Gutiérrez (Universidad Rey Juan Carlos / Instituto del Cine Madrid).

Profesora, crítico, promotora cultural y ensayista de cine. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Habana, Cuba, con Título de Oro. Máster en Estudios sobre Cine Español por la Universidad Rey Juan Carlos, Madrid. Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, España. Ha sido beneficiaria de varias becas entre las que destacan la Beca MAEC-AECID, Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación y Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y la beca Ayudas de Movilidad para Iberoamericanos. Estudios de Doctorado. Universidad de Zaragoza-Santander. Profesora Asociada de la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Rey Juan Carlos. Profesora del Instituto de Cine de Madrid de las diplomaturas de Documental y la de Montaje y postproducción. Editora Jefe de la sección de crítica cinematográfica ‘De película’ en la revista Cine Cubano. Ha sido Profesor Adjunto de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba (EICTV), de la Facultad de las Artes de los Medios de Comunicación Audiovisual (FAMCA), del Instituto Superior de Arte, de la Escuela Nacional de Arte (ENA), así como Promotora Cultural y Especialista en Audiovisuales del Centro Hispanoamericano de Cultura de La Habana. Ha impartido conferencias y talleres sobre el audiovisual cubano e hispanoamericano en instituciones nacionales e internacionales tales como City University of Hong Kong; Universidad de Waterloo, Ontario, Canadá; Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), D.F, México; Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (EICTV), Instituto Internacional de Periodismo José Martí, Instituto Superior de Arte (ISA) y Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana. Sus artículos, de la misma naturaleza, han aparecido en diversas publicaciones especializadas. Reconocida en cuatro ocasiones con el Premio Caracol de crítica y ensayo audiovisual por la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Miembro de la UNEAC y de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI), ha sido en varias ocasiones jurado de la FIPRESCI del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, del Premio Nacional de videoclips Lucas, y participante del Talent Campus en Crítica cinematográfica del 26 Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México, adscrito a la Berlinale. Miembro del Latin American Studies Association (LASA).

Elementos que conforman la historia: el manga como testimonio de la Segunda Guerra Mundial.

La memoria histórica es un constructo social necesario. Nace tras eventos históricos horribles, a través de una memoria colectiva que se conforma con testimonios, historias que se comparten oralmente, y que muchas veces no son capaces de expresarse más que mediante el arte. La Segunda Guerra Mundial sigue siendo uno de los conflictos bélicos del siglo XX más estudiados, por su crueldad, y el terrible impacto social que tuvo. Muchos de los supervivientes europeos convirtieron sus historias en cómics y novelas gráficas para lidiar con las secuelas del conflicto. Al mismo tiempo, ocurría lo mismo en Japón. Tras la guerra -y en el caso de Japón, tras las bombas nucleares- empezaron a publicarse obras gráficas relacionadas estrechamente con lo ocurrido. Sin embargo, no sólo son interesantes para el estudio del conflicto bélico, y sus consecuencias, las obras realizadas durante esos años. Debido a la dureza de la contienda, muchas historias quedaron relegadas a un segundo plano. Con el paso de los años, y el estudio de los eventos, se han ido redescubriendo historias relacionadas con la contienda. Un buen ejemplo es la obra Cocoon de Machiko Kyo, quien representa una historia real sobre un grupo de chicas, estudiantes de instituto, que tuvieron que prestar ayuda médica durante los bombardeos. La presente comunicación pretende, mediante el análisis de esta obra y la comparativa con sus homólogos europeos, mostrar cómo el manga funciona como fuente para el estudio de la historia. Y cómo, además, es capaz de crear esa memoria histórica sobre Japón y la Segunda Guerra Mundial -de la que carece la sociedad europea, mediante un arte, el manga, cada vez más arraigado en los hábitos de lectura occidentales. Así mismo, también se presentará un análisis de género en torno a la obra, y lo que en ella ocurre, ya que -como ocurre en Europa- tras el conflicto, se editaron pocas obras desde el punto de vista de las mujeres que sufrieron la contienda. Con el tiempo, y cada vez más, supervivientes en ambos continentes han ido representando sus historias. O aquellas que sus compañeras no pudieron contar. Y es que la guerra no afectó por igual a todo el mundo, y en el caso de las jóvenes representadas en este manga, se identifican patrones que no sólo ellas tuvieron que sufrir. Sino que se repitieron tanto en Japón como en Europa, y que puede verse en obras como We are on our own de Miriam Katyn, entre otros. Mostrando así las diferencias, y las similitudes, entre la representación gráfica de la Segunda Guerra Mundial en el cómic europeo, y el manga.

Elements that make up the history: the manga as a testimony of the second world war.

Historical memory is a necessary social construct. It is born after horrible historical events, through a collective memory that is made up of testimonies, stories that are shared orally, and that often are not able to express themselves except through art. The Second World War continues to be one of the most studied war conflicts of the 20th century, due to its cruelty and the terrible social impact it had. Many of the European survivors turned their stories into comic books and graphic novels to deal with the aftermath of the conflict. At the same time, the same was happening in Japan. After the war – and in the case of Japan, after the nuclear bombs – graphic works closely related to what happened began to be published. However, the works carried out during those years are not only interesting for the study of the warlike conflict and its consequences. Due to the harshness of the contest, many stories were relegated to the background. Over the years, and the study of events, stories related to the war have been rediscovered. A good example is the work Cocoon by Machiko Kyo, who represents a true story about a group of girls, high school students, who had to give medical help during the bombings. The present communication tries, through the analysis of this work and the comparison with its European counterparts, to show how manga works as a source for the study of history. And how, in addition, it is capable of creating that historical memory about Japan and the Second World War – which European society lacks, through an art, manga, increasingly rooted in Western reading habits. Likewise, a gender analysis will also be presented around the work, and what happens in it, since -as it happens in Europe- after the conflict, few works were published from the point of view of the women who suffered the contest. Over time, and increasingly, survivors on both continents have been representing their stories. Or those that her companions could not count. And it is that the war did not affect everyone equally, and in the case of the young women represented in this manga, patterns are identified that not only they had to suffer. Rather, they were repeated in both Japan and Europe, and can be seen in works such as We are on our own by Miriam Katyn, among others. Thus showing the differences, and the similarities, between the graphic representation of the Second World War in the European comic, and the manga.

Iria Ros Piñeiro (Universidad de Valencia)

Licenciada en Historia del Arte, máster en Historia del Arte y Cultura Visual, doctoranda del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Valencia finalizando su investigación para la tesis: “El Cómic como Fuente para el Estudio Histórico. Segunda Guerra Mundial y Conflictos Bélicos Asociados” con mención internacional. En el momento de enviar esta propuesta se encuentra en la última fase antes de su depósito. Ponente en congresos internacionales como Comic y compromiso social de la Universidad de Valencia, Guerre Civile Espagnole et Bande Dessine en Musee de la Bande Dessinee en Angoulême, Forum for Iberian Studies, Fictitious Realities, Real Fictions de la Universidad de Oxford, el Segundo Congreso Internacional de Estudios Interdisciplinares sobre Cómic de la Universidad de Zaragoza o Mutual Images 7th Workshop, cuya sede física varía en cada edición. En este último llevó a cabo una investigación sobre la influencia del kimono en el diseño de ropa europea a finales del siglo XIX. Llevándolo a la práctica y recreando un polisón de la época, utilizando para ello un furisode. Debido a su tesis doctoral, se ha especializado en conflictos bélicos del siglo XX y su representación en los cómics, centrándose en casos europeos. En la actualidad está ampliando su campo de investigación con fuentes de Asia, empezando por Japón y sus interpretaciones de la II Guerra Mundial en el manga.

Golden Kamuy (2016) como revalorización de lo ainu: innovación, arte y tradición

Desde su nacimiento en el siglo XX el manga ha tenido una gran diversidad en cuanto a géneros y temáticas. Como consecuencia de ello, el gran público aficionado a este tipo de relatos (los cuales presentan un código concreto) ha sufrido una especialización y segmentación constante. Sin embargo, no hay que olvidar que en ocasiones hay obras que se salen de un determinado segmento; llegando así su impacto a una mayor parte del sector gozando de gran popularidad. Esto quizás se deba al hecho de presentar en el mercado una narración adecuada en un momento oportuno, siendo esta reconocida ocasionalmente por los lectores, ya que para ellos muestra un tratamiento de un tema inusual o menos habitual que de costumbre. El caso de Golden Kamuy (2016), obra del reconocido mangaka oriundo nacido en Hokkaidō Satoru Noda, es un claro ejemplo de renombre en el mercado actual. Esta serie está ambientada a finales del siglo XIX y principios del XX momento en el cual se han producido dos de los grandes hitos bélicos nipones como la guerra sino-japonesa (1894-1895) y la guerra ruso-japonesa (1904-1905) que harán que Japón sea reconocido militarmente por el resto de las potencias a nivel mundial. Aquí se desarrollará una búsqueda ficticia producida por la fiebre del oro y la necesidad de diversos soldados por salir de la miseria dejada por estos conflictos. Así pues, el general Sugimoto emprenderá un largo viaje debido al rumor de que, en la gran isla del norte de Japón (Hokkaidō), se halla un copioso tesoro que solucionará la vida de cualquiera que lo encuentre. Mientras se va desarrollando la trama nuestro protagonista se topará con su futura compañera de viajes Ashirpa, una joven ainu que le ayudará en su travesía y cooperará con Sugimoto para obtener parte del botín. Lo realmente interesante del caso de Golden Kamuy es la gran documentación que hay detrás de sus páginas en relación a la cultura ainu. En él se explican métodos tradicionales de caza de la etnia, utensilios que servían para determinadas tareas, expresiones gramaticales, situación geográfica, textiles, arte y sobre todo costumbres y organización social del que se cree el pueblo más antiguo del Japón. Siendo por tanto un repertorio gráfico e iconográfico indispensable para cualquiera que quiera conocer el particular mundo de esta sociedad japonesa. No obstante, hay que destacar que la imagen escogida para la portada del catálogo editado con motivo de la exposición dedicada al manga (2019) del British Museum fue extraída de Golden Kamuy, apareciendo Ashirpa, una de las protagonistas, con diversos elementos ainu. Por tanto, el objetivo de esta comunicación es demostrar y poner en relación el gran valor documental que tiene para el mundo ainu esta novela ligera del siglo XXI, ya que desde 1968 hasta nuestros días ha habido reformas que han afectado a la situación de este pueblo. Siendo una fuente perfecta para poder profundizar en esta cultura insular que tiende a ser, a menudo, una gran desconocida.

Golden Kamuy (2016) as a revaluation of the ainu: innovation, art and tradition

Since its birth in the twentieth century, manga has had a great diversity in terms of genres and themes. As a result, the general public fond of this type of stories (which present a specific code) has undergone constant specialization and segmentation. However, we must not forget that sometimes there are works that leave a certain segment; thus reaching its impact to a greater part of the sector enjoying great popularity. This may be due to the fact of presenting an adequate narrative in the market at an opportune moment, being recognized occasionally by the readers, since for them it shows a treatment of an unusual or less usual topic. The case of Golden Kamuy (2016), work of the renowned mangaka born in Hokkaidō Satoru Noda, is a clear example of popularity in the current market. This series is set in the late nineteenth and early twentieth century at which two of the great Japanese war milestones such as the Sino-Japanese War (1894-1895) and the Russo-Japanese War (1904-1905) have occurred. They will make Japan recognized militarily by the rest of the powers worldwide. Here a fictitious search will be developed produced by the gold rush and the need for various soldiers to get out of the misery left by these conflicts. Thus, General Sugimoto will undertake a long journey due to the rumor that, on the great island of northern Japan (Hokkaidō), there is a copious treasure that will solve the life of anyone who finds it. While the plot is developing our protagonist will run into his future travel friend Ashirpa, a young Ainu who will help him on his journey and cooperate with Sugimoto to obtain part of the loot. The really interesting thing about the Golden Kamuy case is the great documentation behind its pages in relation to the Ainu culture. It explains traditional methods of ethnic hunting, utensils that were used for certain tasks, grammatical expressions, geographical location, textiles, art and above all customs and social organization that is believed to be the oldest people in Japan. Being therefore an indispensable graphic and iconographic repertoire for anyone who wants to know the particular world of this Japanese society. However, it should be noted that the image chosen for the cover of the catalog published on the occasion of the specific manga exhibition (2019) of the British Museum was extracted from Golden Kamuy, appearing Ashirpa, one of the protagonists, with various Ainu elements. Therefore, the objective of this communication is to demonstrate and put into relation the great documentary value that this light novel of the 21st century has for the ainu world, since from 1968 until today there have been reforms that have affected the situation of this people. Being a perfect source to deepen this island culture that tends to be, often, a great unknown.

Pablo César Anía Ruiz-Flores (Universidad de Zaragoza)

Graduado en Historia del Arte (2012-2016) por la Universidad de Zaragoza, obteniendo en su Trabajo de Fin de Grado “El japonismo en Mariano Fortuny i Marsal” la calificación de Matrícula de Honor. Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte (2016-2017) y Máster en Profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato (2017-2018) en la misma Universidad, obteniendo en ambos Trabajos de Fin de Master la calificación de Sobresaliente. Además, realizó el Diploma de especialización de Estudios Japoneses: Derecho, Sociedad y Cultura (2016-2017) impartido entre las casas de Filosofía y Letras y Derecho. Ha participado en diversos congresos de carácter nacional e internacional organizados por diversos grupos de investigación como el VI Congreso del grupo Japón o el XIII Congreso Nacional y IV Internacional de la Asociación de Estudios Japoneses en España. Ha coordinado el I Ciclo de Animación Japonesa realizado en la Universidad de Zaragoza. Es asiduo colaborador de las Semanas Culturales Japonesas organizadas por el Departamento de Historia del Arte. Actualmente se encuentra cursando el programa de doctorado en Historia del Arte en la rama de estudios japoneses y más concretamente centrando su investigación en la prensa y el arte nipón, cuya tesis tiene el título de El arte japonés a través de la prensa española de finales del s.XIX y principios del s. XX: recepción, valoración crítica, coleccionista y protagonistas, la cual es dirigida por el Dr. David Almazán. Es Personal Investigador en Formación (DGA) desde noviembre de 2018.

La influencia del manga en los dibujantes de cómic españoles: El caso de Lolita Aldea

El cómic japonés, conocido como manga, se ha diferenciado siempre del resto del cómic mundial gracias a las particularidades del dibujo, sistema de producción, géneros, códigos y temáticas que posee. Tanto es así que, más allá de las fronteras de Japón, tanto el manga como otros productos audiovisuales japoneses actuales han gozado en las últimas décadas de gran repercusión en Occidente. De este modo, no resulta extraño que numerosos artistas hayan comenzado a imitar en sus obras alguna o varias de sus características. Así pues, nos encontramos ante una notable influencia del cómic nipón en diferentes lugares geográficos, generando distintos tipos de hibridaciones dignas de estudio. España no supone una excepción, por lo que, analizando los diferentes dibujantes de cómics del país, podemos dar con algunos como el Studio Kōsen, el Xian Nu Studio o Lolita Aldea entre muchos otros cuya producción es plenamente representativa de este fenómeno. Concretamente Lolita Aldea (Ceuta, 1982) se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Granada, pero sería en 2009 cuando decidiría meterse de lleno en el mundo del cómic. Siempre le había gustado dibujar, aunque su primer contacto con la cultura japonesa sería a través de las diferentes series de animación japonesa que comenzaban a televisarse en las últimas décadas del siglo XX en nuestro país. Estos títulos junto a sus versiones impresas en formato tomo o volumen recopilatorio, fomentarían tanto en ella como en otros muchos artistas españoles una gran fascinación por el cómic nipón, creando un fuerte impacto en sus diferentes obras y carreras artísticas. No obstante, no deja de resultar digno de estudio cómo tal influencia se manifiesta de manera distinta en cada uno de ellos. En el caso de la trayectoria artística de Lolita se aprecia una cierta evolución desde sus primeras obras, más plenamente asentadas en la estética manga, hasta las de los últimos años, donde se mantienen ciertas características de los modelos japoneses, pero muestran un asentado estilo de dibujo propio que incluye otras influencias estéticas como el cómic norteamericano, creando así productos muy personales y obras cada vez más reconocidas a nivel artístico. Sin embargo, es de notable importancia tener en cuenta cómo en los últimos años también se están intentando imitar algunos métodos o ideas del sistema de producción japonés en cuanto a la difusión de este tipo de material (creación de revistas, posicionamiento de las editoriales, presencia de eventos con el público consumidor, adaptaciones a videojuegos y animación…), todo ello sumido en un contexto muy característico fundamentado en el auge del fenómeno neojaponista en el que tanto artistas como consumidores y estudiosos estamos actualmente inmersos. Así pues, a través de una metodología basada en el análisis y estudio de las obras de dicha artista, varias entrevistas con ella y algunas visitas a su lugar de trabajo, el objetivo principal de la investigación es hacer una aproximación rigurosa sobre este fenómeno de influencia tomando su carrera artística como ejemplo paradigmático. Se pretende, por lo tanto, aportar una visión actualizada del neojaponismo en España centrada en el cómic y su adaptación a otros medios artísticos para su mejor entendimiento y puesta en valor de este tipo de obras, artistas y contexto en el que se ubican.

Influence of manga on Spanish comic artists: The case of Lolita Aldea

The Japanese comic, known as manga, has always distinguished itself from the rest of comics thanks to the peculiarities of the drawing, production system, genres, codes and themes that it has. Beyond the borders of Japan, both manga and other current Japanese audiovisual products have enjoyed great repercussions in the West in recent decades. In this way, it is not surprising that many artists have begun to imitate some or several of their characteristics in their works. Thus, we are faced with a notable influence of the Japanese comic in different geographical locations, generating different types of hybridizations worthy of study. Spain is no exception, so analyzing the different cartoonists in the country, we can find some of this artist such as Studio Kōsen, Xian Nu Studio or Lolita Aldea among many others whose production is fully representative of this phenomenon.Specifically, Lolita Aldea (Ceuta, 1982) graduated in Fine Arts from the University of Granada, but it would be in 2009 when she decided to enter fully into the world of comics. He had always liked to draw, but her first contact with Japanese culture would be through the different series of Japanese animation that began to be televised in the last decades of the twentieth century in our country. These titles, among their printed versions in volume or compilation format, would encourage her and many other Spanish artists a great fascination for Japanese comic books, creating a strong impact on her different works and artistic careers. However, it is still worth studying how such influence manifests itself differently in each of them. In the case of Lolita’s artistic career, a certain evolution can be seen from her first works, more fully based on manga aesthetics, until those of recent years, where certain characteristics of Japanese models are maintained, but show a settled style of own drawing that includes other aesthetic influences such as the American comic, creating very personal products and artworks increasingly recognized. Nevertheless, it is also remarkable how in recent years they are also trying to imitate some methods or ideas of the Japanese production system in terms of the dissemination of this type of material (creation of magazines, positioning of publishers, presence of events with the consuming public, adaptations to videogames and animation …), all this plunged into a very characteristic context based on the rise of the neojaponism phenomenon. Through a methodology based on the analysis and study of the works of said artist, several interviews with her and visits to her workplace, the main objective of this research is to make a rigorous approach on this phenomenon of influence taking her artistic career as a paradigmatic example. Therefore, the intention of this study is to provide an updated vision of neojaponism in Spain, focused on the comic and its adaptation to other artistic media for its better understanding and enhancement.

Julia Rigual Mur (Universidad de Zaragoza)

Es graduada en Historia del Arte y especializada en la influencia del manga en los dibujantes de cómics españoles, Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte y Diplomada en Estudios Japoneses de la Universidad de Zaragoza. Cursó en 2018-2019 el Máster de Profesorado. Actualmente estudia el idioma nipón a la par que lleva a cabo su tesis doctoral tutorizada por las profesoras Elena Barlés y Amparo Martínez (Universidad de Zaragoza). Ésta sigue la línea investigadora de la influencia del manga en los artistas españoles, así como el salto de la narrativa de sus obras a otros medios como la animación o el videojuego siguiendo el modelo trans-media japonés. Ha participado en numerosos congresos y publicado diferentes trabajos.

Nostalgia, la mirada infantil y el descubrimiento del anime en España

Muchos países occidentales no tuvieron exposición a la animación japonesa hasta finales de los 80 o principios de los 90, mientras que otros como Alemania, Italia y Francia la emitieron por primera vez a principios de los 70. A España, sin embargo, el anime llegó antes: ya en 1969 Televisión Española estrenó Kimba, el león blanco (Janguru Taitei, 1965). Los niños que viesen aquellas series no tenían información sobre su lugar de origen ni sobre los complejos contextos de producción de los que surgían. En un mundo de constante saturación mediática e hiperconexión, los espectadores pueden descargar o ver en stream contenido de cualquier país en cualquier momento, y encontrar información exhaustiva, oficial o no, sobre casi cualquier producto cultural sin importar lo oscuro que sea. Aquellas primeras emisiones en el país, su descontextualización y su continuado éxito, resultan hoy inocentes y casi imposibles de comprender, y esto ha contribuido a que muchos espectadores tengan un recuerdo todavía más vívido de aquel primer impacto. Por ello, creemos que el estudio de su recuerdo, que nos remite a posiciones de nostalgia tanto como de recuperación y análisis de lo que hemos llamado la “mirada infantil” (“child’s gaze”), resulta especialmente ilustrativo para comprender el impacto de la animación japonesa en nuestro país como poder débil y la toma de conciencia de un intercambio cultural. En este trabajo, presentamos y analizamos los resultados de una encuesta cualitativa en la que participaron 351 voluntarios de diferentes generaciones compartiendo los recuerdos sobre anime de su infancia. Los participantes hablaron de las series que recordaban ver y de su actitud hacia ellas, de su conciencia (o falta de la misma) de su origen japonés y de los códigos culturales de su industria, así como de las posiciones que adoptaban en la actualidad hacia aquellas series y aquellos recuerdos. Lejos de centrarnos en grupos de fans dedicados, la encuesta incluyó diferentes niveles de implicación emocional y cultural, e ilustra la progresiva construcción de un consumo de anime autoconsciente, vinculado a diferentes series icónicas (Mazinger Z, Heidi, Dragon Ball, Pokémon) tan exitosas en su estreno como memorables en la actualidad. Estudios previos de la recepción de anime, como los de Napier, Lamarre o Ito, Okabe y Tsuji, se han centrado en grupos de fandom que identifican y buscan estilemas asociados al anime. Nuestros encuestados, sin embargo, no fueron espectadores con alta capacidad de decidir qué contenido consumían, dado que las series de anime formaban parte de una oferta infantil limitada a franjas concretas y pocos canales comunes. Mientras que en las investigaciones de Napier los sujetos hablan de Japón como un “objeto de fantasía”, muchos de nuestros encuestados ni siquiera sabían que sus series, a veces fuertemente localizadas o directamente creadas sin marcadores nacionales (el llamado estilo mukokuseki), venían de Japón. De este modo, nuestra encuesta refleja un tiempo de “anime sin anime” y el progresivo descubrimiento de éste por parte de los espectadores españoles.

Nostalgia, the child’s gaze, and the discovery of anime in Spain

Many Western countries did not have exposure to Japanese animation until the late 80s or early 90s, while others such as Germany, Italy, and France first broadcasted it in the early 70s. In Spain, however, anime arrived earlier: in 1969, TVE premiered Kimba, the White Lion (Janguru Taitei, 1965). The children who watched those shows had no information about their place of origin or about the complex production contexts from which they emerged. Today, in a world of constant media saturation and hyperconnection, viewers can download or stream content from any country at any time, and find exhaustive information, official or not, about almost any cultural product, no matter how dark. In contrast, those first broadcasts, their decontextualization and their continued success, seem naive and almost impossible to understand now, and this has contributed to many viewers having even more vivid memories of that first impact. Their nostalgic memories also provoke a kind of retrospective self-assessment which we have called the “child’s gaze”. Our case is especially illustrative to understand the impact of Japanese animation in our country as a soft power and the growing awareness of a cultural exchange. In this presentation, we analyze the results of a qualitative survey in which 351 volunteers from different generations participated, sharing memories about the anime they watched as children. The participants talked about the shows they remembered and their attitude towards them, their awareness (or lack thereof) of their Japanese origin and the cultural codes of their industry, as well as the positions they occupied as audiences. The survey explicitly avoided fans, and instead included different levels of emotional and cultural involvement. It illustrates the progressive construction of a self-conscious anime consumption, linked to different iconic series (Mazinger Z, Heidi, Dragon Ball, Pokémon) as successful in their premieres as memorable today. Previous studies of anime reception, such as those of Napier, Lamarre or Ito, Okabe and Tsuji, have focused on fandom groups that identify and seek stilemmas associated with anime. Our respondents, however, did not have the capacity to decide what content they consumed, since anime shows were part of a limited offer in a few common channels. While in Napier’s research the subjects speak of Japan as a «fantasy object», many of our respondents did not even know that their series, sometimes strongly localized or even directly created without national markers (the so-called mukokuseki style), came from Japan. Thus, our survey reflects a time of “anime without anime” and the progressive discovery of it by Spanish viewers.

Susana Tosca (Universidad de Roskilde -Dinarmarca- & CESAG) y Víctor Navarro Remesal (Universidad Pontificia Comillas de Madrid)

Susana Tosca es Profesora titular en el Departamento de Comunicación y Humanidades de la Roskilde University en Dinamarca y doctora en literatura digital por la Universidad Complutense de Madrid. Lleva veinte años investigando y publicando sobre narrativas digitales, juegos de ordenador y transmedialidad. Le fascina investigar cómo las ficciones afectan la vida diaria de la gente, y tiene un interés especial por Japón, sus ficciones, sus juegos y su cultura tradicional. Sus últimos libros son la cuarta edición de Understandin gVideogames y Transmedia l Worlds in Everyday Life, ambos publicados por Routledge en 2019.
Victor Navarro Remesal es Doctor en Comunicación, especializado en GameStudies. También ha cursado estudios sobre Asia Oriental y guion de humor. Es autor de ‘Libertad dirigida: Una gramática del análisis y diseño de videojuegos’ (Shangrila, 2016) y ‘Cine Ludens: 50 diálogos entre el juego y el cine’ (Editorial UOC, 2019), además de numerosos artículos y capítulos especializados. Enseña Videojuegos, Narrativa y Cine de animación en el CESAG (Universidad Pontificia Comillas), en Palma. Sus principales intereses de investigación son la libertad del jugador, el Zen en los videojuegos, el gêmu o videojuego japonés y la preservación.

Estéticas de lo animesco. Influencia del género mecha en el filme «Cómo entrenar a tu dragón 2»

En las últimas décadas, el consumo de manga y anime a nivel internacional ha terminado por influir sobre todo tipo de manifestaciones artísticas y culturales (cine, moda, arquitectura, publicidad, arte contemporáneo, diseño, etc.) tanto dentro como fuera de Japón. En muchos sentidos, se puede considerar que el manga y el anime son las principales manifestaciones culturales contemporáneas de ese país, embajadoras de una nueva estética nipona en todo el mundo. Los vídeos promocionales de las olimpiadas de Tokio 2020 y el uso de personajes de ficción para la proyección de este evento, procedentes de las series de manga y anime más conocidas en todo el mundo, deja patente hasta qué punto han calado ambos medios en la sociedad. Tradicionalmente, los estudios sobre manga y anime han privilegiado una aproximación a ambos medios desde una óptica claramente japonocéntrica (nihonjinron), una «denominación de origen» que vincula la fuente mítica del manga y el anime a Japón. En cambio, en los últimos años se ha empezado a explorar la realidad del manga y el anime de una manera dinámica, desde una óptica internacional y transcultural. En ese sentido, los conceptos de mangaesque (Berndt, 2013) -o «mangaesco»- y animesque (Suan, 2016) -o «animesco»- permiten englobar bajo una misma denominación un espectro más amplio de formas ‘estilo manga’ y ‘estilo anime’, así como por poner el acento sobre elementos estéticos, materiales o narrativos de estas manifestaciones, que las caracterizan y singularizan frente a otras formas artísticas.Esta ponencia se inscribe dentro de un proyecto de investigación en curso, más amplio, centrado en el carácter transnacional del manga y el anime. Por medio de diferentes casos de estudio, el objetivo de dicho proyecto es analizar los factores estéticos, formales, narrativos o productivos (en definitiva, todos aquellos que afectan a la materialidad de ambos medios) que hacen que una obra se pueda considerar «mangaesca» o «animesca». En esta ponencia, se contraponen dos filmes del año 2014 (ambos candidatos a los Premios de la Academia en la categoría de mejor película de animación), Big Hero 6 (Disney) y Cómo entrenar a tu dragón 2 (Dreamworks), prestando especial atención a la segunda. Mientras que Big Hero 6 opta por presentar una visión estetizada de inspiración japonesa (con personajes y escenarios de clara influencia nipona), Cómo entrenar a tu dragón 2 no presenta referencias visuales obvias que remitan Japón. Sin embargo, el filme de Dreamworks –en especial si se entiende en el contexto de su propia saga— se puede analizar atendiendo a sus paralelismos con las producciones de anime del género mecha (robots gigantes pilotados). Este género -cuyas raíces remiten a las primeras historias de ciencia-ficción en Japón, así como a los célebres filmes de kaiju (monstruos gigantes) y el género tokusatsu- es uno de los más populares tanto en el manga como en el anime. Por todo ello, se tratará de demostrar que Cómo entrenar a tu dragón 2, aun cuando no conecta con una estética ‘japonesca’ –japonesque-, es un filme profundamente «animesco».

Aesthetics of the animesque. Mecha genre’s contribution to How to train your dragon 2

In the last decades, the international popularizarion of manga and anime has influenced a wide range of artistic and cultural expressions (cinema, fashion, architecture, advertising, contemporary art, design, etc.) in Japan and abroad. In most respects, manga and anime can be considered the main cultural expressions in contemporary Japan, ambassadors of a new Japanese aesthetics worldwide. The advertising videos for the Tokyo 2020 Olympics and the use of fictional characters for the promotion of this remarkable event -from some of most popular manga and anime series around the world- illustrates how much both media have impacted on society. Traditionally, manga and anime studies have favoured an approach to both media from a clearly Japanocentric perspective (nihonjinron), a «trademark» of sorts that links the mythical origin of manga and anime to Japan. However, in the last years, manga and anime have begun to be explored in a more dynamic way, from an international and transcultural point of view. In that regard, the notions of mangaesque (Berndt, 2013) and animesque (Suan, 2016) allow to include under the same label a wider range of «manga and anime style» forms, but also to highlight aesthetic, material or narrative elements, which distinguish these expressions from other artistic forms.This paper is part of an ongoing, wider research project focusing on manga and anime’s transnational aspects. Through different case studies, the goal of this project is to analyse the aesthetic, formal, narrative or production issues (all those that concern the materiality of both media) that allow a given artwork to be considered mangaesque or animesque. In this presentation, I will compare two films featured in 2014 (both nominated for the Academy Awards in the category of best animated film), Big Hero 6 (Disney) and How to Train Your Dragon 2 (Dreamworks), paying special attention to the latter. While Big Hero 6 chooses to present an aestheticized world-setting inspired by Japan (with characters and settings of distinctly Japanese influence), How to Train Your Dragon 2 does not present any obvious visual references to Japan. Yet, Dreamworks’ film can be analysed looking for similarities with mecha anime productions (piloted giant robots). This genre -whose roots go back to the first science-fiction stories in Japan and the popular kaiju (giant monsters) and tokusatsu films- is very popular among manga and anime readers/viewers. Therefore, I will try to show that How to Train Your Dragon 2, while not engaging in a proper ‘japonesque’ aesthetic, is a profoundly animesque film.

José Andrés Santiago Iglesias (Universidad de Vigo)

Investigador postdoctoral distinguido (PID), artista plástico visual y docente. Doctor en Bellas Artes (Universidade de Vigo, 2010). Licenciado por la Especialidad de Pintura (Universidad de Vigo) y Premio Fin de Carrera (2004). Desde el año 2005 forma parte del grupo de investigación dx5 – digital & graphic art research, especializado en gráfica contemporánea de campo expandido. En la actualidad dirige la línea de investigación «Estudios Transdisciplinares sobre Cómic (ETC)» de este grupo de investigación; además, sus estudios se centran en el cómic de campo expandido, el manga y el anime en España desde una perspectiva teórica. Becario del Japan Foundation’s Japanese Studies Program (2012) e investigador postdoctoral invitado en la Escuela de Estudios de Posgrado de la Facultad de Manga (Kyoto Seika University, Japón, 2014-2016). Miembro de la ACDCómic (Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic de España) desde su fundación es, asimismo, autor de los libros Manga. Del cuadro Flotante a la Viñeta Japonesa (2010), A Ding in Japan (2008) —ambos publicados por la editorial Comanegra—, editor del volumen Anime Studies: Media-specific approaches to Neongenesis Evangelion (Stockholm University Press, 2020) y coordinador de la guía Japón para Otakus (Diábolo Ediciones, 2018). Con casi un centenar de exposiciones (tanto individuales como colectivas) en galerías y centros de arte, su obra está presente en la escena artística española, habiendo sido seleccionado y premiado en diversos certámenes nacionales e internacionales, entre los que se encuentran el Festival Internacional de la Imagen (FINI) de México (2015, 2016); el Certamen de Artes Plásticas Isaac Díaz Pardo (2009, 2011, 2013, 2017); la Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica Ciudad de Cáceres (2011); o el Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores de la Calcografía Nacional (2007, 2008, 2009, 2010), entre otros. URL: www.jsantiago.es.

La subcultura otaku y su papel en los estilos de vida fuera de Japón

No podemos discutir el importante influjo que la cultura japonesa, y particularmente todo lo relacionado con el audiovisual (manga, anime y videojuegos como productos estelares), ha tenido sobre colectivos de todo el mundo, muy especialmente sobre los jóvenes. La difusión internacional de este tipo de productos se ha afianzado y, hoy más que nunca, podemos hablar de unos fuertes procesos de transculturación derivados del consumo de estos productos, y sus derivados, por parte de adolescentes y adultos jóvenes. Esta cuestión, largamente tratada desde numerosos puntos de vista (desde el neojaponismo hasta las identidades sociales, pasando por numerosos y variados aspectos), ha demostrado ser especialmente influyente en lo que refiere a la socialización de determinados grupos en los que la virtualidad adquiere un papel preponderante, y en el que podemos destacar la continuidad de unos ciertos patrones relacionados con el ocio que conforman una de las señas de identidad características de los que, fuera de Japón, se autodenominan otakus. A pesar de que una premisa básica de las Ciencias de la Salud es que los estilos de vida influyen en la salud de las personas, raramente se han realizado estudios que vinculen los hábitos de subculturas concretas con influencias potenciales en la salud; en todo caso, cuando se ha hecho, no han ido más lejos de señalar, de forma estereotípica y generalmente desacertada, los hábitos de riesgos a los que determinados colectivos se exponen. Nuestro objetivo con esta investigación es analizar los activos en salud, desde un punto de vista generalista, del colectivo otaku autodefinido en España, para comprobar si existe alguna relación entre los estilos de vida derivados de las pautas de ocio concretas de estos otakus y los problemas de salud característicos en grupos etarios similares. Para ello, proponemos una investigación multidisciplinar centrada en entrevistas en profundidad y observación participante en la que exploraremos los estilos de vida, los hábitos, las estrategias de afrontamiento y la capacidad de resolución de problemas. Del mismo modo, compararemos los resultados obtenidos con las pautas generales de otros colectivos coetáneos, centrándonos fundamentalmente en la franja de los adultos emergentes. El presente estudio se enmarca en uno mayor en el que se estudia la complejidad del movimiento friki, y del que derivan diferentes líneas de investigación que consideran a colectivos concretos como pueden ser los gamers o, lo que aquí nos ocupa, los otakus. Los primeros resultados apuntan a que las pautas de ocio, como seña de identidad del colectivo, generan no sólo unos hábitos de riesgo característicos y diferentes a los de otros colectivos coetáneos, sino a que son los responsables de activos en salud de gran interés para hacer frente a procesos de diferente índole. En el colectivo otaku, algunas estrategias de afrontamiento ante problemas sociales o un mayor interés por la diversificación de la dieta ofrecen una perspectiva interesante que se explica como resultado de la influencia de la cultura japonesa en nuestra sociedad.

The otaku subculture and its influence in lifestyle outside Japan

We cannot discuss the important influence that Japanese culture, and particularly everything related to audiovisual (manga, anime and video games), has had on groups around the world, especially on young people. The international diffusion of this kind of products has been consolidated and, nowadays, we can talk about strong transculturation processes derived from the consumption of these products by teenagers and young adults. This issue, which has been dealt with for a long time from many points of view (from neo-Japanism to social identities, including varied aspects), has proved to be particularly influential with regard to the socialisation of certain groups in which virtuality takes on a predominant role. In these groups, we can highlight the continuity of certain patterns related to leisure that make up one of the characteristic signs of identity of those who, outside Japan, call themselves otakus. Although a basic premise of the Health Sciences is that lifestyles influence people’s health, studies linking the habits of specific subcultures with potential influences on health have rarely been conducted. In any case, this type of study has been based on pointing out, in a stereotypical and generally incorrect way, the risk habits to which certain groups are exposed. The aim of this research is to analyse the health actives, from a generalist point of view, of the self-defined otaku collective in Spain, to check if there is any relation between the lifestyles derived from the specific leisure patterns of these otakus and the characteristic health problems in similar age groups. For this purpose, we propose a multidisciplinary research focused on in-depth interviews and participant observation in which we will explore lifestyles, habits, confrontation strategies and problem-solving capacity. Similarly, we will compare the results obtained with the general guidelines of other groups of contemporaries, focusing mainly on the emerging adult age group. This study is part of a larger one in which the complexity of the friki movement is studied, and from which different lines of research derive that consider specific groups such as gamers or otakus. The first results point out that the patterns of leisure, as a sign of identity of the group, generate not only characteristic and different risk habits to those of other contemporary groups, but also that they are responsible for health assets of great interest to face processes of different nature. In the otaku collective, some confrontation strategies in the face of social problems or a greater interest in dietary diversification offer an interesting perspective that is explained as a result of the influence of Japanese culture on our society.

María de los Ángeles Núñez Baila y Anjhara Gómez Aragón (Universidad de Sevilla).

María de los Ángeles Núñez Baila es Graduada en Enfermería. Máster en Nuevas Tendencias Asistenciales en Ciencias de la Salud. Estudiante del Programa de Doctorado en Ciencias de la Salud de la Universidad de Sevilla, cuya investigación queda enmarcada en la línea de investigación Epidemiología, Salud Pública y Gestión Sanitaria. Ha realizado dos Expertos Universitarios en el ámbito de la alimentación. Su proyección investigadora se centra en la Enfermería Comunitaria, la Prevención y la Promoción de la Salud, aplicando el enfoque de los cuidados transculturales desde un punto de vista positivo (activos en salud) y desde la investigación de los imaginarios y percepciones en materia de salud.
Anjhara Gómez Aragón es Profesora Ayudante Doctora en el Departamento de Enfermería de la Universidad de Sevilla. Doctora en Antropología Social, especializada en temas relacionados con las relaciones turísticas Japón-España. Ha realizado investigación sobre temas relativos a las relaciones entre España y Japón a través del turismo o de productos culturales como el manga, el anime o los videojuegos, así como también ha trabajado sobre procesos de construcción simbólica de identidad (enfocado principalmente a los otakus en España) y sobre el estudio de las percepciones e imaginarios en diversos ámbitos transculturales. Presidenta de la asociación cultural y universitaria ADEC JAP-AN.

Huellas de la cultura japonesa en localizaciones y personajes de los videojuegos de Nintendo

La presente comunicación pretende realizar una aproximación sobre la influencia que han tenido y mantienen los videojuegos nipones para la difusión global del arte, las tradiciones y narrativas japonesas. En concreto una de las compañías clave en la historia de los videojuegos ha sido Nintendo que desde su sede en Kyoto se ha convertido en un referente mundial para el videojuego como industria cultural sin abandonar nunca sus raíces vinculadas a Japón. Nintendo fue fundada en 1889 por Fusajiro Yamauchi como compañía de cartas Hanafuda, a lo largo de sus más de 130 años de historia fue especializándose en el sector juguetero hasta que se introdujo de lleno en el ocio electrónico con las consolas portátiles Game&Watch en 1980 y de sobremesa con la Famicom en 1983. El fontanero Mario, insignia de la compañía, se ha convertido en un icono tan reconocible a nivel mundial que incluso el primer ministro de Japón, Shinzo Abe, apareció caracterizado como dicho personaje en la ceremonia de clausura de los juegos olímpicos de Río 2016 para recoger el testigo como siguiente sede olímpica. En la actualidad Nintendo se ha convertido en una empresa creadora de universos ludo-narrativos en los que el sustrato japonés siempre ha estado presente de forma más o menos evidente. En este trabajo se pretende analizar discursivamente una selección de videojuegos clave para la historia de Nintendo extrayendo esas huellas de japonismo en sus personajes, localizaciones e interacciones, para ponerlas en un contexto globalizado como elementos que acercan la cultura japonesa al gran público occidental. Entre las sagas analizadas podemos destacar la saga Super Mario (Nintendo, 1985) antes mencionada, en la que aparecen transformaciones como el “Mario Tanuki” ligada al folclore japonés; The Legend of Zelda (Nintendo, 1986), franquicia estrella de los juegos de rol que mezcla tradiciones occidentales medievales y niponas con un resultado muy particular; Pokémon (Game Freak, 1996), cuya mitología bebe directamente de Japón en sus cuatro primeras generaciones; o Yo-kai Watch (Level5, 2013), cuyo título ya nos introduce de lleno en la tradición mística de los espíritus llamados Yo-kai.
Todos estos ejemplos son solo una pequeña muestra de la complejidad de los videojuegos de Nintendo, cuyos elementos se integran de forma coherente en sus universos ludo-narrativos aportando una profundidad extra vinculada a su origen japonés. Este hecho evidencia otra faceta más valiosa, más allá del mero ocio electrónico, de su contribución cultural como textos interactivos.

Traces of Japanese culture in locations and characters of Nintendo video games

The present communication intends to make an approximation on the influence that Japanese video games have for the global diffusion of Japanese art and traditions. Specifically, one of the key companies in the history of video games has been Nintendo, which from its headquarters in Kyoto has become a world reference for videogames as a cultural industry without ever losing its roots linked to Japan. Nintendo was founded in 1889 by Fusajiro Yamauchi as a Hanafuda card company. Throughout its more than 130 years of history it was specializing in the toy sector until it was fully introduced in electronic entertainment with Game & Watch portable consoles in 1980 and finally with the Famicom desktop console in 1983. The plumber Mario, the company’s flagship, has become such a worldwide recognizable icon that even the Japanese Prime Minister, Shinzo Abe, was characterized as said character at the closing ceremony of the Rio 2016 Olympic Games to collect the witness as the next Olympic venue.Nowadays, Nintendo has become a company known for its ludonarrative universes. In them, the Japanese substrate has always been present more or less clearly.
This paper intends to analyze discursively a selection of key videogames from Nintendo’s history by extracting those traces of Japaneseism in its characters, locations and interactions, to put them in a globalized context as elements that bring Japanese culture closer to the Western public. Among the sagas analyzed we can highlight the Super Mario saga (Nintendo, 1985) mentioned above, in which transformations such as the «Mario Tanuki» linked to Japanese folklore appear; The Legend of Zelda (Nintendo, 1986), star franchise of role-playing games that mixes western and Japanese medieval traditions with a very particular result; Pokémon (Game Freak, 1996), whose mythology is taken directly from Japan in its first four generations; or Yo-kai Watch (Level5, 2013), whose title already fully introduces us to the mystical tradition of the spirits called Yo-kai. All these examples are just a small sample of the complexity of Nintendo video games. These elements are coherently integrated in their ludonarrative universes and provide an extra layer of depth that refers to their Japanese origin. This fact demonstrates another more valuable facet, beyond mere electronic entertainment, of its cultural contribution as interactive texts.

Dan Tarodo-Cortes (Universidad de Zaragoza).

Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Zaragoza (2010) y graduado en Periodismo (2014) por la misma universidad. Desde 2016 es Investigador Predoctoral en Formación dentro del programa de Formación de Profesorado Universitario (FPU) del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en el Departamento de Lingüística y Literaturas Hispánicas de la Universidad de Zaragoza. Actualmente está próximo a concluir su investigación doctoral, dirigida por los doctores Túa Blesa (Teoría de la Literatura) y Maite Gobantes (Comunicación). En dicho trabajo aborda la complejidad estructural del videojuego aportando un modelo de análisis basado en descriptores gramaticales en torno a la figura del héroe. En el estudio de caso se centra en las tres principales sagas de Nintendo, aportando un poco de luz a cómo la compañía japonesa construye sus héroes y como estos articulan el discurso ludo-narrativo en torno a ellos. Debido al carácter interdisciplinar de su investigación ha participado en numerosos congresos internacionales de distintas áreas, pero en la mayoría de ellos con los universos narrativos de Nintendo como eje central de sus investigaciones. Entre ellos podemos destacar el II Congreso Internacional de Estudios Interdisciplinares sobre Cómic celebrado en Zaragoza en 2019, con una propuesta sobre semejanzas y diferencias argumentales entre el manga y los videojuegos de Pokémon; el III Congreso Internacional de Historia y Videojuegos celebrado en la Universidad de Murcia, con una comunicación sobre el hecho histórico como creador de realidades ficcionales en los videojuegos; o el XXXIV Congreso Internacional de la Asociación de Jóvenes Lingüistas con un trabajo sobre la estructura gramatical de los universos de Nintendo. Además, cuenta con varias publicaciones de artículos y capítulos de libro y la coordinación de un dossier monográfico junto a Maite Gobantes, titulado “Discursos de la subjetividad contemporánea: de la Poética al videojuego” publicado como dentro de Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada.

Yoji Shinkawa ejemplo de la transmisión digital de la técnica sumi-e a través del Videojuego

Yoji Shinkawa (Hiroshima, 1971) es uno de los artistas ilustradores de la industria japonesa de los videojuegos más conocidos, con un marcado estilo combinando las formas plásticas tradicionales con el uso de los materiales digitales de vanguardia. Ligado desde 1994 a la internacionalmente conocida desarrolladora Konami, sus ilustraciones se crean bajo la pervivencia del sumi-e, técnica introducida por los monjes budistas zen en Japón a mediados del siglo XIV, proveniente de la dinastía Tang de China (618 a 907 d.C.), que se caracteriza por el uso de la tinta negra monocromática pintado con pincel. La fluidez del trazo y su potencia cromática de contrastes de luces y sombras, permite crear a Shinkawa unas imágenes potentes tanto para las composiciones previas del concept art de los proyectos a los que se liga, como a las imágenes finales para la publicidad y difusión de las obras video lúdicas. Así genera un absoluto respeto hacia las formas artísticas tradicionales de su país, entremezclándolas en una perfecta comunión con los géneros de los videojuegos que representa. La máxima expresión de su arte la crea junto a otro genio diseñador y director del tejido industrial del videojuego Hideo Kojima (Setagaya, 1963), creando los diseños conceptuales para las sagas Metal Gear (1987 – 2015), juego de acción y espionaje que fue modelo para todo un género de juegos y Zone of the Enders (2001 – 2003), juego ambientado en el futuro donde predominan las máquinas meka, robots vehículos tripulado por uno o varios pilotos. En ambos casos Shinkawa perfila unos personajes de expresiones duras y firmes, donde los rostros apenas son unos trazos que definen sus rasgos, y sus cuerpos detallan los objetos que se pueden ver en la versión tridimensional esculpida para la obra final del videojuego. Como en la técnica tradicional, apenas se introduce el color en las imágenes salvo en excepciones donde se pretende potenciar el tono bélico de la obra con detalles en verdes, azules o rojos, los tonos utilizados por el camuflaje y otros elementos de la guerra. Esta misma tónica se puede observar en sus últimas composiciones para los videojuegos Left Alive (2019) y Death Stranding (2019), donde respeta su estilo, pero cambia la materia pictórica de la tinta por una composición plenamente digital emulando los trazos del pincel tradicional. La singularidad de la obra Shinkawa permite, no obstante, hacer pervivir la técnica del sumi-e para ser transmitida de alguna forma a las nuevas generaciones habituadas a consumir obras de la cultura de masas en sus pantallas.

Yoji Shinkawa example of the digital transmission of the sumi-e technique through video game

Yoji Shinkawa (Hiroshima, 1971) is one of the best known illustrator artists in the Japanese video game industry, with a strong style combining traditional plastic forms with the use of cutting-edge digital materials. Linked since 1994 to the internationally known developer Konami, his illustrations are created under the survival of sumi-e, a technique introduced by Zen Buddhist monks in Japan in the mid-14th century, from the Tang dynasty of China (618 to 907 A.D.), which is characterized by the use of black monochromatic ink painted with brush. The fluidity of the stroke and its chromatic power of contrasts of lights and shadows, allows Shinkawa to create powerful images both for the previous compositions of the concept art of the projects to which it is linked, as well as the final images for the advertising and dissemination of playful video works. This generates absolute respect for the traditional artistic forms of his country, intermingling them in perfect communion with the genres of video games he represents. The maximum expression of his art is created by another genius designer and director of the videogame’s industrial fabric Hideo Kojima (Setagaya, 1963), creating the conceptual designs for the Metal Gear series (1987 – 2015), action and espionage game that was a model for a whole genre of games and Zone of the Enders (2001 – 2003), game set in the future where Meka machines predominate, robot vehicles manned by one or more pilots. In both cases, Shinkawa outlines characters with hard and firm expressions, where the faces are only a few strokes that define their features, and their bodies detail the objects that can be seen in the three-dimensional sculpted version for the final play of the video game. As in the traditional technique, the color is hardly introduced in the images except in exceptions where it is intended to enhance the warlike tone of the work with details in green, blue or red, the tones used for camouflage and other elements of the war. This same tone can be observed in his latest compositions for the video games Left Alive (2019) and Death Stranding (2019), where he respects his style but changes the pictorial matter of the ink by a fully digital composition emulating the strokes of the traditional brush. The uniqueness of the work Shinkawa allows, however, to make survive the technique of sumi-e to be transmitted in some way to the new generations accustomed to consuming works of mass culture on their screens.

Adrián Ruiz Cañero (Universidad de Zaragoza)

Doctorando en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza especializado en Humanidades Digitales. Diseñador y Productor Editorial en el año 2009 y Graduado en Historial del Arte en el año 2014, está especializado en Lenguaje y Cultura Audiovisual a través del Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte en el año 2015 por la Universidad de Zaragoza, y continúa ampliando el estudio y conocimiento en todo lo relativo a la aplicación de las nuevas tecnologías en los medios artísticos, así como la implicación actual de las Humanidades Digitales. Ha participado en diversos congresos y seminarios de carácter nacional e internacional, y publicado en diferentes revistas como La Tadeo Dearte (Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano – Facultad de Artes y Diseño); Artyhum (España) o AACA (Asociación Aragonesa de Críticos de Arte), entre otras. En la actualidad se encuentra preparando dentro del Programa de Doctorado en Historia del Arte, la Tesis con nombre «Un relato sobre la concepción narrativa y estética del Videojuego», que versará sobre las sinergias creativas del mundo del Videojuego, el nuevo Arte del siglo XXI, y las relaciones con las diferentes capacidades compositivas de las Artes tradicionales.

De taikos y bongos: la “japonesidad paradójica” de Donkey Konga y Taiko no Tatsujin como videojuegos distribuidos en Europa

Taiko no Tatsujin (TnT) es uno de los videojuegos más icónicos del gêmu o videojuego japonés. A Europa no llegó hasta 2018, momento en el que Taiko no Tatsujin: Nintendo Switch Version! y Taiko no Tatsujin: Sesson de Dodon ga Don! (para PlayStation 4) fueron comercializados como Taiko no Tatsujin: Drum ‘n’ Fun! y Taiko no Tatsujin: Drum Session! respectivamente. Anteriormente, la saga se comercializó en Norteamérica como Taiko: Drum Master en 2004. Ese mismo año llegó a Europa la serie Donkey Konga (DK), una colaboración para GameCube entre el equipo de Namco responsable de TnT y Nintendo que cambiaba taikos por bongos y mascotas propias por personajes de la serie Donkey Kong. La comparación entre ambos lanzamientos europeos ilustra dos estrategias muy diferentes de distribución de productos japoneses, similares a las descritas por Andrew Dorman en Paradoxical Japaneseness: la ocultación (“cultural concealment”) de los marcadores de identidad local y la “performance cultural” de los mismos como reclamos comerciales. Pese a ser un instrumento antiguo, la forma actual del taiko fue recuperada en la posguerra, convirtiéndose pronto en un símbolo nacional fuerte y un icono de la tradición que separa tanto a los participantes y el público en nacionales y extranjeros como en locales y no locales. TnT se estrenó en los arcade japoneses en 2001 como un producto intrínsecamente japonés, con un fuerte énfasis en la mímesis de la fisicalidad del taiko como actividad, mascotas reconocibles y una estética superflat llena de referencias a los matsuri del país. Así, TnT se define desde su origen por lo que Koichi Iwabuchi denomina “aroma cultural”. Sin embargo, la saga Donkey Kong sigue estrategias mukokuseki (“sin nacionalidad” o “sin estado”) y rechaza el aroma cultural para crear una estética transnacional. En lugar del control taiko, DK utiliza un control en forma de bongo que se juega golpeando dos tambores con las manos y dando palmadas, lo que resultaba más reconocible y familiar en occidente que el taiko para los jugadores potenciales. Pese a su énfasis en la tradición (modernizada), TnT ha usado siempre música proveniente del media mix japonés con canciones de manga, anime, otros gêmu e incluso versiones japonesas de éxitos de Disney. La versión japonesa de DK utilizaba música similar, pero en sus versiones americana y europea la selección se cambió por cortes de artistas occidentales contemporáneos y clásicos. Las recientes versiones europeas de TnT, además de conservar la estética e incluso las voces japonesas, mantienen el mismo setlist que sus originales. El contraste entre ambos lanzamientos hace necesario estudiar el papel de este “aroma cultural” en el marketing y ahondar en el carácter transnacional que el juego ha adquirido sin abandonar nunca sus marcadores locales. En esta tensión entre lo transnacional y lo nacional, se incluye también la lenta aceptación internacional de este instrumento japonés. El largo camino de TnT hacia Europa resulta ilustrativo de las cambiantes relaciones culturales entre Japón y Europa, tanto en el videojuego como en la cultura general.

Of taikos and bongos: the «paradoxical Japaneseness» of Donkey Konga and Taiko no Tatsujin as video games distributed in Europe

Taiko no Tatsujin (TnT) is one of the most iconic video games in Japanese gêmu or videogame. It did not arrive in Europe until 2018, when Taiko no Tatsujin: Nintendo Switch Version! and Taiko no Tatsujin: Sesson of Dodon ga Don! (for PlayStation 4) were respectively marketed as Taiko no Tatsujin: Drum ‘n’ Fun! and Taiko no Tatsujin: Drum Session!. The saga had been previously marketed in North America as Taiko: Drum Master in 2004. That same year the Donkey Konga (DK) series arrived in Europe, a collaborative creation for GameCube of the Namco team responsible for TnT and Nintendo that exchanged taikos for bongos and that had its own mascots from the Donkey Kong series. The comparison between both European releases illustrates two very different strategies for distributing Japanese products, similar to those described by Andrew Dorman in Paradoxical Japaneseness: the “cultural concealment” of local identity markers and the “cultural performance” of these as commercial claims. Despite being an ancient instrument, taiko in its current form was recovered during the postwar period and soon became a strong national symbol and an icon of tradition that separates both participants and the public into nationals and foreigners as well as local and non-local. TnT was released in Japanese arcade in 2001 as an intrinsically Japanese product, with a strong emphasis on the mimesis of the physicality of taiko as an activity, recognizable mascots and superflat aesthetics full of references to the matsuri of the country. Thus, TnT is defined from the beginning by what Koichi Iwabuchi calls “cultural odour”. However, the Donkey Kong saga follows mukokuseki strategies (“without nationality” or “without state”) and rejects the cultural odour to create transnational aesthetics. DK used a bongo-shaped control that is played by hitting two drums with the hands and clapping, which was more recognizable and familiar for potential players in the West than taiko. Despite its emphasis on (modernized) tradition, TnT has always used music from the Japanese media mix, including manga, anime, other gêmu songs, and even Japanese versions of Disney hits. The Japanese version of DK used similar music, but this selection was changed for contemporary and classical western artist songs in its American and European versions. The recent European versions of TnT do not only preserve its original aesthetics and Japanese voices but also maintain the same original setlist. The contrast between both releases makes it necessary to study the role of “cultural odour” in marketing and delve into the transnational nature that the game has acquired without ever abandoning its local markers. This tension between the transnational and the national, also includes then the slow international acceptance of this Japanese instrument. TnT’s long road to Europe is thus illustrative of the changing cultural relations between Japan and Europe, both in videogames and culture in general.

Víctor Navarro Remesal (CESAG – Universidad Pontificia Comillas) y Beatriz Pérez Zapata (Universidad de las Islas Baleares).

Victor Navarro Remesal es Doctor en Comunicación, especializado en GameStudies. También ha cursado estudios sobre Asia Oriental y guion de humor. Es autor de ‘Libertad dirigida: Una gramática del análisis y diseño de videojuegos’ (Shangrila, 2016) y ‘Cine Ludens: 50 diálogos entre el juego y el cine’ (Editorial UOC, 2019), además de numerosos artículos y capítulos especializados. Enseña Videojuegos, Narrativa y Cine de animación en el CESAG (Universidad Pontificia Comillas), en Palma. Sus principales intereses de investigación son la libertad del jugador, el Zen en los videojuegos, el gêmu o videojuego japonés y la preservación.
Beatriz Pérez Zapata es Profesora asociada del departamento de Filología Hispánica, Moderna y Clásica de la Universidad de las Islas Baleares donde en la actualidad imparte asignaturas de gramática inglesa e inglés con fines específicos. Obtuvo su doctorado en Estudios Ingleses por la Universidad de Zaragoza en 2017. Su tesis analizó el trauma poscolonial en la obra de la autora Zadie Smith. Su investigación se centra en cuestiones de trauma y memoria, poscolonialismo, literatura de refugiados y ética en la literatura, así como en la confluencia del poscolonialismo en los videojuegos.